Música Al Cubo

Sr. González en ReverbNation

2011-12-08T16:00:00.000-06:00

Comparto Mi Vida Pop

2011-12-07T06:59:00.001-06:00

La vida no deja de sorprenderme.Soy un músico independiente que ha podido realizar una obra musical propia y tengo claro el privilegio que eso representa. Pero comienzo a explorar una nueva faceta del proceso creativo al incursionar en la escritura, misma que se me presenta como un terreno nuevo y virgen para expresarme en forma distinta a la habitual.
Durante el fin de semana pasado presenté, en el marco de la Feria Internacional del Libro de Guadalajara, Mi Vida Pop, libro que escribí mientras convalecía de cáncer. Mi motivación fue la de contarle a mis hijas algunos aspectos de la vida de su padre en lo que, debo reconocer, en algún momento llegué a pensar que sería mi último testimonio para ellas.Al enterarse mi amiga Elena Santibáñez, directora de la editorial Rhythm & Books, me animó a convertirlo en un libro. Así fue como me apliqué a la tarea de escribir algo que, como mosaico textual, combinaría diversas crónicas autobiográficas con sucesos de la cultura pop latinoamericana y del mundo, generalmente ligados a la música, pero que abarcan también programas de televisión, películas, comidas, imágenes, costumbres y modas.No imaginé que al entregarlo, encontraría en la titánica labor de edición de Elena, el perfecto complemento visual que redondeó el trabajo y lo hizo una obra verdaderamente atractiva.Con éste, además de buscar eco en mis congéneres, también pretendo marcar una serie de referencias para que las nuevas generaciones reconozcan el origen de muchas de las manifestaciones culturales que ahora son vigentes.La cultura pop, mas allá de un slogan publicitario en algún canal de videos musicales, es un concepto que define la evolución de movimientos contraculturales que con el tiempo se integran a la sociedad de consumo. Algunos conservan su esencia resistente, rebelde y contestataria. Otros se desvirtúan para convertirse en obras sin sustancia. Esta dinámica nos acompaña de forma clara desde la mitad de la década de los años cincuenta del siglo XX hasta nuestros días.
Es así como reconozco que soy, como muchos de ustedes, un producto de mi época. Por eso decidí llamar al libro, Mi Vida Pop.De venta en Gandhi, El Péndulo, Librerías Gonvill y locales de prestigio.

Maqueta de "Carmesí" (Inédita)

2011-11-29T18:06:00.001-06:00

Mi Vida Pop se presenta en la FIL de Guadalajara

2011-11-24T08:41:00.000-06:00

Memorias de los Andes

2011-11-22T22:39:00.001-06:00

Les comparto un par de relatos sobre algunos viajes de mi niñez y adolecencia. Yo vivía en Perú durante la mitad de la década de los años setenta.

Me pareció reconocer una escena de la película Azul Profundo. Yo estuve ahí en los setenta, con algunos compañeros del Colegio Santa Margarita. Apareció ante mis ojos, toda la nieve que minutos antes habíamos visto en la lejanía. Después de recorrer un larguísimo túnel, salimos envueltos por este paisaje nevado que incluía unos lagos. Estábamos a 4800 metros de altura sobre el nivel del mar. Ticlio es el punto mas alto en el mundo por el que pasa un tren. Por esos días, el viejo ferrocarril central era la mejor manera de llegar a Huancayo en el Valle del Mantaro, una región del altiplano andino. Los vagones eran de madera y crujían con el movimiento. Posiblemente eran de principios del siglo XX. Sé que actualmente, el transporte ferroviario de pasajeros ya no se acostumbra tanto en ese trayecto y su función se centra, mas que nada, en llevar los minerales extraídos de La Oroya a Lima.

