LA CIUDAD ABUSIVA

Muchos me ubican como músico, pero tal vez pocos saben que estudié arquitectura. De esa etapa recuerdo que me fomentaron la conciencia por el entorno. Nos inculcaron el valor que tiene tomar en cuenta el contexto en el cual se desarrollarían nuestros proyectos. Nos inculcaron esta ética para ser buenos arquitectos en una ciudad en la cual normalmente se construye dentro del caos, donde no se respetan planes de desarrollo urbano, ni reglamentos, ni usos del suelo, ni altura de los edificios. Todo esto permitido por autoridades corruptas que a lo largo del tiempo han provocado una situación incontrolable. Lo cierto es que tenemos una ciudad pastiche.
Pero tomar en cuenta el entorno de una obra no solo representa un aspecto meramente formal. También se involucran las culturas y tradiciones propias del sitio, los impactos ambientales y el suministro de los servicios y vialidades. El ideal de cualquier obra arquitectónica, es provocar la revaloración de su entorno.

Pero cuando pienso en la llamada Ciudad Progresiva, planeada para llevarse a cabo en las inmediaciones del pueblo de Xoco al sur de la ciudad de México, solo descubro imposición, voracidad y abuso aplastante. En este sitio se pretende construir un conjunto de edificios entre los cuales uno tendrá 60 pisos de altura, el mas alto de Latinoamérica. En muchas ciudades del mundo, los edificios altos se concentran en ciertas áreas destinadas para tal fin. Pero en a Ciudad de México aparecen desperdigados por todas partes. Es una ciudad llena de chipotes que aparecen caprichosamente, mas respondiendo a fuertes intereses económicos, que al orden urbano. Las autoridades correspondientes han autorizado la construcción de la Ciudad Progresiva en una zona donde no se permiten edificios altos y muy cerca del cruce vial de Río Churubusco con Av. Universidad, que ya de por si presenta fuertes congestiones automovilísticas. Pero sobre todo, es evidente el desprecio por el pueblo de Xoco, cuya vida se ve fuertemente afectada por la cercanía a dicha obra. Hay una crítica discusión entre habitantes de la zona y la empresa constructora sobre si las recientes cuarteaduras presentadas en la Iglesia de San Sebastian son el producto de las excavaciones hechas a unos metros, ya que prácticamente colinda con la nueva construcción. Al parecer se están violando toda clase de reglamentos mientras las autoridades se lavan las manos.

Poco se sabe sobre la forma en que la empresa inmobiliaria Ideurban y las autoridades delegacionales pretenden mitigar el impacto que provocará la llamada Ciudad Progresiva. Sería importante para la opinión pública, saber abiertamente quienes son las personas que dieron la autorización de esta inusual obra, así como también ponerle nombre y apellido a los que están detrás de los grandes intereses económicos involucrados.
Por lo pronto, los que si están dando la cara son los habitantes de Xoco, en una lucha totalmente desproporcionada y solitaria. Para mi, la llamada Ciudad Progresiva simplemente no es ética y rompe, mas allá de lo formal, con todos los preceptos de lo que debe ser una buena arquitectura. No dejemos solos a los habitantes de Xoco.

 Notas relacionadas:
 http://www.jornada.unam.mx/2012/02/29/capital/045n2cap
http://www.jornada.unam.mx/2012/01/30/capital/034n1cap
http://www.animalpolitico.com/2012/03/vecinos-de-xoco-realizan-protesta-por-construccion/ http://www.eluniversal.com.mx/ciudad/109956.html http://xocovive.wordpress.com/2012/03/02/clausura-ciudadana-el-lunes-5-a-las-7-am-en-san-sebastian/
http://www.eluniversal.com.mx/ciudad/110562.html

Sr. González en ReverbNation

Comparto Mi Vida Pop

La vida no deja de sorprenderme. Soy un músico independiente que ha podido realizar una obra musical propia y tengo claro el privilegio que eso representa. Pero comienzo a explorar una nueva faceta del proceso creativo al incursionar en la escritura, misma que se me presenta como un terreno nuevo y virgen para expresarme en forma distinta a la habitual.
Durante el fin de semana pasado presenté, en el marco de la Feria Internacional del Libro de Guadalajara, Mi Vida Pop, libro que escribí mientras convalecía de cáncer. Mi motivación fue la de contarle a mis hijas algunos aspectos de la vida de su padre en lo que, debo reconocer, en algún momento llegué a pensar que sería mi último testimonio para ellas. Al enterarse mi amiga Elena Santibáñez, directora de la editorial Rhythm & Books, me animó a convertirlo en un libro. Así fue como me apliqué a la tarea de escribir algo que, como mosaico textual, combinaría diversas crónicas autobiográficas con sucesos de la cultura pop latinoamericana y del mundo, generalmente ligados a la música, pero que abarcan también programas de televisión, películas, comidas, imágenes, costumbres y modas. No imaginé que al entregarlo, encontraría en la titánica labor de edición de Elena, el perfecto complemento visual que redondeó el trabajo y lo hizo una obra verdaderamente atractiva. Con éste, además de buscar eco en mis congéneres, también pretendo marcar una serie de referencias para que las nuevas generaciones reconozcan el origen de muchas de las manifestaciones culturales que ahora son vigentes. La cultura pop, mas allá de un slogan publicitario en algún canal de videos musicales, es un concepto que define la evolución de movimientos contraculturales que con el tiempo se integran a la sociedad de consumo. Algunos conservan su esencia resistente, rebelde y contestataria. Otros se desvirtúan para convertirse en obras sin sustancia. Esta dinámica nos acompaña de forma clara desde la mitad de la década de los años cincuenta del siglo XX hasta nuestros días.
Es así como reconozco que soy, como muchos de ustedes, un producto de mi época. Por eso decidí llamar al libro, Mi Vida Pop. De venta en Gandhi, El Péndulo, Librerías Gonvill y locales de prestigio.

Maqueta de "Carmesí" (Inédita)

Mi Vida Pop se presenta en la FIL de Guadalajara

Memorias de los Andes

 


Les comparto un par de relatos sobre algunos viajes de mi niñez y adolecencia. Yo vivía en Perú durante la mitad de la década de los años setenta.

Me pareció reconocer una escena de la película Azul Profundo. Yo estuve ahí en los setenta, con algunos compañeros del Colegio Santa Margarita. Apareció ante mis ojos, toda la nieve que minutos antes habíamos visto en la lejanía. Después de recorrer un larguísimo túnel, salimos envueltos por este paisaje nevado que incluía unos lagos. Estábamos a 4800 metros de altura sobre el nivel del mar. Ticlio es el punto mas alto en el mundo por el que pasa un tren. Por esos días, el viejo ferrocarril central era la mejor manera de llegar a Huancayo en el Valle del Mantaro, una región del altiplano andino. Los vagones eran de madera y crujían con el movimiento. Posiblemente eran de principios del siglo XX. Sé que actualmente, el transporte ferroviario de pasajeros ya no se acostumbra tanto en ese trayecto y su función se centra, mas que nada, en llevar los minerales extraídos de La Oroya a Lima.

El asenso es tan empinado que el tren tenía que parar y cambiar de vía, subir en reversa para nuevamente parar, cambiar de vía y subir el siguiente tramo hacia adelante. Así repetidas veces. Atravesamos al rededor de cincuenta puentes sobre profundos barrancos, así como sesenta túneles cortados en las rocosas montañas. Para mis costeros compañeros limeños, la subida andina era difícil de soportar por súbita. Mientras, yo presumía tener un corazón grande por haber nacido en la ciudad de México, comía galletitas frente a varios de ellos mientras vomitaban como consecuencia del "soroche". Un empleado del tren asistía a los indispuestos con un arcaico aparato, el cual incluía un fuelle y que servía para proporcionarles oxígeno. Éramos un grupo de excursionistas que nos adentrábamos en el paisaje andino. Después de Ticlio, bajábamos hacia el altiplano pasando La Oroya y Jauja, donde compre unos panes deliciosos a unas "cholitas" —indígenas peruanas— desde la ventana del tren. Al aparecer el río Mantaro, el terreno se extiende plano de norte a sur, donde a 50 km. nos esperaba Huancayo en medio de una torrencial lluvia. Para mis amigos limeños esto era un espectáculo poco común, ya que no estaban acostumbrados a ver llover y menos cuando era una tormenta. Recuerdo como un tipo que siempre me tuvo mala fe, me respetó desde entonces al ver que no me intimidaban los relámpagos y truenos, mientras él simplemente no pudo controlar su miedo.

En 1975 y en otra parte de la cordillera mas extensa del continente, visité con mi familia un lugar en el que solo se podían ver las copas de unas palmeras enterradas en medio de un delta de tierra gris que bajaba desde el Huascarán, la montaña mas alta del Perú y el segundo pico de los Andes después del Aconcagua. Estábamos sobre lo que alguna vez había sido Yungay, población que había sido cubierta por un alud en 1970, durante los días del mundial de futbol en México.

La tragedia se dio después de un fuerte terremoto. Mientras los habitantes de Yungay hacían el recuento de los daños provocados por el movimiento telúrico, un gran segmento de nieve y rocas del Huascarán se desprendía sobre la laguna de Llanganuco, provocando una gran masa de lodo y rocas, que bajó a 200 km. por hora, completando el desastre siete minutos después. Estábamos rodeados de pequeñas cruces clavadas en el terreno que indicaban los lugares de las casas donde se encontraban sepultadas familias enteras. Murieron 50,000 personas. Desde ahí se podía ver el inmenso gajo que se había desprendido de la montaña.

Entre la sierra negra y la blanca, corre el callejón de Huaylas, el eje de nuestro recorrido, al cual llegamos después de subir los Andes en el auto de mi papá, manejando por una brecha angosta entre barrancos y atravesar puentes muy peligrosos. Adentrarse en el Perú de los setentas, era hacer un viaje en el tiempo. Como si este se hubiese detenido en algún momento de la colonia. Nos instalamos en Huaraz, capital del departamento de Ancash y desde ahí nos desplazamos hacia el norte, donde se había dado el desastre de Yungay.

Algunos kilómetros después se encuentra Caraz. En su plaza se alzan unas altas palmeras que fueron regaladas simultáneamente a las dos poblaciones por el gobierno cubano. Fue hasta ese momento en que pude imaginar la dimensión del alud sobre lo que ahora es un campo santo.

BOTELLITA DE JEREZ EN LA CARCEL

Encontré este texto, el cual ahora les comparto y que narra la ocasión en que siendo yo parte de Botellita de Jerez, fuimos a tocar a la prisión de alta seguridad de Almoloya de Juarez, misma que tenía poco tiempo de haber sido abierta. Espero lo disfruten.

Era 24 de noviembre de 1993. Para entonces, no imaginábamos las sacudidas que el país viviría algunos días después, a partir del alzamiento zapatista y los asesinatos políticos. Ese día los Botellos vivimos una experiencia poco común. Fue la primera ocasión en que tocamos en el auditorio Julio Castillo, de la prisión de alta seguridad de Almoloya de Juárez, en dos conciertos para grupos de cincuenta presos cada uno, en los que también asistieron algunos custodios y personal de la prisión.
Juan Pablo de Tavira, criminólogo que algunos años después fuera trágicamente baleado en el comedor de la Universidad Autónoma de Hidalgo en Pachuca, no sin antes haber sobrevivido a un intento de envenenamiento con gas butano en su propia casa, fue quien diseñó meticulosamente esta prisión. En esos días, él fungía como director de tan peculiar cárcel. Era el segundo aniversario de la fundación de este centro penitenciario y tocamos como parte del programa de rehabilitación de presos, los cuales eran involucrados en actividades artísticas, "...para hacerles la vida un poco mas llevadera y darle un peso menos duro y represivo al sistema penitenciario..." según nos decía un trabajador social que ahí laboraba.
Así fue, como ante lo mas selecto de la delincuencia de este país, nos presentamos frente a, quizás, el más enigmático de los públicos que hayamos tenido nunca. Durante cinco horas aproximadamente, vivimos como invitados especiales, en la claustrofobia de una prisión comparable a mis recuerdos mas obscuros de películas como El Silencio de los Inocentes —cuando la agente Clarice Sterling visita por primera vez a Hannibal— o Termitator II —cuando rescatan a Sarah Connor, madre del futuro líder de los humanos, de la prisión psiquiátrica con todo y guardias encabinados, que controlan todo movimiento en monitores de televisión—.
Nos recogieron temprano en un transporte destinado al personal de la prisión y nos dirigimos primero hacia Toluca, la cual atravesaríamos para tomar posteriormente la carretera hacia Atlacomulco. Algunos minutos después, nos desviamos del camino para finalmente llegar al centro de readapatación social, no sin antes pasar un par de retenes en los cuales, guardias fuertemente armados, inspeccionaron el vehículo y nos vieron con sospecha.

Llegamos a una recepción y después de pasar una estricta revisión y cumpliendo todos los requisitos que nos pidieron previamente, como el de no ir vestido de caqui o azul, ni usar pulseras o cinturones, nos llevaron por una serie de trayectos internos en donde están controlados los accesos y las salidas de cada pasillo. Terminas por perder el sentido de orientación, ya que la cárcel está planeada para no tener ángulos rectos en sus recorridos, lo que hace que uno no sepa si esta dirigido al norte, o al sur, o a donde sea. El tiempo se hace más lento y las rejas se convierten en una constante visual familiar. Si lograbas ver espacios abiertos, estos estaban subdivididos por rejas electrificadas y nos informaron que pisábamos varios metros de concreto al ras del suelo, para de esta forma evitar túneles.
Después de un recorrido laberíntico, nos instalamos en el foro y realizamos una pequeña prueba de sonido. Esperamos con nerviosismo al primer grupo de reos.
En esta prisión hay varias prisiones en una, es decir, está dividida en varios módulos donde se agrupan los delincuentes según su perfil y los cuales no tienen interacción con los otros módulos. Nosotros tocaríamos solo para dos de estos grupos.
Al llegar los primeros presos a las butacas, los notamos un poco idos. Nos explicaron que los dopaban para controlar su agresividad. Los sentaron con un lugar vacío entre cada uno de ellos y hablaban burlonamente entre sí. Era difícil no pensar que nosotros éramos la causa de esas risas.
En el primero de los dos conciertos fue difícil romper el hielo, pero gracias a la capacidad alburera de mis compañeros Armando Vega-Gil y Paco Barrios El Mastuerzo, se logró la interacción deseada, aunque cauta por nuestra parte. Santiago Ojeda y yo, optamos por dedicarnos solamente a tocar, como era nuestra costumbre. Confieso que me hubiese resultado imposible lograr un diálogo en estas circunstancias, por lo que las habilidades de mis amigos me ayudaron a sentirme tranquilo y manejar la situación.
Mis compañeros fueron rebautizados por los presos, con apodos como Copete de Hueso, ya que Paco estrenaba su corte de pelo al estilo Miguel Hidalgo y Pata´e Gis, apodo que hacía referencia a la pierna enyesada de Armando. Vega-Gil, que por poco muere unos días antes en La Marquesa, víctima de un amor no correspondido, causa por la que se le nubló la vista y provocó su caída de una pared de piedra por la que muy enamorado y descuidado escalaba. La pata rota fue un mal menor si concientizamos que terminó a un metro del suelo y nosotros, a un instante de quedarnos sin bajista.
Con los reos, comenzó el intercambio de sobrenombres y así, nos fuimos enterando que uno se hacía llamar Robocop y otro La Bestia. No recuerdo bien quién de los dos era uno de los famosos narcosatánicos. Se decía que descuartizaban niños en sus ritos.
En esta “llevada” interacción entre presos y botellos, un reo que se decía compositor, nos quiso hacer llegar una de sus letras que inmediatamente fue interceptada por un custodio. El contacto físico con nosotros era totalmente prohibido y evitado. La confianza es un bien bastante escaso en ese lugar.
También apareció un típico rockero de la vieja guardia que pedía a gritos Polvo en el Viento, Escaleras al Cielo, Hotel California o alguna Jimmy Hendrix, mientras su compañero a un lado, políticamente correcto, lo reprendía diciéndole que era mejor escuchar nuestro mexicanísimo material.
La tensión finalmente fue desapareciendo y pudimos terminar satisfechos la primera de nuestras presentaciones.

Se van a la chingada
Chingados chingadores
Chingón de los chingones
Chingando soy cabrón
¡Ah! que la chingada
Me chingo al que me chinga
Que chinga a chingadazos
¡Soy el gran chingón!
¡Ah! chinga chinga, chinga chinga
¡Ah! chinga chinga
Fragmento de la canción "El laberinto de la soledad capítulo IV"
de Francisco Barrios
del disco "Forjando Patria/1994" de Botellita de Jerez

Apenas tuvimos un poco de tiempo para descansar y estar listos para el segundo concierto con los presos del módulo 8, mejor conocido como el módulo de Los Olvidados. Con ellos, llegamos a lograr momentos divertidos y emotivos. El nombre de este módulo, corresponde a que los presos que lo conforman, hicieron delitos tan terribles que ni amigos (!), ni familiares los visitan jamas. En este módulo, todos purgan tantos años de condena, que prácticamente son cadenas perpetuas.
Con nuestra recién estrenada canción La Valona de la Conquista, los hicimos saludar a la bandera entre las miradas preocupadas de los custodios. Cuando acabamos, no faltaron las felicitaciones navideñas anticipadas para mi y mis compañeros.
Botellita de Jerez entretuvo así a un público poco común, tratando difícilmente de no juzgar a nadie en ese momento. Habíamos logrado interactuar con un público del que vibrábamos los extremos más obscuros de la conducta humana.
Luego, nos llevaron a un comedor vacío en donde nos dieron de cenar alimentos sin sal, ya que de esta forma controlan el lívido de los reclusos. Y después de pasar por las mismas revisiones a la salida del penal que cuando ingresamos, regresamos a la Ciudad de México en una noche muy fría. Sus luces desde el cerro de las cruces me parecieron distintas después de nuestro pequeño encierro. El chofer que nos llevaba, nos contó como apaciguaban a los presos con manguerazos de agua fría, aplicados directamente en sus celdas individuales y videograbadas las 24 horas del día. Nos contó de personajes como Caro Quintero y otras ¨distinguidas¨ personalidades recluidas en módulos que ya no conocimos.
En esta aventura nos acompañaron nuestros técnicos, entre ellos el inseparable Apache quién algunos años después, viviría su propia pesadilla en una cárcel californiana. También iba nuestro representante Roberto Martínez y Antonio Cruz de Blas, periodista que hicimos pasar como parte de nuestros técnicos. Este, escribió por esos días, su versión de esta visita en el periódico Uno más Uno. Tiempo después, en 95, volvimos a ese pequeño foro. Supimos que no todos habían pasado por ahí con la misma suerte de nosotros cuando fuimos la primera vez. Nos dijeron que Yuri, en un numerito de corte evangelizador, fue rechazada por tan selecta audiencia y la trataron realmente mal. En ese regreso, nos acompañaron Fratta, que en esos días era nuestro ingeniero de audio y, queriendo repetir el esquema del periodista incógnito, llevamos a Oscar Sarquiz. Lo cierto es que, en esa segunda ocasión ya no se repitió la misma intensidad de la primera vez. El aire se respiraba distinto. Eran tiempos Zedillistas y de Lozano Gracia como procurador de la república. Ya estaban encerrados ahí, Mario Aburto y Raúl Salinas. Se notaba cierto relajamiento en la seguridad sin dejar de ser estricta. Después de un tiempo dejo de llamársele Almoloya para convertirse en la prisión de alta seguridad de "La Palma".

Los videos del Sr. González:

SR: GONZÁLEZ
Mi música

YO ME PREGUNTO...¿Porque no se reconoce al talento nacional?

Por el Sr. González.

Hay un fenómeno que no es viejo en este país, pero que se ha acentuado en los últimos años. La fuga de talentos no es exclusivo de la ciencia y abarca diferentes áreas que no son ajenas al arte.
El otro día caía en cuenta que las mejores películas que he visto recientemente, fueron dirigidas por mexicanos en el extranjero. El Laberinto del Fauno, Babel y Los Hijos del Hombre, son excelentes películas imposibles de realizar en nuestro país.
En la música encuentro varios casos quizás mas críticos, debido a los talentos fugados que ni siquiera han tenido el reconocimiento nacional como rebote de su éxito en el extranjero. Ya no hablemos de bandas como Kinky o Los de Abajo, que bien que mal se les admira aquí, aunque no se compare con el lugar que les dan en el exterior, que es mucho mejor que el que les dan en su propia tierra.
¿Alguna vez han conocido (ya no digo escuchado) a gente como Rodrigo y Gabriela, José Luis Fernández Ledesma, Alquimia, Claudia Martínez, Artefakto u Hocico?
El caso de Rodrigo y Gabriela es ejemplar. Ellos formaban parte de una banda de Metal en la ciudad de México. Al ver un futuro negro en sus pretensiones rockeras, como pareja deciden mudarse a Ixtapa y buscar trabajo tocando en hoteles. Al tener que tocar a bajo volumen por requerírseles como música de fondo, se hacen de dos guitarras de palo y hacen arreglos de los temas metaleros que solían tocar, resultando y quizás sin proponérselo, en un sonido distinto y original para su música.
Hartos por las pocas posibilidades que les presentaba la escena nacional, deciden hacer maletas y por una recomendación amistosa terminan en Dublin, Irlanda. Al poco tiempo se gastaron el dinero que habían juntado (por la venta en México de los instrumentos de su vieja banda) y comenzaron a tocar en las calles como forma de subsistencia. La atención a su forma tan peculiar de tocar e interpretar temas fue tal por parte de este nuevo público, que de las calles pasaron a tocar en antros y poco tiempo después llegó la propuesta de grabar con una disquera independiente.
En la actualidad, tocan por toda Europa y Estados Unidos en festivales prestigiosos. Sí, ellos dos, sentaditos en sus sillas y con sus guitarras de palo, haciendo brincar a miles de jóvenes, dando pláticas por aquí y por allá sobre su técnica para tocar la guitarra (destacando la muy peculiar forma de tocar de Gabriela) y emocionando a todo el que los escucha con sus propios temas o versiones a clásicos de Metalica y Led Zeppellin, con un estilo que es una mezcla de guitarra latinoamericana, metal y virtuosismo.
Para que se den una idea de lo que hablo, denle una visitada a http://www.myspace.com/rodrigoygabriela  
Afuera son un fenómeno y aquí ¿Quién lo sabe? Los medios de comunicación nacionales prácticamente los han ignorado y así como a ellos, me pregunto a cuantos mas.
Como mencioné al comienzo, esto ya es una vieja historia en donde los que manejan la cultura y los espectáculos (ojo panistas, que las dos cosas no son necesariamente lo mismo), hacen de la manipulación masiva por parte de los monopolios mediáticos y de las acciones culturales gubernamentales, una fuente de poder económico y político.
¿Se romperá esta dinámica de manipulación y mala educación con las nuevas posibilidades de escuchar música y ver imágenes por internet? Si algunos talentos han tenido que salir del país para que se les reconozca ¿Cuantos hay todavía aquí, desconocidos para la mayoría? Los que dicen tener todas las alternativas en los medios ¿Realmente las tienen? ¿Cuantos están dispuestos a ya no seguirle el juego a los medios nacionales?
¿Tu que piensas?

YO ME PREGUNTO...¿Los DJ's son músicos?

por el Sr. González como El Pensador/publicado en La Canica de Guadalajara

¿En que momento, la música dejo de ser un territorio exclusivo de los músicos?

Los DJ's de los años setenta se dedicaban a hacer su arte mezclando hits en las discotecas. Pero a partir de los años ochenta y sobre todo en los noventa, surgieron los remixes y la autoría fue alcanzando importancia. El surgimiento de los Samplers, posibilitó la combinación de partes musicales de viejos discos como nunca antes se había logrado y la creación de Loops. Los secuenciadores permitieron prácticamente a cualquiera, tocar diferentes instrumentos sin desarrollar una técnica ni virtuosismo. La esquizofrenia y la deconstrucción auditiva reclamaron su lugar.

Los DJ's han rebasado el trabajo con la musica bailable y ahora figuran como productores de diversos generos musicales, ya que tienen una visión fresca de como deben sonar las cosas. Pero podríamos preguntarnos ¿Lo que hacen se puede considerar música ó es mera producción? Quitandonos prejuicios con respecto a si nos gusta o no lo que hacen, sus propuestas contienen tres elementos básicos por lo que podríamos decir que si crean música. Estos son: ritmo, armonía y melodía. Algunos consideran que no es suficiente, que la carencia de conocimiento musical lleva a los DJ's a hacer temas monótonos, pero no toman en cuenta que su música tiene una función... crear ambientes, como el de una reunion ó un antro. Funciona perfectamente bien en esos terminos.

Es cierto, porque esa ha sido mi experiencia al trabajar con ellos, que en muchos casos descubren cosas en forma accidental, intuitiva, mas que por un conocimiento convencional del quehacer musical. Yo diría que una buena cantidad de sus hallazgos son así. Pero lo cierto es que también han venido a enseñar a los músicos convencionales nuevas formas de plantear sonidos, de presentarlos, de trabajarlos con las nuevas tecnologías. En una epoca en donde las propuestas musicales no son muy sorprendentes y se repiten, esto resulta verdaderamente enriquecedor e innovador.

Las ofertas más llamativas en los últimos años se han dado, sin duda, en el terreno de la producción más que en el musical y los DJ's han tenido que ver mucho en el asunto. Basta oir el trabajo de Fatboy Slim, The Chemical Brothers, Radiohead, Björk, Bowie, de Hip Hoperos y Trip Hoperos ó la influencia en productores como Mitchell Froom, Brian Eno y Daniel Lanois.

¿Será que no hay nada nuevo que inventar y solo varía la forma de presentar la música o esta visión formalista encierra algún sentido postmoderno? ¿Donde quedaron las canciones? ¿El hecho de que los DJ's hagan música los hace músicos? ¿Cualquier gente, con un poco de gusto, podrá hacer música en el futuro con solo tener una computadora?

¿TU QUE PIENSAS?