El asenso es tan empinado que el tren tenía que parar y cambiar de vía, subir en reversa para nuevamente parar, cambiar de vía y subir el siguiente tramo hacia adelante. Así repetidas veces. Atravesamos al rededor de cincuenta puentes sobre profundos barrancos, así como sesenta túneles cortados en las rocosas montañas. Para mis costeros compañeros limeños, la subida andina era difícil de soportar por súbita. Mientras, yo presumía tener un corazón grande por haber nacido en la ciudad de México, comía galletitas frente a varios de ellos mientras vomitaban como consecuencia del "soroche". Un empleado del tren asistía a los indispuestos con un arcaico aparato, el cual incluía un fuelle y que servía para proporcionarles oxígeno. Éramos un grupo de excursionistas que nos adentrábamos en el paisaje andino. Después de Ticlio, bajábamos hacia el altiplano pasando La Oroya y Jauja, donde compre unos panes deliciosos a unas "cholitas" —indígenas peruanas— desde la ventana del tren. Al aparecer el río Mantaro, el terreno se extiende plano de norte a sur, donde a 50 km. nos esperaba Huancayo en medio de una torrencial lluvia. Para mis amigos limeños esto era un espectáculo poco común, ya que no estaban acostumbrados a ver llover y menos cuando era una tormenta. Recuerdo como un tipo que siempre me tuvo mala fe, me respetó desde entonces al ver que no me intimidaban los relámpagos y truenos, mientras él simplemente no pudo controlar su miedo.

En 1975 y en otra parte de la cordillera mas extensa del continente, visité con mi familia un lugar en el que solo se podían ver las copas de unas palmeras enterradas en medio de un delta de tierra gris que bajaba desde el Huascarán, la montaña mas alta del Perú y el segundo pico de los Andes después del Aconcagua. Estábamos sobre lo que alguna vez había sido Yungay, población que había sido cubierta por un alud en 1970, durante los días del mundial de futbol en México.

La tragedia se dio después de un fuerte terremoto. Mientras los habitantes de Yungay hacían el recuento de los daños provocados por el movimiento telúrico, un gran segmento de nieve y rocas del Huascarán se desprendía sobre la laguna de Llanganuco, provocando una gran masa de lodo y rocas, que bajó a 200 km. por hora, completando el desastre siete minutos después. Estábamos rodeados de pequeñas cruces clavadas en el terreno que indicaban los lugares de las casas donde se encontraban sepultadas familias enteras. Murieron 50,000 personas. Desde ahí se podía ver el inmenso gajo que se había desprendido de la montaña.

Entre la sierra negra y la blanca, corre el callejón de Huaylas, el eje de nuestro recorrido, al cual llegamos después de subir los Andes en el auto de mi papá, manejando por una brecha angosta entre barrancos y atravesar puentes muy peligrosos. Adentrarse en el Perú de los setentas, era hacer un viaje en el tiempo. Como si este se hubiese detenido en algún momento de la colonia. Nos instalamos en Huaraz, capital del departamento de Ancash y desde ahí nos desplazamos hacia el norte, donde se había dado el desastre de Yungay.

Algunos kilómetros después se encuentra Caraz. En su plaza se alzan unas altas palmeras que fueron regaladas simultáneamente a las dos poblaciones por el gobierno cubano. Fue hasta ese momento en que pude imaginar la dimensión del alud sobre lo que ahora es un campo santo.

BOTELLITA DE JEREZ EN LA CARCEL

2011-11-16T13:58:00.001-06:00

Encontré este texto, el cual ahora les comparto y que narra la ocasión en que siendo yo parte de Botellita de Jerez, fuimos a tocar a la prisión de alta seguridad de Almoloya de Juarez, misma que tenía poco tiempo de haber sido abierta. Espero lo disfruten.