YO ME PREGUNTO...¿El rock ha muerto?

por el Sr. González como El Pensador/publicado en La Canica de Guadalajara

Ponerle una fecha de caducidad al rock resulta una tarea dificil. Desde mediados de los años setenta, la muerte del rock ha sido declarada varias veces. Definir la escencia perdida no ha resultado facil dado que es un genero que siempre se ha alimentado de los otros.

Mientras que en los años sesenta, la ruptura y la protesta, el cuestionamiento y el sueño llegaban a su máximo esplendor en una música que unía a los jóvenes del mundo en el hippismo, los años setenta representaron para el rock el desencanto y la seducción de las formas. De ahi la primera impresión de la muerte del género y la confusión. ¿El rock es una actitud?

A partir de ahí, éste empezó a evolucionar en una serie de subgeneros en donde la asimilación de influencias crecería. En esos años, la Psicodelia cambió su visión delirante por el virtuosismo y la fantasía del Progresivo, el Blues se hizo pesado y aparecieron los primeros sonidos del Metal, se sembró la semilla de lo que sería el Pop de los años ochenta con el Glam y se gestó el movimiento más representativo del desencanto, el Punk. El sueño se había convertido en pesadilla. No había futuro.

En los 80s, los sintetizadores toman una importancia en donde, hasta ese momento, la guitarra distorcionada era la protagonista. Esta empieza a sonar más limpia y comienza el predominio de los delays. El Punk se suaviza en el New Wave. La música electrónica reclama su lugar y, la fuerza que el Pop alcanza en esos años, hace pensar a muchos que la sustancia del Rock se perdía en los sonidos artificiales y las imágenes de la recien nacida era del video. Parecía que todo se diluía en propuestas ligeras y el Dark llevaba al desencanto a terrenos estilizados y glamorosos. Una vez más el Rock fallecía ante los ojos de algunos nostálgicos de los años sesenta y setenta.

Sin embargo, la rebeldía y el cuestionamiento a la realidad no habían desaparecido. El discurso de cada década era el que cambiaba. La brecha generacional se hacía presente en una música con espíritu joven. Y como todo joven adolescente, ante los oidos de los mayores que añoraban sus clásicos, el nuevo Rock adolía de un motivo.

Fue en esta época cuando el Rock en español muestra su cara al mundo. No porque no existiera desde antes, pero en esos momentos es donde se entiende como un movimiento con identidad iberoamericana. En esos días, por ejemplo, un artículo en la unión americana decía en su encabezado: El Rock ha muerto y vive en México.

Desde los años noventa, llega el agotamiento de los recursos formales. Aparecen los eclectisismos y la mezcla de lo inmezclable. También la nostalgia se manifiesta ahora en lo reciclado y lo retro. El discurso ahora es el de la indiferencia después del desencanto ante un mundo agotado y roto. La sensación de que todo se ha dicho nos plantea una vez más: ¿Lo que escuchamos sigue siendo Rock? ¿Donde quedó lo contestatario, novedoso y vanguardista? ¿O es que el Rock ya es un folklore?.

¿TU QUE PIENSAS?

YO ME PREGUNTO...¿Porque los músicos hacen play back?

por el Sr. González como El Pensador/publicado en La Canica de Guadalajara

En la televisión mexicana, tantos años de "Siempre en domingo" arraigaron el ritual del musical a base de play backs. Situación que para la empresa televisiva era totalmente conveniente, ya que no tenían que invertir ni en equipo de audio, ni en capacitación de técnicos para lograr la transmisión de música en vivo con un mínimo de decencia. Esto, aunado a una cultura nacional que idolatra al interprete por encima de los compositores de música, ponían a los llamados canta-autores y a las bandas del momento en un segundo plano. De ahí que la habilidad de los músicos al tocar y la magia que provoca una presentación en vivo, bien ejecutada, con el tiempo dejó de tener importancia. El rock de otras latitudes estaba satanizado en México a partir de lo de Avándaro y las posibilidades de escuchar rock nacional en un estudio de televisión eran prácticamente imposibles. La gente se educó pues, por ponerlo en términos simples, oyendo "bonitas letras" en vez de apreciar buena música y viendo a cantantes solitarios en vez de agrupaciones. Ya entrados los años ochentas, ni hablar, la práctica del play back se había institucionalizado.
A los arriesgados músicos que buscaban "por principio" tocar en vivo, les resultaba contraproducente. Aún buscando la forma de tener un control sobre la señal de audio que salía al aire. Los ingenieros de sonido de las bandas, que pretendían tomar el control de la situación, se encontraban siempre ante la resistencia de un técnico de audio, sindicalizado, que no permitía la intromisión en sus dominios, usando criterios burócratas más que profesionales. Éstos por su puesto, no tenían ni la más mínima noción de como debía sonar la banda en cuestión. La gente común, que veía un musical con el audio incorrecto, deducía como conclusión: ¡Que mala es esta banda! Antes que pensar: ¡Que mal sonorizada está!
Por un principio de realidad: "en la televisión se vende imagen, no sonido", por lo que finalmente todos caían en las garras del play back. Hubo algunos programas excepcionales. El programa La Movida con Verónica Castro fue uno de ellos. Pero supongo que lo costoso de un programa con estas características desanimó a Televisa a seguir esta idea. Seguro pensaron que La Gran Familia Mexicana ni se daría cuanta. El colmo resultó, cuando este esquema es exportado a festivales radiofónicos en estadios, con supuesta infraestructura para eventos en vivo y en donde las personas simplemente no identifican que lo que ven es la actuación de una ejecución, y no la ejecución en si misma.
Cuando apareció Televisión Azteca la cosa no cambió, se acentuó. Sin embargo, los canales que han marcado un cambio son los de perfil cultural. Como muestra están algunos programas musicales del canal once y el veintidós (Acústico, por ejemplo). Pensar que en México viésemos programas musicales con la calidad de otros países, implica romper todo un esquema de manejo muy arraigado en la televisión. Es la cultura del Play Back.
¿No será que casi tres décadas de programas de Raúl Velasco, atrofiaron la cultura musical nacional? ¿O, acaso lo que sucede realmente es que la música es lo de menos? Porque si antes lo que importaba eran las letras románticas, ahora son las caritas bonitas ¿Los músicos deberían ser unos mártires y pasar vergüenzas hasta que alguien se de cuenta que se deben producir programas bien sonorizados? ¿Será que la televisión mexicana se adelantó a su época? ¿Se habrán dado cuenta que la música electrónica desplazaría a los músicos y ver a alguien tocando ya no tendría sentido? ¿O le ando buscando tres pies al gato?
¿TU QUE PIENSAS?

YO ME PREGUNTO...¿Que es el ruido?

por el Sr. González como El Pensador/publicado en La Canica de Guadalajara

El ruido por definición, es un sonido desagradable. Pero desagradable es un término relativo ¿No será que el ruido es un concepto ligado a la cultura y la formación auditiva del que lo escucha?

La escena repetida por décadas del papá diciéndole al hijo: ¡Quita tu ruido!... , mientras éste escucha su música a todo volumen, es bastante elocuente. A mi me queda claro; la tolerancia a ciertos sonidos, se va dando como característica cultural a lo largo del tiempo. Canciones que hace 10 años parecían estruendosas en la actualidad no lo parecen tanto, incluso para los que en ese entonces las disfrutaban por esa característica. Existe un proceso de asimilación a cierto tipo de sonidos que terminan por provocarnos una reacción de aceptación después de un tiempo. Es curioso ver que en muchos casos de la música actual, se reproduce de manera artificial, por nostalgia, el ruido que hacían los LP's de antaño, el "scratch", mientras que justo en la era del LP el enemigo a vencer fue ese mismo ruido.

La idea que muchos tienen del ruido como un concepto único para todos los seres humanos, es un error. Un mismo sonido puede parecer ruido para algunas personas y para otras no. Mientras en unas provoca repulsión, para otras genera diferentes sensaciones a las cuales hay una disposición por parte del que escucha. Si hablamos del daño al oido, vemos que también dicha afectación es relativa, incluso en terminos de volumen. Esto sin desconocer que hay límites físicos y biológicos. Pero sin duda la predisposición, favorable ó no a sonidos estruendosos, tiene un efecto final en la reacción y el estado de ánimo del que lo escucha. En un concierto de rock con altos decibeles, el padre y el hijo del ejemplo pasado, pueden estar sufriendo y disfrutando respectivamente el espectáculo.

En consecuencia, los grupos generacionales y socioeconómicos, los diferentes perfiles y temperamentos de la sociedad, forman códigos de tolerancia hacia ciertos sonidos.

Otro ejemplo: Un albañil que mientras trabaja está feliz escuchando un radio de transistores a todo volumen y por lo tanto, con el sonido saturado. A otra persona que en ese momento se encuentra ahí, esto puede causarle una reacción de rechazo por considerarlo poco fino y de mal gusto, no solo por los posibles prejuicios que esta persona pudiera tener ante el tipo de música que el albañil escucha, sino también, a la mala calidad de reproducción de la misma. Las diferencias en sus formas de vida, pueden marcar la diferencia en su tolerancia y su gusto por ciertos sonidos. Manejan aceptación y rechazo, respectivamente, a lo mismo.

En recientes fechas, he notado cierto culto al ruido. El ruido, entendido como tal, como sonido desagradable, es una parte de las manifestaciones artísticas que así interpretan nuestra realidad. Los ruidos, al sublimarse, se hacen tolerables y dejan de ser desagradables para los que los usan y los perciben como obras artísticas. No así, para los que no lo entienden. Los ruidos son una parte, cada vez más clara, en la obra musical actual. Vivimos un mundo de ruidos. El tráfico de la ciudad, el avión que pasa por sobre nuestras cabezas, el sonido de la guerra, de las máquinas, de la fábrica ó el del radio del albañil. En nuestros dias, el ruido es cultura ó qué... ¿Estoy distorsionando la cosa?

¿TU QUE PIENSAS?

AGASAJO PROGRESIVO EN EL D.F.

Por el Sr. González/publicado en rock.com.mx

Entre el año 2000 y el 2005, la Ciudad de México se vio invadida por una ola de conciertos de Rock Progresivo jamás vista antes en este país. Estos fueron organizados en su mayoría por la empresa Sol & Deneb y concentrándose principalmente entre los años 2001 y 2002. Mi gran amigo Plinio Santos, director de rock.com.mx, me invitó a reseñar buena parte de estos conciertos ya que conocía mi afición por dicho género y en una mezcla de fan, músico y narrador primerizo, escribí mis impresiones de cada presentación, así como la emoción que representó poder escuchar a estas bandas por primera vez.
Si en la actualidad me siento muy verde en esto de la escritura, en aquellos años me sentía perdido. Sin embargo creo que, aun así, transmití aspectos interesantes de esta etapa tan peculiar de los conciertos realizados en nuestro país.
Les presento pues, una compilación de dichos artículos y espero que sean de su agrado:


BANCO DEL MUTUO SOCCORSO/SEP 2000

CUANDO LA MÚSICA QUISO ALCANZAR A LOS DIOSES
Reencuentro con Banco del Mutuo Soccorso

En mi adolescencia, a mediados de los años setenta, vivía en Venezuela. En esa edad, donde uno necesita manifestar el gusto propio. Edad en la cual uno se vuelve radical y el fundamentalismo en gustos musicales se impone. En plena adolescencia me convertí en un fanático rock progresivo. Esa mezcla de música sinfónica y rock, que llevó a este último, al estado más sofisticado que jamas haya logrado.

Parte del atractivo de esta música, se encontraba en las imágenes auditivas que sugería, donde el lenguaje instrumental tenía el mismo peso que la lírica y en algunas ocasiones, predominaba. Por otra parte, el virtuosismo de sus ejecutantes también era importante, haciendo de estos, unos verdaderos mitos vivientes. Entender esta música, o creer que la entendíamos, nos daba la sensación de pertenecer a un grupo selecto, ya que el oído requería de cierta educación para apreciar su complejidad. Era un rock intelectual.

Pertenecer a este grupo de melómanos conocedores (así se sentía uno), era adquirir los usos y costumbres de seguidores con un perfil particular. El deseo de poseer los discos mas extraños y de las procedencias más diversas, se volvía importante para lograr cierto status. Esta actitud te separaba del resto de la gente que escuchaba música disco, la música comercial de la época.

Uno comenzaba escuchando a los grupos ingleses, que siempre tuvieron mejor manejo mercadotécnico que las bandas de otros países. Yes, Genesis, Camel, ELP, King Crimson, Jethro Tull, Gentil Giant, eran la punta de lanza de este movimiento. Pero se podría decir que fue básicamente un fenómeno europeo, mientras que en los Estados Unidos de Norteamérica y Canadá, fueron muy pocos los exponentes de este género. Los más conocidos, quizás, fueron Kansas y Rush. Un país que se destacó en esta música, fue Italia. Dos de sus más conocidos representantes eran Premiatta Forneria Marconi y Banco del Mutuo Soccorso, en donde las influencias barrocas y operísticas evidenciaban sus raíces.

La admiración que uno sentía por estos artistas pisaba los terrenos de la idealización. Los discos se convertían en universos totales y piezas de colección valiosas. Algo que los hacía parecer semidioses era que, tratar de verlos en vivo era prácticamente imposible para un adolescente de Latinoamérica.

En nuestros países se dieron algunas manifestaciones locales que se convertirían en la única alternativa para ver en vivo a un grupo de rock progresivo. Recuerdo de Venezuela a Vytas Brenner y Témpano.

Con los años ochentas, la sofisticación de esta música se tornó en un sonido acartonado, poco natural y sobre todo, poco comercial. Muchas bandas desaparecieron. Algunos músicos del género se decidieron a tocar Jazz Fusión llegando a estados de complejidad tal, que se aislaron aun más del gusto rockero. Otras bandas se hicieron sencillas y perdieron adeptos. Desde la segunda mitad de los años setenta, el punk llegó y convenció con su viceralidad, elemento que perdió el progresivo al volverse muy técnico. El rock progresivo parecía tener fecha de caducidad.

Yo crecí, volví a México y me di la oportunidad de manejar un criterio más amplio en mis gustos. Para mi el Rock Sinfónico, como se le decía también, había pasado a representar una época. Unos amigos que nunca perdieron la afición, me hicieron notar a comienzos de los noventa, que el progresivo seguía vivo en el underground de coleccionistas aferrados, bandas nuevas y alguno que otro aferrado que nunca dejo de tocar. Dream Theater es un ejemplo exitoso de esta nueva generación.

Todo este preámbulo es para ubicarnos en el contexto en el cual se dio un singular concierto. El sábado pasado fui a ver por primera vez a Banco del Mutuo Soccorso. Tocaron en el Gran Forum del Sindicato de Músicos del D.F. Fue una regresión, un espacio para la nostalgia y una sorpresa grandísima poderlos ver finalmente, veinticinco años después. Para muchos, entre ellos yo, se saldó una deuda pendiente. Vi a los ídolos que se convirtieron en personas reales. Unos maravillosos seres humanos que con una gran dignidad llevaban mas de dos décadas tocando la música en la que creyeron y que a varios nos educó el oído.

Se dieron cita unas mil personas para ver, en su segunda visita a la ciudad de México, a la legendaria banda. Sus edades oscilaban entre los treintas y cuarentas. Algunos cincuentones también

¿De donde salieron esta serie de personajes que alguna vez se sintieron parte de algo especial? Esta noche fue el motivo para revivir este sentimiento. Escuche grandes solos y la energía del público motivó al grupo a dar lo mejor de si. Así, en esta época de las grandes tecnologías aplicadas a la música y a su ejecución, fue reconfortante escuchar algo en donde el factor humano puede alcanzar niveles sublimes. La voz de Francesco nos cautivo. Pudimos alcanzar finalmente a los dioses.

Alineación:
• Francesco Di Giacomo: Vocals
• Pierluigi Calderoni: Drums
• Gianni Nocenzi: Keyboards
• Renato D'Angelo: Bass
• Marcello Todaro: Guitar
• Vittorio Nocenzi: Keyboards
Discografía:
• "Banco Del Mutuo Soccorso" (1972) Ricordi - SMRL 6094
• "Darwin!" (1972) Ricordi - SMRL 6107
• "Io Sono Nato Libero" (1973) Ricordi - SMRL 6123
• "Banco Iv" (1975) Manticore - MAL 2013
• "Garofano Rosso" (1976) Manticore - MAL 2014
• "Come In Un' Ultima Cena" (1976) Manticore - MAL 2015
• "...Di Terra" (1978) Ricordi - SMRL 6226
• "Canto Di Primavera" (1979) Ricordi - SMRL 6247
• "Capolinea" (1980) Ricordi - SMRL 6260
• "Urgentissimo" (1980) CBS - 84677
• "Buone Notizie" (1981) CBS - 85415
• "Banco" (1983) CBS - 25729
• "...E Via" (1985) CBS - 26642
• "Donna Plautilla" (1989) RARC - Nl 74215
• "Nudo" (1997) EMI 8 23620 2
• "Papagayo Club 1972" Prehistoric PR01
• "Banco Del Mutuo Soccorso Live 1970" Mellow MMP150

___________________________________________
CAMEL/ABR 2001

CON EL ANDAR DEL CAMELLO
¿CAMEL EN MÉXICO?

Hace algunos meses Plinio Santos, director de rock.com.mx, me anticipó información sobre los conciertos que Camel realizaría en la ciudad de México, mismos que se dieron este fin de semana en el Salón 21. Saberlo entonces me emocionó mucho.
Después de todo, yo como músico, siento que le debo mucho al trabajo de este grupo. Pero nunca hubiese imaginado que asistir a uno de estos eventos, rebasaría cualquiera de mis expectativas. Ya en alguna ocasión comenté, cuando escribí en este espacio de la última visita que nos hicieran los italianos de Banco del Mutuo Soccorso, que para un adolescente latinoamericano y fanático del rock progresivo durante los años setentas (como me tocó vivirlo a mi), pensar en ver a nuestras bandas favoritas era algo prácticamente inalcanzable.
Sobre todo en el México de esa época con su oscurantismo rockero, sostenido por las autoridades y los medios de comunicación de aquel entonces. La cosa ha cambiado muchísimo. De un tiempo para acá, Sol & Deneb Productions han estado haciendo conciertos de leyendas del rock progresivo, logrando con esto, saldar algunas cuentas pendientes con los fanáticos latinoamericanos. Nunca es tarde.

NO ANDABA MUERTO
Camel, una de las súper bandas de los años setenta, siguió en activo los años posteriores. El único miembro sobreviviente de la formación original, Andrew Latimer, confirmó su ya probado talento como guitarrista y compositor con el correr de los años ochenta. Sorteando toda clase de obstáculos, finalmente fundó Camel Productions a principios de los años noventa y ha sacado ocho discos desde entonces en forma independiente que se suman a la veintena de discos sacados anteriormente por EMI y Decca. No perdería así, su status de banda de culto y que conserva hasta nuestros días. De esta forma, cual conjunción de estrellas, todo coincidió para que la ciudad de México y Chihuahua quedaran incluidas y de esta forma cerraran, la primera gira latinoamericana de esta agrupación. Apenas me enteré de que los boletos estaban a la venta, compré uno.

LA ENTREVISTA
A Plinio le avisaron de la conferencia de prensa que Latimer y compañía iban a dar en el sur de la ciudad el sábado 7 por la mañana y me pidió que lo acompañara. Quería que lo asesorara en las preguntas que les iba a formular. Le dije inmediatamente que si. Desempolvé mis viejos LP´s y acudí a la cita. Se encontraban ahí Latimer, Colin Bass y Denis Clement. En vivo y en directo. Me sorprendió el poco nivel de las preguntas que formulaban algunos de los reporteros. Cuando uno de estos cuestionamientos estaba a punto de desquiciarnos a músicos y presentes, Plinio tomó la palabra y le preguntamos a Andrew si alguna vez había compuesto algo para cine y, de no ser así, si le gustaría hacerlo. La cara le cambió. Fue una pregunta que tenía que ver con lo descriptivo de sus pasajes musicales. Contestó que había hecho alguna vez algo para un documental y que si, que le gustaría mucho hacerlo, aunque lo considera un trabajo un poco estresante. Las preguntas siguieron. A veces, estas parecían más halagos de fans que cuestionamientos interesantes (no niego mi calidad de fan en este encuentro pero, señores, esto era una conferencia de prensa). En un nuevo turno le preguntamos como se sentía en el terreno independiente. Su respuesta nos dejó boquiabiertos a Plinio y a mi. Cuando terminó, parecía que yo había contestado la pregunta que repetidas veces me han hecho desde que produzco mis propios discos. Dijo sentirse muy bien en ese terreno, que actuaba con mucha libertad creativa y que el contacto con sus seguidores era más directo que nunca. No me podía sentir más identificado. No solo admiraba su música sino que, guardando las distancias, compartíamos las mismas ideas en cuanto al manejo de nuestro trabajo. Cuando terminó la conferencia, hice mi cola entre los reporteros-fans para que me firmaran mis discos. Aproveché para darle mis dos CD´s como solista a Latimer que recibió de buena gana y los guardó en su maleta. Le comenté también que me gustaba mucho el tema Ice, mientras firmaba el I can see your house from here. Había comenzado el primero de varios sucesos inolvidables para mi.

FRENTE A FRENTE
Fui al segundo de los conciertos, el domingo 8, porque encontré mejor lugar ese día. Cuando me senté, me percaté por los amplificadores en el escenario, que tendría al mismísimo guitarrista enfrente. La asistencia comprendía a varias generaciones, pero predominaban los cuarentones y treintañeros como yo. Poco a poco se llenó la sala y la gente impaciente, por momentos aplaudía y gritaba para que comenzara el concierto. Pasadas las 8:30 de la noche comenzó el concierto. Salieron Guy Le Blanc, Colin Bass, Denis Clement y el último en salir a su lugar y el más alto en estatura de todos fue Andrew. Los recibimos con un largo aplauso. Finalmente estábamos frente a frente. Comenzaron a tocar y desde el primer acorde, la emoción no dejó de hacerme sentir un nudo en la garganta. El sonido era bastante aceptable y la maestría de Latimer se impuso. Tocaron piezas que casi alcanzan los treinta años de haber sido compuestas. Rahayder, del disco Snow Goose, provocó la respuesta efusiva del público. Los músicos en el escenario y, sobre todo Colin Bass (viejo compañero de batalla de Latimer), se mostraban sorprendidos por la reacción de la gente. Yo creo que no están acostumbrados a un público tan expresivo. En lo personal, me transporté a la época en que empecé la universidad y dejaba que la pieza Ice me pusiera la piel chinita, entonces en disco y ahora en vivo, con una interpretación melancólica y maravillosa. Tocaron una hora prácticamente instrumental con piezas de los discos Mirage, Moonmadness y su más reciente producción Rajaz, con pequeñas intervenciones cantadas por Bass, pero sin que hubiésemos escuchado aun la grabe voz de Andrew, lo cual no evitó la conexión con su público, manejando un lenguaje no verbal que yo atribuyo a las tablas y el carisma de este gran artista. Todos podíamos sentir que nos miraba, que nos saludaba y dedicaba parte de algún solo. Los mensajes auditivos y las expresiones de este hombre llegaron a embriagar a la audiencia que gritaba y aplaudía cuando la emoción ya no cabía. Los demás integrantes, también ganaron la simpatía de todos nosotros con la calidad, la técnica y el esmero con el que tocaban. De pronto, todos se reúnen en el centro del escenario y entonan una versión de Cielito Lindo en donde anunciaban un intermedio. Las risas no se hicieron esperar.
En el ínter, los comentarios entre los asistentes coincidían en la gran calidad de músicos y en los recuerdos que nos provocaban algunos de esos temas. El ambiente era verdaderamente feliz. Cuando Camel volvió, tocó un bloque de canciones acústicas de la etapa ochentera, principalmente del Stationary Traveller y la voz de Andrew se hizo presente. El cambio de los arreglos demostró que las buenas canciones lo son, más allá del estilo en que las toquen. En esta ocasión tomaban un aire folk. La intensidad subió y volvieron a sus instrumentos originales. Cada nota en su lugar y un sentimiento que contrasta tremendamente con lo que estamos acostumbrados a escuchar en últimas fechas. Luego de dos horas, llegó el final con temas del Dust and Dreams y como era de esperarse los hicimos regresar. Volvieron para tocar Lady Fantasy del disco Mirage. La gente brincaba y cantaba y los músicos dieron lo mejor de si.

LA REFLEXION
¿Porqué la buena música como la que estábamos escuchando estará destinada al olvido ó al undergrownd? Es injusto. Para todos es injusto. Cuando creíamos que ya habían dado todo en el escenario, nos seguían ofreciendo más y más. Guy en los teclados, Denis en la batería, ¡Colin, Colin! le gritábamos al bajista y unos de los mejores guitarristas que haya dado la historia del rock, Andrew Latimer, nos conectaban con su magia. Sin duda es el concierto más emotivos que me haya tocado ver en la vida. Antes que ellos y las bandas de su generación, la música era distinta. Ellos crearon un sonido que perdura hasta hoy y tuve la fortuna de oirlos y verlos.
Escribo esto con verdadera emoción,
Sr. González (el músico ahora y el fan para siempre).
9 de abril del 2001.

DISCOGRAFÍA de CAMEL
Camel On The Road 1972
Camel 1973
Mirage 1974
Snow Goose 1975
Moonmadness 1976
Raindances 1977
Breathless 1978
The Live Record 1978
I Can See Your House From Here 1979
Nude 1981
Chameleon 1981
Camel On The Road 1981
Single Factor 1982
Camel On The Road 1982
Stationary Traveller 1983
Pressure Points 1984
The Collection 1985
Compact Compilation 1986
Landscapes 1991
Dust And Dreams 1992
Echoes 1993
Never Let Go 1993
Harbour Of Tears 1996
Coming Of Age 1997
Master Series
Rajaz 1999
'73-'75 Gods Of Light

Para más información de Camel:

CAMEL PRODUCTIONS www.camelproductions.com/

___________________________________________
STEVE HACKETT/JUL 2001
Hackett y el Soundtrack de Una Vida

Si bien, nosotros somos los personajes principales del film que es nuestra propia vida, las escenas importantes no pueden dejar de tener como complemento la música.