Era 24 de noviembre de 1993. Para entonces, no imaginábamos las sacudidas que el país viviría algunos días después, a partir del alzamiento zapatista y los asesinatos políticos.Ese día los Botellos vivimos una experiencia poco común. Fue la primera ocasión en que tocamos en el auditorio Julio Castillo, de la prisión de alta seguridad de Almoloya de Juárez, en dos conciertos para grupos de cincuenta presos cada uno, en los que también asistieron algunos custodios y personal de la prisión.
Juan Pablo de Tavira, criminólogo que algunos años después fuera trágicamente baleado en el comedor de la Universidad Autónoma de Hidalgo en Pachuca, no sin antes haber sobrevivido a un intento de envenenamiento con gas butano en su propia casa, fue quien diseñó meticulosamente esta prisión. En esos días, él fungía como director de tan peculiar cárcel. Era el segundo aniversario de la fundación de este centro penitenciario y tocamos como parte del programa de rehabilitación de presos, los cuales eran involucrados en actividades artísticas, "...para hacerles la vida un poco mas llevadera y darle un peso menos duro y represivo al sistema penitenciario..." según nos decía un trabajador social que ahí laboraba.
Así fue, como ante lo mas selecto de la delincuencia de este país, nos presentamos frente a, quizás, el más enigmático de los públicos que hayamos tenido nunca. Durante cinco horas aproximadamente, vivimos como invitados especiales, en la claustrofobia de una prisión comparable a mis recuerdos mas obscuros de películas como El Silencio de los Inocentes —cuando la agente Clarice Sterling visita por primera vez a Hannibal— o Termitator II —cuando rescatan a Sarah Connor, madre del futuro líder de los humanos, de la prisión psiquiátrica con todo y guardias encabinados, que controlan todo movimiento en monitores de televisión—.
Nos recogieron temprano en un transporte destinado al personal de la prisión y nos dirigimos primero hacia Toluca, la cual atravesaríamos para tomar posteriormente la carretera hacia Atlacomulco. Algunos minutos después, nos desviamos del camino para finalmente llegar al centro de readapatación social, no sin antes pasar un par de retenes en los cuales, guardias fuertemente armados, inspeccionaron el vehículo y nos vieron con sospecha.

Llegamos a una recepción y después de pasar una estricta revisión y cumpliendo todos los requisitos que nos pidieron previamente, como el de no ir vestido de caqui o azul, ni usar pulseras o cinturones, nos llevaron por una serie de trayectos internos en donde están controlados los accesos y las salidas de cada pasillo. Terminas por perder el sentido de orientación, ya que la cárcel está planeada para no tener ángulos rectos en sus recorridos, lo que hace que uno no sepa si esta dirigido al norte, o al sur, o a donde sea. El tiempo se hace más lento y las rejas se convierten en una constante visual familiar. Si lograbas ver espacios abiertos, estos estaban subdivididos por rejas electrificadas y nos informaron que pisábamos varios metros de concreto al ras del suelo, para de esta forma evitar túneles.
Después de un recorrido laberíntico, nos instalamos en el foro y realizamos una pequeña prueba de sonido. Esperamos con nerviosismo al primer grupo de reos.
En esta prisión hay varias prisiones en una, es decir, está dividida en varios módulos donde se agrupan los delincuentes según su perfil y los cuales no tienen interacción con los otros módulos. Nosotros tocaríamos solo para dos de estos grupos.
Al llegar los primeros presos a las butacas, los notamos un poco idos. Nos explicaron que los dopaban para controlar su agresividad. Los sentaron con un lugar vacío entre cada uno de ellos y hablaban burlonamente entre sí. Era difícil no pensar que nosotros éramos la causa de esas risas.
En el primero de los dos conciertos fue difícil romper el hielo, pero gracias a la capacidad alburera de mis compañeros Armando Vega-Gil y Paco Barrios El Mastuerzo, se logró la interacción deseada, aunque cauta por nuestra parte. Santiago Ojeda y yo, optamos por dedicarnos solamente a tocar, como era nuestra costumbre. Confieso que me hubiese resultado imposible lograr un diálogo en estas circunstancias, por lo que las habilidades de mis amigos me ayudaron a sentirme tranquilo y manejar la situación.
Mis compañeros fueron rebautizados por los presos, con apodos como Copete de Hueso, ya que Paco estrenaba su corte de pelo al estilo Miguel Hidalgo y Pata´e Gis, apodo que hacía referencia a la pierna enyesada de Armando. Vega-Gil, que por poco muere unos días antes en La Marquesa, víctima de un amor no correspondido, causa por la que se le nubló la vista y provocó su caída de una pared de piedra por la que muy enamorado y descuidado escalaba. La pata rota fue un mal menor si concientizamos que terminó a un metro del suelo y nosotros, a un instante de quedarnos sin bajista.
Con los reos, comenzó el intercambio de sobrenombres y así, nos fuimos enterando que uno se hacía llamar Robocop y otro La Bestia. No recuerdo bien quién de los dos era uno de los famosos narcosatánicos. Se decía que descuartizaban niños en sus ritos.
En esta “llevada” interacción entre presos y botellos, un reo que se decía compositor, nos quiso hacer llegar una de sus letras que inmediatamente fue interceptada por un custodio. El contacto físico con nosotros era totalmente prohibido y evitado. La confianza es un bien bastante escaso en ese lugar.
También apareció un típico rockero de la vieja guardia que pedía a gritos Polvo en el Viento, Escaleras al Cielo, Hotel California o alguna Jimmy Hendrix, mientras su compañero a un lado, políticamente correcto, lo reprendía diciéndole que era mejor escuchar nuestro mexicanísimo material.
La tensión finalmente fue desapareciendo y pudimos terminar satisfechos la primera de nuestras presentaciones.