El pasado viernes, 20 de julio, el guitarrista Steve Hackett, en conferencia de prensa en reconocida tienda de discos de la Zona Rosa, contestó las preguntas de los reporteros ahí presentes relacionadas con el concierto que daría el siguiente día en el Premier, de su trabajo solista y de su pasado celebre como guitarrista de Genesis.

Entre otras cosas habló de su interés por mezclar influencias, ya que en su trabajo encontramos que incursiona tanto en el rock progresivo, como en la música sinfónica y el pop. Comentó que al progresivo lo ve como algo del pasado y que lo que le interesa de la música es la experimentación con diversos géneros, más que definirlos.

Cuando le preguntaron por las bandas de neo-progresivo, habló del sentimiento al tocar como algo importante. Le parece que los nuevos grupos están más preocupados por hacer cosas técnicamente complicadas y no por lo sencillo. Considera que pocos de ellos compondrían una pieza en 4/4. Mencionó que la complejidad es un elemento más dentro de la composición y no el fin.

Primera escena:

Un muchacho mexicano de 13 años, que en aquel entonces vivía en Venezuela, escucha con su amigo los discos del hermano mayor. Le llaman la atención algunas portadas, en especial una que muestra a un hombre dormido en una banca y detrás de él, un camino arbolado del cual salen unas personas. Es el Selling England By The Pound de Genesis. Lo escuchan y les parece aburrido. Este muchacho nunca pensaría que esa banda y ese disco se convertirían en sus favoritos con el paso de los años.

Segunda escena:
Después de trabajar en una pequeña imprenta durante el verano, el muchacho que ya tiene 14 años, junta un dinero con el cual se compra el más reciente disco de Genesis llamado Wind And Wuthering, recomendado por sus amigos que lo introducen en el rock progresivo. Este, lo graba en un cassette y se lo lleva a un campamento de quince días en la selva del Amazonas. Conviviendo con los indios Yucpas, en un ambiente totalmente exótico, descubre la música más descriptiva y alucinante que jamas haya escuchado. El trabajo del guitarrista le parecía esquizofrenicamente sinfónico.

Stephen Hackett nació en Inglaterra en el año de 1950, iniciando su carrera musical con las bandas Sarabande, Canterbury Glass y Quiet World.
A los 21 años, entra a Genesis para sustituir a Anthony Phillips. Alcanzaría la fama a lado de sus compañeros de banda: Peter Gabriel, Phil Collins, Tony Banks y Mike Rutherford. Con ellos tocó siete años para después dedicarse a hacer su trabajo como solista.
Incursiona en diversos géneros que abarcan desde la música africana a la sinfónica, pasando por el jazz y los ritmos brasileños, mezclándolos con el rock progresivo.
En su discografía son ya 20 CD¹s entre álbumes de estudio, recopilaciones, ediciones especiales y en vivo.
Ha tenido seis tours mundiales e infinidad de eventos de caridad alrededor del mundo.

Tercera escena:

En una semana santa. Unos amigos de sus papás le pidieron que cuidara su casa mientras salían de viaje. Hubiese estado bien invitar a esa niña que lo volvía loco, pero el deseo se volvió con el paso de los días, en cita frustrada. Su compañía en esta solitaria misión fue el disco The Lamb Lies Down On Brodway, que compró para conocer los trabajos anteriores de esa banda de la cual se iba convirtiendo en fan. Conseguir ese disco había sido una hazaña ya que en Caracas solo se traían por pedido del extranjero. Oír ese disco a solas, en una casa vacía, por varios días, hizo de todo en su cerebro menos quitarle el miedo por su pasajero papel de celador. El trabajo de ensamble de los músicos, era equilibrado y Hackett experimentaba con todo tipo de cuerdas. Entre ellas un sitar.

Cuarta escena:
Ya se había hecho de todos los discos de su banda favorita y ahora compraba el recién salido Seconds Out, su segundo disco en vivo. Era 1977 y en su recamara estaba el poster del escenario con las dos baterías. En el disco, la banda sonaba impecable. Llamaba la atención como Steve Hackett mantenía el plano de su guitarra en medio. El gentleman siempre se destacó de otros por no ser el guitarrista que quería sonar más fuerte que los demás. Su concepto; el del ensamble sinfónico. Este sería su último disco con Genesis.

En la conferencia de prensa se comento sobre el cambio de Genesis, bajo la influencia principal de Phil Collins después de su salida. Steve bromeo diciendo que Phil había comido muchos chocolates suizos.
Con respecto a sus influencias, comentó que en un principio aprendió a tocar la armónica para después aprender la guitarra. Habló de Segovia y de Erik Satie como referentes importantes en sus composiciones (basta oír Kim del LP Please Don¹t Touch) además del blues. De hecho, su más reciente disco, Sketches of Satie, es un homenaje que él y su hermano John le hacen al compositor francés.
Sobre el encuentro con sus viejos compañeros de Genesis y los que fueron parte de esta banda hace un par de años, comentó que le pareció familiar el trato con músicos con los que no le había tocado trabajar, sin extenderse más en el tema.
Sobre un adelanto de lo que tocaría al día siguiente, prometió cosas nuevas, de Genesis, Satie y unos cuantos solos.
Este caballero inglés de trato amable, también presentó a los músicos que lo acompañan. Ellos son ROGER KING en los teclados, GARY 0'TOOLE en la batería, TERRY GREGORY en el bajo y ROB TOWNSEND en el saxo y la flauta.

Quinta escena:

Para nuestro protagonista, era una de esas épocas de cambio en su vida. El joven dejaba a su familia para regresar a su país, México y así estudiar la universidad. La música no dejó de acompañarlo. En su nuevo hogar, conseguir los discos que le gustaban era más difícil aun y el rock estaba totalmente satanizado en estas tierras. En su banda favorita habían tenido una gran perdida. Y aunque ésta pudo asimilar los cambios que vendrían con los años 80's, Genesis ya no sería lo mismo sin Hackett. Le parecía que los discos solistas de Steve como Please Don¹t Touch y Cure, sonaban sin duda, mejor que And Then There Were Three, el primer disco de Genesis sin él.

Sexta escena:
Ya son los finales de los años 80¹s y sus gustos musicales se habían diversificado. La radicalidad adolescente ya era una cuestión del pasado y por otro lado, el progresivo había entrado en plena decadencia. En la universidad encontró a unos amigos con los que hizo un disco a mediados de la década influenciado por los viejos ídolos progresivos y así comenzó su carrera como músico dejando su profesión, la arquitectura. Ahora era parte del movimiento de rock en español de su país. Perdió la pista de Hackett. Lo último que oyó de él fue lo que hizo con Steve Howe, GTR, que no le gustó mucho.

21 de Julio. 8 PM al sur de la ciudad de México.
Se comienzan a congregar seguidores. Muchos de ellos, caras familiares del concierto de Camel hace algunos meses. Por ahí, el fotógrafo Fernando Aceves dice: ... este concierto promete. De pronto, los organizadores nos permitieron acceder, poco a poco, a los que cubrimos el evento. Nos tocó sentarnos tras la consola de audio.
Comienza el concierto con un trabajo de luces que se destaco a lo largo de la presentación, mostrando una sincronía casi perfecta con la música. Abre con Mechanical Bride. Tal derroche de virtuosismo nos dejó boquiabiertos a muchos de los asistentes. Después de eso, podría tocar lo que quisiera. Y así fue. Nos mostró lo que el día anterior explicó como ¨sentir lo que se toca¨. Alguna torpeza tendría que equilibrar la virtuosa ejecución y fue cuando Steve decidió bromear con su español. Un poco tieso al moverse, en ocasiones, parecía un robot. Más que nada, provocó simpatía en el público y no nos impidió disfrutar el concierto.

De Genesis tocó fragmentos. Recordando cuando en el pasado, en sus presentaciones, esta banda unía varias partes de sus largas piezas. Los Endos que tocaría dos veces durante la noche fue de las más aplaudidas.
Y aunque algunos desconocíamos parte de su trabajo solista, como era mi caso, no dejó de cautivarnos. Sin una voz privilegiada para el canto, logro encontrar el equilibrio perfecto para mantenernos sumergidos en la música. La noche continuó con Serpentine, Watcher Of The Skies, Hairless Hearts, Riding The Colossus, The Steppes, Walking Away From Rainbows, Sierra Quemada, Vampire With A Healthy Apetite y Gnossience No. 1 de Satie.
El concierto continuó hipnotizándonos, sumergiéndonos en toda clase de imágenes. De repente nos dimos cuenta de que el concierto terminaba al finalizar In Memoriam. Los asistentes reclamamos el consabido encore. Hackett salió con la guitarra acústica para tocar Horizons y después toda la banda terminó con la segunda versión de Los Endos.
Salieron del escenario y la música de fondo no nos dejó duda de que ya había terminado todo. Al salir al vestíbulo del Premier, nada resultaba más ridículo que ver las fotos de Timbiriche, José José y Coque Muñís en la recepción. Las personas abandonaron el recinto con una sonrisa en sus rostros.

Séptima escena:

Han pasado 25 años desde la primera escena y dentro del marco de un renacer de las viejas leyendas, en donde han venido a su país aquellas bandas de los años 70¹s, llega a México, Steve Hackett. Entre una mezcla de nostalgia por esa música de la que aprendió mucho y asombro por saber que el guitarrista seguía en activo, asistió emocionado al concierto. Una vez más, la música, ese lenguaje abstracto y total que te puede hacer imaginar cualquier cosa, estaba ahí para marcar un momento más en su vida. Porque ese concierto será recordado por el resto de sus días como la conclusión de un ciclo y la comprensión de que la música no tiene tiempo. Fue al encuentro del guitarrista, le dio todos los discos que de él tenía para que los autografiara y además, como lo hizo con Latimer del grupo Camel, le regalo el suyo.

Discografía:
• Feedback '86 -2000
• Sketches of Satie -2000
• DARKTOWN -1999
• The Tokyo Tapes -1998
• Genesis Revisited -1997
• A Midsummer Night's Dream -1997
• There Are Many Sides To The Night -1994
• Blues With A Feeling -1994
• Guitar Noir -1994
• The Unauthorised Biography -1992
• Time Lapse -1992
• Momentum -1988
• Till We Have Faces -1983
• Bay Of Kings -1983
• Highly Strung -1983
• Cured -1981
• Defector -1980
• Spectral Mornings -1979
• Please Don't Touch -1978
• Voyage Of The Acolyte -1975
Ligas relacionadas:
www.stevehackett.com
genesis.m3w.com

___________________________________________
KING CRIMSON/AGO 2001

De intelecto, viseralidad, arrogancia, genialidad e intriga
King Crimson, segunda visita a México - agosto del 2001

Era el 17 de agosto por la mañana. Me topé con él accidentalmente. Yo salía del elevador, en el Hotel en el cual se iba a realizar la conferencia de prensa y que fue cancelada en el último momento. Tras el asombro, solo pude decir Mr. Fripp. Fui totalmente ignorado. Y su actitud no varió cuando en un segundo intento lo volví a llamar. Sentí algo parecido como cuando, hace algunos años, Gloria Trevi me hizo lo mismo en un ascensor de un hotel en Monterrey. Yo solo buscaba ser amistoso y ella actuó como si yo no existiera. En fin, con la sola relación de estas dos situaciones, terminé riéndome. "Hago mal si lo tomo como algo personal" pensé.

Y es que para los que hemos seguido a King Crimson y a su líder Robert Fripp, una anécdota de estas, coincide perfectamente con la imagen que de él se conoce, sea mito ó no . Alguien me dijo alguna vez, que no dejaba que nadie lo tocase, lo cual me pareció una invención pero que habla de la idea que se ha creado en su torno, algo así como la de un genio antisocial.

Según lo que puedo entender de su biografía y de lo que él mismo ha dicho en diversas ocasiones, los músicos en general son solo un vehículo para que la música nos alcance. En otras palabras, la música es lo verdadero y lo que realmente importa. No así, toda la parafernalia con la cual la envuelven los mercaderes del show business. Supongo que esto incluye él que rechace la dinámica de los fans que van tras el autógrafo (y también supongo que me confundió con uno de ellos... no andaba muy lejos).

De cualquier modo, en mi personal punto de vista, no creo que esté bien que una persona ignore a otra. De una posición digna y ética, se puede pasar muy fácilmente a la arrogancia y a la malcriadez.

La personalidad de Fripp, me causa intriga. Aun así, no puede negar, con todo y lo que haga, que él es una persona mundialmente conocida, por no decir "un Rock Star".

Me intriga porque además creo en la posición que ha tomado ante su trabajo y su entrega a la experimentación. Las ideas que ha manejado dentro y fuera de King Crimson las comparto y como músico, esto me seduce.

Y como coincido en que la música es lo que realmente importa, esa misma noche asistí a la presentación, primera de tres, que King Crimson daría en el Teatro Metropólitan de esta Ciudad de México.

Encontré a muchos músicos y demás fauna rockera. Ahí estaba José Manuel Aguilera, Oscar Sarquiz, el editor Benjamín Salcedo y el fotógrafo Fernando Aceves, entre otros. Todos listos para escuchar lo que para muchos es una de las músicas más vanguardistas y experimentales que se puedan oír en la actualidad.

En sus comienzos, a finales de los sesentas, a King Crimson se le ubicó como parte del movimiento de rock progresivo que en ese entonces nacía en Europa. Sin embargo, clasificar el estilo de una banda no es siempre suficiente para definirla y en este caso, menos. King Crimson no fue un grupo que se estacionó en el estereotipo setentero. De hecho, cuando parecía que consolidaban algún tipo de definición o empezaban a tener éxito, solían separarse. Fripp, como el cerebro organizador, nunca cedió ante ningún tipo de autocomplacencia y en cambio, siempre mantuvo la linea de búsqueda musical. De King Crimson, uno siempre podrá esperar escuchar lo que nunca antes habíamos escuchado.

Mientras ocupábamos el recinto, presenciamos un acto totalmente agradecible y que, en mi caso, suavizó la sensación del fallido encuentro matutino. El mismísimo Fripp, ambientó nuestra llegada con aproximadamente 15 minutos de Frippertronics ó Soundscapes, como él los ha definido. Algunos no se dieron cuenta y otros, se acercaban sorprendidos a verlo. Poco a poco la voz se corrió entre los despistados y al terminar, recibió un fuerte aplauso del público. Pocos minutos después, el concierto comenzó.

En esta ocasión vinieron con Fripp: Adrián Belew, Trey Gunn y Pat Mastelotto. Desde principios de los ochenta, Belew y Fripp han conformado una mancuerna que es, en buena medida, la esencia de la banda desde entonces. La balanza se equilibra entre el papel racional, matemático y disciplinado de uno, con la viseralidad, la lírica y fuerza del otro. En vivo, Belew es el frontman. Pero no el típico cantante que roba las miradas del público. No puede ser así ante el nivel de todos los demás integrantes. Por lo mismo resulta incluso un acto humilde, que un músico de su talla (que, entre otras cosas, ha ganado varios años el premio al mejor guitarrista experimental por parte de la revista Guitar Player) salga del escenario un par de ocasiones, se quite y ponga su guitarra y sea simpático. Sonará ridículo, pero conozco a más de una estrellita del rock nacional que se dan más taco (por cierto, el mismo Belew ha producido a algunos de ellos y no estoy hablando de Santa Sabina).

En fin, ya sea por la humildad de Belew ó por ese "estar - no estar" de Fripp (que se sienta de perfil al público y solo lo ve hasta que se despide del escenario), su postura es la de que solo nos van a convencer y maravillar con su música.

Trey Gunn y Pat Masterotto, quienes se incorporaron al grupo desde los discos Vrooom y Thrak, no habían tenido el espacio que ahora lucen en The Construcktion Of Light y terminaron demostrando que están a la altura de las circunstancias. Todos ellos vinieron a México hace cinco años además de Tony Levin y Bill Bruford. No los pude ver en aquella ocasión, pero los comentarios fueron como siempre muy buenos.

En una entrevista que Fripp le diera a Adriana Díaz Enciso en Londres, comentó que él odió aquellos conciertos, aludiendo que el público no oyó un 100% de lo que debía escuchar y que el boleto fue muy caro. ¿Odiará estos también? Por lo pronto, yo veo la cosa con más realismo y lo que comencé a escuchar me cautivó. Tocaron material de los discos recientes y tres temas de la etapa ochentera.

De los recuerdos más claros que me quedan son, Prozakc Blues (un blues al estilo Carmesí); también un solo de Fripp con uno de sus tantos sonidos sintetizados que se parecía al timbre de un piano y que resulto buenísimo; la nueva versión de I Have A Dream (nueva porque ya la conocía en la versión individual que Belew tiene en mp3.com) que en vivo es más pesada; Elephant Talk (que es una de mis favoritas); Trey haciendo sonar unas voces con su Bass Touch Guitar (como si de por si, no nos sorprendiera con su forma de tocar); la combinación de toms y tambores eléctricos de Masterotto que tocaba tan bien en esos tiempos tan difíciles y poco comunes que suelen tocar y ese maravilloso shaker que sonaba increíble (ahí me sale lo percusionista, no niego la cruz de mi parroquia); la sobreposición de melodías en diferentes tiempos (que demuestran un dominio matemático del ritmo) y la sensación general del concierto que nos presentaron, haciéndonos parecer que era fácil todo lo que hicieron ¡Guau!.

Definitivamente no es una música sencilla y ahí radica su encanto. El público respondió con tal euforia que hicieron tres encores. Yo salí impresionado y motivado de este primer concierto del fin de semana. El primero en el que yo los veía también, aunque llevo muchos años siguiéndoles los pasos.

Después de todo...no todo es perfecto en esta vida ¿Verdad?.

Discografía del Rey Carmesí
In The Court Of The Crimson King
In The Wake Of Poseidon
Lizard
Islands
Epitaph
Earthbound
Larks'Tongues In Aspic
Starless & Bible Black
Red
The Night Watch
The Great Deceiver.
Discipline
Beat
Three Of A Perfect Pair
Absent Lovers
VROOOM
THRAK
B'Boom-Live In Argentina
THRaKaTTaK
Live In Mexico City
The ConstruKction Of Light
Heaven And Earth (firmado bajo el seudónimo de ProjeKct X)

De los ProjeKcts:
Space Groove
Live At The Jazz Cafe
Live Groove, Masque
West Coast Live
The Deception Of The Trush: A Beginners' Guide To ProjeKcts.

Ligas
www.mp3.com/adrianbelew

___________________________________________
LE ORME/NOV 2001

Le Orme En México
 
Para los seguidores del rock progresivo en la ciudad de México, los dos últimos años han sido muy buenos. Las cuentas pendientes se siguen pagando. Si bien, en la última década hemos tenido visitas aisladas de bandas de la talla de ELP, Yes y KC, en los mencionados años han venido bandas progresivas en forma nutrida. Banco del Mutuo Socorsso dos veces, Jhon Weton, Steve Hackett, Camel, After Cying, Asia y King Crimson son nombres que aparecieron en las marquesinas de nuestros foros con bastante frecuencia. Sol and Deneb Productions ha sido el responsable en organizar varios de estos conciertos y terminó el año, organizando el 18 de noviembre, en el Salón 21, la presentación de la legendaria banda italiana Le Orme. Ellos ya habían pisado suelo mexicano al tocar en marzo de este año en el Progfest de Baja California, pero no en esta ciudad. Dentro de la promoción de su más reciente producción Elementi, esta banda que iniciara su carrera en 1967, nos presentó un recorrido por la música de su extensa carrera. Junto con Banco del Mutuo Socorsso y Premiatta, crearon el perfil italiano del rock progresivo ó sinfónico, al mezclar la influencia anglosajona con el canto Mediterráneo. Según Aldo Tagliapietra, en una entrevista que se le hiciera en su anterior visita, al comienzo de los años setenta, fue en Italia done se dio el primer apoyo a las agrupaciones inglesas. A raíz de la visita de ELP en el 71 y de la reacción del público italiano, Le Orme contó finalmente con el apoyo de una disquera transnacional. Comenzando como quinteto y manteniéndose como trío la mayor parte de su historia, con Peter Hammil como uno de sus esporádicos colaboradores, llegan a México los fundadores Aldo Tagliapietra - voz y la guitarra - y Michi De Rossi - batería - acompañados de Michele Bon - Teclados - integrado desde el 92 al grupo y Andrea Bassato - piano-, de reciente incorporación.

El Concierto Elementi Tour 2001
Hubo una asistencia regular, en la cual se repitió el esquema de los anteriores conciertos. Esta, se congregó entusiasta a escuchar un buen concierto aunque no falto de fallas técnicas. Es conocido que las presentaciones de Le Orme se destacaban por los efectos visuales y que en esta ocasión estuvieron ausentes. Más bien la iluminación fue bastante elemental. Sin embargo la música y la interpretación, que es lo que realmente nos importaba, se dio y se dio bien. Michele Bon nos mostró y emocionó con su talento en los teclados, aunque no dejó de hacer berrinches al no escucharse en los monitores. Trajo un teclado, que junto a su Leslie, eran todas unas piezas artesanales y sonaban bastante bien. Por su cuenta, Aldo tocaba un bajo-guitarra en el más puro estilo setentero y sin duda uno de los momentos más hermosos del concierto fue cuando tocó su sitar. La simpatía de Michi ayudó a que esta presentación se diera en un ambiente relajado aun con los problemas del audio. Y Andrea demostró que es un buen pianista apoyando perfectamente a sus compañeros y en un par de piezas tocó el violín.

Presentando temas clásicos de su repertorio, del cual recuero bien Contrapunti, tocaron también piezas de su más reciente producción inspirada en los cuatro elementos de la antigüedad: aire, tierra, agua y fuego.

Finalmente, un público satisfecho abandonó el recinto con el placer de escuchar este tipo de evento que cada vez es más común por estos rumbos. Ojalá los problemas técnicos no sean la norma en los próximos.

Puedes visitar las siguientes páginas:
www.leorme.alma.it
tinpan.fortunecity.com/collins/92/leorme.html

DISCOGRAFÍA
1967 FIORI E COLORI / LACRIME DI SALE (45,Car-Juke box)
1968 SENTI L'ESTATE CHE TORNA / MITA MITA (45,Car-Juke Box)
1968 MILANO 1968 / I MIEI SOGNI (45,Car-Juke Box)
1969 IRENE / CASA MIA (45,Car-Juke Box)
1969 AD GLORIAM (33,Car-Juke Box)
1969 IRENE/CASA MIA (45,Telerecord)
1970 L'AURORA DELLE ORME (33,Car-Juke box)
1970 L'AURORA / FINITA LA SCUOLA (45,Car-Juke Box)
1970 NON C'E' CHE LEI (E.P.PROMO,Car-Juke Box)
1970 IL PROFUMO DELLE VIOLE (45,Philips)
1971 COLLAGE (33,Philips)
1972 UOMO DI PEZZA (33,Philips)
1973 FELONA E SORONA (33,Philips)
1973 FELONA & SORONA (33,Charisma)
1974 LE ORME IN CONCERTO (33, Philips)
1974 CONTRAPPUNTI (33,Philips)
1975 SMOGMAGICA (33,Philips)
1975 SERA (45,Philips)
1975 BEYOND LENG (33 EXPORT,Compilation versione inglese)
1975 GIOCO DI BIMBA /TRUK OF FIRE (45 Charisma EXPORT )
1976 VERITA' NASCOSTE (33,Philips)
1976 CANZONE D'AMORE / E' FINITA UNA STAGIONE (45,Philips)
1976 CANZONE D'AMORE (33,Philips)
1977 STORIA O LEGGENDA (33,Philips)
1978 LE ORME ANTOLOGIA 67-69 (33,Penny)
1978 LE ORME raccolta (33,Fontana records)
1979 FLORIAN (33,Philips)
1980 PICCOLA RAPSODIA DELL'APE (33,Philips)
1982 VENERDI' (33,DDD)
1982 ROSSO DI SERA/SAHARA (45,DDD)
1983 LE ORME (Raccolta Superstar-A.CURCIO ed.)
1985 RARITA' NASCOSTE (CD EXPORT)
1987 DIMMI CHE COS'E' (45, Baby records)
1990 ORME (Philips)
1993 ANTOLOGIA 1970-80 (Philips)
1996 IL FIUME (Tring)
1997 AMICO DI IERI (Tring)

___________________________________________
CARL PALMER/FEB 2002

UN POCO DE HISTORIA
Nació en Birminham, Inglaterra, en 1950. • Comenzó a tocar a los 11 años. • Sus influencias iniciales fueron Los Beatles, Miles Davis, Buddy Rich y la música clásica. • Tocó con Crazy World, Chris Farlowe & The Thunderbirds, The Craig, Atomic Rooster, Emerson, Lake&Palmer, PM, Asia y 3. • Es uno de los bateristas favoritos del rock progresivo. • Actualmente tiene un proyecto solista con el que ha sacado el disco Do You Wanna Play, Carl? y está por sacar Working Live... para mediados del 2002.

EL LIRICO SE VISTIO DE GALA

Volviendo a respirar el aire de este avejentado lugar, de diseño Art Deco en su interior y ahora de una manera más agradable y diría hasta memorable, me quité el mal sabor de boca que el recinto me provocaba, al presenciar un excelente concierto. Digo esto porque el Teatro Lírico, para un ex-Botellita de Jerez como yo, es una mezcla de recuerdos (la mayoría desagradables), ya que fue lugar de una obra que significo la etapa más decadente de mi ex-banda.

Pero ahora era el 10 de febrero del 2002 y tras haberse presentado en Monterrey y el día anterior en este mismo lugar, Carl Palmer, aquel legendario baterista de Emerson, Lake & Palmer, acompañado de un par de excelentes ejecutantes (los cuales conforman su proyecto solista denominado simplemente Palmer), nos demostró que los músicos más virtuosos del rock, los que marcaron una época en la década de los setentas conocida como rock progresivo, siguen dando todo y tocando mejor que nunca y que nadie. Las leyendas de este genero nos han seguido visitando gracias a Deneb Productions y no dejan de sorprendernos.

Lo que presenciamos, no puede estar más alejado de la imagen pedante que envolvió a los interpretes de esta corriente musical y de la cual, ELP siempre fue una excepción. Ya nos lo demostraron con anterioridad en su visita al Auditorio Nacional en los años noventa con la gira del Black Moon. En una mezcla de concierto-clínica, por lo cercano e intimo del evento, Palmer, de sangre ligera, nos hizo pasar no solo un momento de buena música, sino uno de comunicación y simpatía.

Hablando en un español de acento ibérico aprendido en Tenerife, Palmer se esforzó por lograr ese contacto. De esta forma hizo un recorrido por el tiempo tocando algunos clásicos del legendario trío y algunas cosas más personales. Afortunadamente no tocó nada de Asia (hasta los progresivos también tuvieron su prefabricado). Tocó temas como L. A. Nights, New Tunes, Bull Frog, Tank, Barbarian, Tocata, Canario y hasta una reciente versión de Carmina Burana. Destacó la rapidez con la que toca sus toms, que siempre lo caracterizó y esa forma de hacer de la batería un instrumento casi melódico. Sus músicos, Shaun Baxter (guitarra) y Dave Marks (bajo), ambos profesores del Instituto de Guitarra de Londres, no dejaron de sorprender también. Ellos tuvieron sendos solos en los cuales nos dejaron ver porque Palmer los había elegido para acompañarlo. Nos explicó: "después de tocar con el maestro del teclado (Emerson), me parece mejor acompañarme por la guitarra de Shaun". A mi manera de ver, el guitarrista dio un toque pesado a las composiciones del trío, dejando ver así, la influencia que ELP ejercería en las bandas metaleras posteriores a ellos. Dave, de 23 años y quién tocaba un bajo de seis cuerdas, hizo al final de su solo una amistosa versión de La Bamba con la cual se gano al público.

El tiempo voló, como suele suceder con los buenos eventos. Salieron e hicieron un primer encore vestidos con camisetas futboleras con los tres colores de la bandera mexicana. Tocaron Fanfare, acabaron y evidentemente pedimos más. Regresó Palmer y tocó su conocido solo, que podríamos denominar como una más de sus composiciones ya que, elementos más, elementos menos, contiene las mismas partes que todos ya le hemos visto en videos desde hace mucho, lo cual no quiere decir que no lo disfrutemos cada vez que lo hace. Como la parte de doble bombo que, punto y aparte, él fuera uno de los precursores en usarlo. Ó donde, con el pandero, interactúa con la gente. Ó en la parte donde juega con los platillos ó las baquetas ó donde se quita la camiseta dejando ver la buena condición que mantiene a sus 51 años.

Este señor entiende que, eso de estar sobre el escenario, lo convierte en showman y lo explota, sin duda.

Sitios de Carl Palmer
www.carlpalmer.com
www.emersonlakepalmer.com

Discografía:

Palmer (Solista)
• Do You Wanna Play, Carl? (2001)
Emerson, Lake & Palmer
• Emerson, Lake & Palmer( Cotillion/ Atlantic Records 1971; re-released 1996 on Rhino {USA/Canada}and Castle Records { rest of the world})
• Tarkus ( Cotillion/ Atlantic Records 1971; re-released 1996 on Rhino {USA/Canada}and Castle Records { rest of the world})
• Pictures At An Exhibition ( Cotillion/ Atlantic Records 1972; re-released 1996 on Rhino {USA/Canada}and Castle Records { rest of the world})
• Trilogy ( Cotillion/ Atlantic Records 1972; re-released 1996 on Rhino {USA/Canada}and Castle Records { rest of the world} )
• Brain Salad Surgery ( Manticore/ Atlantic Records 1973; ; re-released 1996 on Rhino {USA/Canada}and Castle Records { rest of the world} )
• Welcome Back My Friends To The Show That Never Ends -- Ladies & Gentlemen, Emerson, Lake & Palmer ( Manticore/ Atlantic Records 1974)
• Works Vol. 1 ( Atlantic Records 1977; re-released 1996 on Rhino {USA/Canada}and Castle Records { rest of the world} )
• Works Vol. 2 ( Atlantic Records 1977; re-released 1996 on Rhino {USA/Canada}and Castle Records { rest of the world} )
• Love Beach ( Atlantic Records 1978; re-released 1996 on Rhino {USA/Canada}and Castle Records { rest of the world} )
• In Concert ( Atlantic Records 1979; re-released 1996 on Rhino {USA/Canada}and Castle Records { rest of the world} )
• The Best Of Emerson, Lake & Palmer ( Atlantic Records 1980; re-released 1996 on Rhino {USA/Canada}and Castle Records { rest of the world} )
• The Atlantic Years - 2 CD Collection (Atlantic Records 1991; re-released 1996 on Rhino {USA/Canada}and Castle Records { rest of the world} )
• Black Moon ( Victory Music/ PolyGram Records 1992; re-released 1996 on Rhino {USA/Canada}and Castle Records { rest of the world} )
• Live At The Royal Albert Hall ( Victory Music/ PolyGram Records 1993; re-released 1996 on Rhino {USA/Canada}and Castle Records { rest of the world} )
• Return Of The Manticore - CD Boxed Set ( Victory Music/ PolyGram Records 1993; re-released 1996 on Rhino {USA/Canada}and Castle Records { rest of the world} )
• In The Hot Seat ( Victory Music/ PolyGram Records 1994; re-released 1996 on Rhino {USA/Canada}and Castle Records { rest of the world} )
• Works Live ( 1996 on Rhino {USA/Canada}and Castle Records { rest of the world} )
• Live At The Isle Of Wight 1970 (1997 Manticore Records)
• ELP In Concert On The King Biscuit Flower Hour ( 1997 King Biscuit Flower Hour Records )
• Then And Now( 1998 Eagle Records )
The Craig
• Single: " I Must Be Mad" backed with/ "Suspense." 1966
• Chris Farlowe & The Thunderbirds:
• Single: "Yesterday's Papers" backed with/ "Life Is But Nothing." 1967
• The Crazy World Of Arthur Brown:
• Single: "What's Happening" B-side 1968
• Atomic Rooster:
• Atomic Rooster (Repertoire Records) 1969
P.M.
• PM, 1980
Asia
• Asia (Geffen Records), 1982
• Alpha (Geffen Records), 1983
• Astra (Geffen Records), 1985
• Aurora, 1986
• Then & Now (Geffen Records), 1990
• Live Mockba 09-X1-90, 1991
• Aqua, 1992
• Live In Moscow (Rhino Records), 1994
• Archiva 2, 1996 (On "The Smoke That Thunders" Only)
• Now - Live In Nottingham, 1997
• Anthology 1982-1997, 1997
3
• To The Power of Three ( Geffen 1988)

___________________________________________
ROGER WATERS/MAR 2002

Roger Waters en México
La Otra Mitad de Pink Floyd

La primera vez que escuche el tema In the Flesh y los demás temas del recién salido álbum The Wall, iba en el carro de un amigo. Vivía en Caracas y eran finales de los años setentas. Quiso apantallarme con el disco que acababa de comprar y vaya que lo hizo. Pasaría todavía algún tiempo, antes de la realización de la igualmente famosa película protagonizada por Bob Geldof y que causara toda una conmoción en México. Si bien esta banda siempre fue acogida favorablemente por los seguidores del progresivo, era un error encasillarlos. Con fuerte influencia de la psicodelia de finales de los años sesentas, mezclaron una dosis de blues y algo de country, en el terreno de las imágenes auditivas del rock sinfónico. Yo ya estaba inmerso en el esta corriente para entonces, pero no tenía más información de Pink Floyd, que lo que sabía de su disco The Dark Side of the Moon (que entre sus datos curiosos, fue grabado por un ingeniero llamado Allan Parsons quien también había grabado para los Beatles).

En algún viaje que hice a México por aquellos tiempos, mi primo me contó algo que me mostró la actitud, que buena parte de los jóvenes clasemedieros de nuestro país, tenía ante la persecución gandaya que el gobierno y los medios de comunicación hicieron del rock, por tener (para ellos) entre sus defectos, el cuestionamiento al poder. Un profesor le había dicho a él y sus compañeros, que el hit Another Brick in The Wall part 2, era una pésima influencia para los jóvenes. El comentario no me extraño viniendo de un académico, seguramente anticuado y convencional. Pero la parte que realmente me sorprendió, fue cuando mi primo trató fallidamente de exorcizar mis demonios, ya que él estaba de acuerdo con su profesor y a la vez se preocupaba de mis gustos musicales. Me preguntó: ¿Como puedes estar de acuerdo en que no necesitábamos educación? Contesté que él era el mejor ejemplo de porque existía una canción como esa. No creo que me haya entendido.
Total, las noticias que nos llegaban de los conciertos de Pink Floyd, que nos narraban escenarios con muros que se derrumbaban para descubrir a la banda que tocaba detrás de estos, se convirtieron en increíbles leyendas para los que estábamos impedidos de verlos en Latinoamérica. Otro amigo que tuvo la posibilidad de ver algunos conciertos en Estados Unidos, no dudaba en decir que los de Pink Floyd eran los más espectaculares.
Pasó el tiempo y para cuando me involucré más con la música de Pink Foyd ya en los ochentas, empapándome de discos como Wish you Were Here y Animals que sacaron antes de The Wall, el co-fundador del grupo a lado Syd Barret en 1966, Roger Waters, decidió separarse del grupo después de que sacaran The Final Cut, por la rivalidad insostenible que este tenía con Dave Gilmour.
En cierta ocasión, Gilmour comentó: "Cuando salió Barret del grupo, la gente solía gritar por él en los conciertos. Eso no ha sucedido con la salida de Waters".
Por su parte Waters, sentía que el trabajo creativo y conceptual de la banda dependía principalmente de sus ideas y con esto, desvirtuaba el trabajo de los demás.
Siguieron, cada quien por su cuenta, dando conciertos y grabando nuevos discos que, a mi manera de ver, tanto el Pink Floyd sin Waters como Waters sin Pink Floyd, no alcanzaron superar sus logros pasados. Y que no se entienda esto como que no produjeron buenos resultados en sus trabajos posteriores, pero se puede decir que las virtudes de la vieja banda se dividieron en dos.
Waters por su cuenta sacó The Pros and Cons of Hitchhiking en 1984 y en 1987, Radio K.A.O.S. The Wall en vivo en Berlín en 1990. Luego sacó el irónico Amused To Death en 1992. Actualmente trabaja en Ca Ira, una ópera en inglés y francés, así como su siguiente disco de rock llamado The Flickering Flame. El Pink Floyd de Gilmour también continuó grabando en estudio. Y entretanto vimos así, como aparecían dos versiones en vivo de los clásicos de este grupo. Cada quien con su parte de derecho en reclamarlos como propios.
Las décadas no pasaron en vano y en México cambiaron los tiempos, cambiaron las ideas y nos ha tocado escucharlos ya separados. Primero el Pink Floyd comandado por Gilmour y toda su parafernalia, en la década de los noventa. Y el pasado 19 de marzo, Roger Waters con la gira del mismo nombre de aquella canción que oí en el auto de mi amigo en Caracas y que forma parte de la versión wateriana de su más reciente disco en vivo titulado In The Flesh.

El Concierto

Días antes, daba por descartado poder ir. Pero unas horas antes de que este comenzara en el Foro Sol, me invitaron y no dudé ni un instante en aceptar. Fue más mi sorpresa cuando mi lugar resultó estar en la fila 10, justo enfrente del escenario. Fue un privilegio y me di cuenta de que corrí con bastante suerte, tomando conciencia de que el evento convocó a mas de 40 mil asistentes.
El concierto comenzó después de una corta lluvia, a las 8:40 de la noche, que para nuestros cánones es extremadamente puntual (supongo que no para el ingles). Y es la tan mencionada In The Flesh, la que con todo y explosiones, dio comienzo al concierto.
El sonido, impecable. Y pude verles las arrugas a todos en el escenario.

Se sintió la personalidad de Waters desde el primer acorde y se fueron descubriendo, poco a poco, los demás integrantes de la banda. Acompañado por : Andy Fairweather Low - Guitarra y voz, Snowy White - Guitarra, Chester Kamen - Guitarra y voz, Harry Waters (hijo de Roger) - Teclados, Andy Wallace - Teclados, Graham Broad - Batería, Norbert Stachel - Saxofón, Katie Kissoon - Coro, PP Arnold - Coro y Linda Lewis - Coro. Todos ellos, músicos con largas trayectorias en el rock y el blues. Mostraron su talento a lo largo de todo el concierto.
El programa, conformado por temas de la época floydiana y algunos de su etapa solista, se dividió en dos bloques de 45 minutos cada cual, con un intermedio de 15 minutos. Prácticamente siguió el orden del disco.

El programa fue el siguiente:
1. In The Flesh
2. The Happiest Days Of Our Lives
3. Another Brick In The Wall, Part 2
4. Mother
5. Get Your Filthy Hands Off My Desert
6. Southampton Dock
7. Pigs On The Wing, Part 1
8. Dogs
9. Shine On You Crazy Diamond, Parts 1-5
10. Welcome To The Machine
11. Wish You Were Here
12. Shine On You Crazy Diamond, Parts 6-9
Intermedio
13. Set The Controls For The Heart Of The Sun
14. Breathe (In The Air)
15. Time
16. Money
17. The Pros And Cons Of Hitch Hiking, Part 11
18. (5:06 AM - Every Stranger's Eyes)
19. Perfect Sense (Parts I and II)
20. The Bravery Of Being Out Of Range
21. It's A Miracle
22. Amused To Death
23. Brain Damage
24. Eclipse
Encore
25. Each Small Candle

Las canciones que más coreo la gente fueron sin duda: Another Brick in The Wall part 2, Mother, Wish you Were Here, Money y Eclipse.
Hubo momentos para clavarse en la textura, con aceitosas y psicodélicas amibas en las grandes pantallas del escenario y juegos de cartas de Waters y compañía durante las partes instrumentales de los teclados. El sonido, difundido en 6 sitios distintos del estadio de baseball y manejado cuadrafónicamente, creaba ambientes paranoicos de perros y helicópteros.
Contribuyo a la magia nocturna la pestaña de luna que Waters tenía al frente y a nuestras espaldas, enmarcada por las gradas llenas de luces de los encendedores del público.
Un concierto sin desperdicio. 25 temas incluyendo Each Small Candle, un estreno de su próximo disco The Flickering Flame.
Solo un detalle. Al oír esos maravillosos solos de guitarra, que todos nos sabemos de memoria, no podía dejar de pensar que, quien estaba detrás de esas melodías, era Gilmour. Sería interesante saber si Waters, puede superar ese pasado y a si mismo en el futuro. Para el regocijo de todos, ojalá lo logre.

DIscografía:

Con Pink Floyd
08/05/1967 THE PIPER AT THE GATES OF DAWN Tower
06/29/1968 A SAUCERFUL OF SECRETS Tower
07/27/1969 MORE (Original Soundtrack Album) Tower
10/25/1969 UMMAGUMMA Harvest
03/??/1970 ZABRISKIE POINT (Original Soundtrack Album) MGM
10/10/1970 ATOM HEART MOTHER Harvest
05/14/1971 RELICS Harvest
11/13/1971 MEDDLE Harvest
06/03/1972 OBSCURED BY CLOUDS (Music from the film 'The Valley') Harvest
03/24/1973 DARK SIDE OF THE MOON Harvest
12/04/1973 A NICE PAIR Harvest
09/15/1975 WISH YOU WERE HERE Columbia
02/02/1977 ANIMALS Columbia
12/02/1979 THE WALL Columbia
11/23/1981 A COLLECTION OF GREAT DANCE SONGS Columbia
03/21/1983 THE FINAL CUT Columbia

Solo
11/28/1970 MUSIC FROM THE BODY (with Ron Geesin) Harvest
05/08/1984 THE PROS AND CONS OF HITCH HIKING Columbia
10/30/1986 WHEN THE WIND BLOWS (Original Soundtrack Album) Virgin
06/15/1987 RADIO K.A.O.S. Columbia
09/04/1990 THE WALL - LIVE IN BERLIN Mercury
09/01/1992 AMUSED TO DEATH Columbia
12/05/2000 IN THE FLESH - LIVE Columbia

___________________________________________
PREMIATA FORNERIA MARCONI/JUL 2005
PFM en la Ollin Yoliztli

Es domingo, es 10 de julio del 2005 y la cita es en la sala de conciertos Ollin Yoliztli, al sur de la Ciudad de México. Veremos, en su segunda visita a nuestro país, a la legendaria banda italiana PFM (como se le conoce en su denominación simplificada).

Ellos tomarían su nombre de una panadería de Chiari, en cuya bodega ensayaban según cuenta la leyenda. Este negocio, encontraría eco en una singular banda de Milán la cual llevaría ese nombre más allá de las fronteras de su país al cambiar un tibio nombre original, I Quelli a Premiata Forneria Marconi.

Al exterior de la Ollin Yoliztli, hay los típicos vendedores ambulantes y comienzo a reconocer a algunas caras, como Ramon Nakash de Nirgal Vallis y alguno que otro músico. Son rostros familiares en esta tribu asidua a conciertos de rock progresivo.

Entraré al segundo concierto que darán este día y que se abrió gracias a la buena respuesta en la venta de boletos de la primera función. Mi amiga Rocío Macías, que trabaja en la organización de estos eventos, me comenta que en el primer concierto, recién terminado, los italianos se veían nerviosos. Me pregunto que clase de nervios pueden sentir unos músicos con más de treita años en escena.

Reconocida como la banda más trascendente del rock progresivo italiano en la década de los setentas, fácilmente atribuible al hecho de haber tenido mayor proyección internacional que la de sus compañeros peninsulares. Se dice que esto se dio gracias al apoyo de sus amigos ingleses Emerson, Lake & Palmer, logrando así, editar sus discos en Inglaterra, Europa y Estados Unidos por medio de la disquera de Greg Lake, Manticore.

Total, que como muchos de sus paisanos contemporáneos, Premiata se han mantenido en activo hasta nuestros días, alejados del glamour de tiempos pasados y sin dejar de generar buena música.

Ya son distantes los días de sus primeras presentaciones como abridores en Italia, de las bandas de progresivo más importantes de aquel entonces: Yes, Jethro Tull, ELP. Cuando se decía que eran la versión italiana del King Crimson de fines de los años sesenta.

Las comparaciones no faltaban, en esta vocación que tenemos de ubicarnos como satélites de los países de habla inglesa y de la cual, los italianos como nosotros, no están exentos. Pero sería simplista decir que eran una copia de bandas inglesas. El progresivo italiano adquiriría en los años setenta, un espacio propio dentro de las propuestas de lo que también se llamaba Rock Sinfónico, al incorporar sus propias influencias regionales de la música culta y popular de su país.

Eran los días de esos primeros discos, Storia di un minuto, de 1971, donde destacaba la voz, con marcados tintes mediterráneos. En 1972 salió Per un amico, una muestra prometedora de evolución en su música. Pero es con Photos of ghost, 1973, que a la banda se le conoció mejor, al ingresar a las listas de popularidad europeas y estadounidences. Fue notoria su decisión de ser parte de un crossover anglo-italo, al grabar algunos de sus temas que originalmente aparecieron en italiano, también en inglés. Algunos consideraron esto una mala idea y las críticas al respecto continúan hasta hoy, al ver tal acción como una perdida de esencia y un atentado a la identidad del progresivo italiano. Pero por otra parte, en los hechos, les permitió que el nombre de PFM llegara a Estados Unidos y otros países.
En los siguientes años, marcados por cambios en su alineación, el grupo sacó L'isola di niente, 1974 y Chocolate Kings, 1975, siendo este último disco víctima de bicot en Estados Unidos, por el abierto apoyo del grupo en esos años, a la causa palestina.

Al salir Jet Lag en 1977, su sonido se inclina al jazz rock, que tanto sedujo a los músicos de rock progresivo de esos tiempos. La historia siguió con lanzamientos de discos en forma intermitente, hasta llegar a su más reciente producción en estudio llamada Serendipiti, destacándose también en su discografía reciente, recopilaciones y discos en vivo.

Discografía:
1971 - Storia di un Minuto
1972 - Per un Amico
1973 - Photos of Ghosts
1974 - L'Isola di Niente
1974 - The World Became The World
1974 - Live in U. S. A.
1975 - Chocolate King's
1977 - Jet Lag
1978 - Passpartu
1979 - Fabrizio De Andre' In Concerto - PFM volume 1
1980 - Suonare Suonare
1981 - Come Ti Va in Riva alla Città
1982 - Performance
1984 - PFM? PFM!
1987 - Miss Baker
1988 - L'Album di PFM
1996 - 10 Anni Live - 1971-1981/Absolute live - 1971 - 1978
1997 - Ulisse
1997 - Prime Impressioni
1998 - A Celebration Live
1998 - Gli Anni Settanta
1998 - Live www.pfmpfm.it (il Best)
2000 - Serendipiti
2002 - Live in Japan
2003 - La Leyenda del Prog Italiano, 1970-1972
2003 - La Leyenda del Prog Italiano, 1974-1978

Volviendo al concierto que está por comenzar, espero que los músicos se encuentren más relajados y también que se genere un ambiente íntimo, dado que somos un público más pequeño. Tomamos nuestros lugares y prácticamente anuncian la tercera llamada apenas nos sentamos.

Salen y desde el principio se ganan al público, entre otras cosas, al pedirle a los de atrás que se acerquen a los lugares vacíos. El escenario, luce más bien austero, solo tiene el Back line de la banda y unas torres de luces que prometen poco. Sin embargo mi ánimo es alto, dejando estos detalles de lado al saber que la calidad está en la música principalmente.

Comienzan el concierto con Rain Birth y la acústica del lugar no les ayuda mucho. Empiezo a encontrar cierto sentido al nerviosismo de los músicos, aquel que comentamos al principio. Es muy incómodo tocar en estas condiciones. Se llega a notar su inconformidad con el monitoreo, cuyo ingeniero parece incapaz de resolver. En la sala, el sonido no es tan malo, aunque algo reverberado. Las luces también resultan inadecuadas, al dar un contexto a mi parecer, equivocado.

Con un lugar rebotón y luces discotequeras, resulta difícil apreciar a plenitud la música, pero el animo de todos no lo hace imposible. Hay momentos mágicos en los que es muy grato dejarse llevar por las composiciones.

En el pasado, se les criticó por el hecho de no tener un solo cantante, lo cual no me parece malo. Incluso creo que le da un buen dinamismo al concierto.

En un principio, el canto y temperamento del guitarrista Franco Mussida, son más bien discretos y agradables y constantemente muestra su sonrisa que nos invita a la complicidad con la banda.

Al percusionista Roberto Gualdi se le ve fuera de lugar. Como en esa actitud de -aquí no pasa nada- pero que demuestra todo lo contrario. La razón de esto se descubre al ver que su papel, más que de percusionista, es el de cubrir al baterista Franz di Cioccio cuando éste, pasa al frente a cantar.

Franz, con su actitud liberada de tensiones, se mete en su papel de frot man y logra involucrarnos en su prendidez.

En lo personal, llega un momento especial cuando interpretan Dolcissima Maria, pieza que fue compañera de viaje en innumerables trayectos carreteros.

Y en esta nostalgia, recapacito un fenómeno curioso. Actualmente es muy utilizada la música electrónica y en especial, el Drum and Bass, en identificaciones de noticieros, fondos de anuncios y programas de televisión. Pero hubo una época, cuando existía el oscurantismo rockero en nuestro país durante la década de los setenta, en que la única manera de escuchar buenas bandas en los medios de comunicación, era de esta manera tan peculiar y disimulada. ¿Habría que agradecerle a los musicalizadores de aquella época esta posibilidad? ¿O no? Algunos dirán que solo chotearon la música y recuerdan la indignación que les causó oír tan buenos grupos en espacios tan inapropiados. El hecho es que, durante el concierto, eran fácilmente reconocibles pasajes de su repertorio, que en varias ocasiones, se usaron en programas de televisión y anuncios. Son parte de la nuestra memoria colectiva gracias a los programas deportivos y de otros tipos, que paradoja.

Regresando de estas referencias del pasado, en el concierto las interpretaciones se apoderan cada vez más de nosotros. Se han logrado momentos intensos con los solos de violín de Lucio Fabbri y de bajo con Patrik Djivas, que comenzó muy bien y energético, pero que conforme se acerca el final del concierto, es al que más se le nota el cansancio. Imagino: dos shows en un día deben ser muy pesados.

Sin embargo, el ánimo de la banda y principalmente del público, se mantiene en alto. Esto es notorio en el más joven de la banda, Roberto Tagliabini, conocido en Italia por sus tributos a legendarias bandas del progresivo y que viene sustituyendo a Flavio Premoli. Su ejecución es bastante buena y se conecta bien con la gente.

Las piezas que tocaron según la escaleta que conseguí, escrita con su propio puño y letra son:

Rain Birth
Appena
Per Un Amico
La Luna Nuova
Suonare Suonare
Dolcissima Maria
La Carrozza di Hans
Scary Light
Tokio
Violin solo
Rossini's William Tell Overture
Impressioni di settembre
E' festa (Celebration)

En varias ocasiones el público se para de su asiento y acompaña con aplausos al grupo. Viene la primera despedida y prácticamente ni salen del escenario, para arrancar con Impressioni di settembre.

Termina el encore con la gente cantando junto a Franz, -Ce-le-bra-tion-. La gente insiste en que la banda salga de nuevo. Pero no sucede, quizás estén agotados. Así que cada quién toma su camino, con la sensación de haber visto un concierto especial en el que afortunadamente, las ganas de todos de pasárnosla bien, estuvieron presentes.

La noche es tranquila aunque amenaza lluvia. Todavía saboreo haber compartido recuerdos con los amigos, ante la leyenda del progresivo italiano.

Si quieres más información de PFM, te recomiendo entres a www.pfmpfm.it