Se van a la chingada
Chingados chingadores
Chingón de los chingones
Chingando soy cabrón
¡Ah! que la chingada
Me chingo al que me chinga
Que chinga a chingadazos
¡Soy el gran chingón!
¡Ah! chinga chinga, chinga chinga
¡Ah! chinga chinga
Fragmento de la canción "El laberinto de la soledad capítulo IV"
de Francisco Barrios
del disco "Forjando Patria/1994" de Botellita de Jerez

Apenas tuvimos un poco de tiempo para descansar y estar listos para el segundo concierto con los presos del módulo 8, mejor conocido como el módulo de Los Olvidados. Con ellos, llegamos a lograr momentos divertidos y emotivos. El nombre de este módulo, corresponde a que los presos que lo conforman, hicieron delitos tan terribles que ni amigos (!), ni familiares los visitan jamas. En este módulo, todos purgan tantos años de condena, que prácticamente son cadenas perpetuas.
Con nuestra recién estrenada canción La Valona de la Conquista, los hicimos saludar a la bandera entre las miradas preocupadas de los custodios. Cuando acabamos, no faltaron las felicitaciones navideñas anticipadas para mi y mis compañeros.
Botellita de Jerez entretuvo así a un público poco común, tratando difícilmente de no juzgar a nadie en ese momento. Habíamos logrado interactuar con un público del que vibrábamos los extremos más obscuros de la conducta humana.
Luego, nos llevaron a un comedor vacío en donde nos dieron de cenar alimentos sin sal, ya que de esta forma controlan el lívido de los reclusos. Y después de pasar por las mismas revisiones a la salida del penal que cuando ingresamos, regresamos a la Ciudad de México en una noche muy fría. Sus luces desde el cerro de las cruces me parecieron distintas después de nuestro pequeño encierro. El chofer que nos llevaba, nos contó como apaciguaban a los presos con manguerazos de agua fría, aplicados directamente en sus celdas individuales y videograbadas las 24 horas del día. Nos contó de personajes como Caro Quintero y otras ¨distinguidas¨ personalidades recluidas en módulos que ya no conocimos.
En esta aventura nos acompañaron nuestros técnicos, entre ellos el inseparable Apache quién algunos años después, viviría su propia pesadilla en una cárcel californiana. También iba nuestro representante Roberto Martínez y Antonio Cruz de Blas, periodista que hicimos pasar como parte de nuestros técnicos. Este, escribió por esos días, su versión de esta visita en el periódico Uno más Uno.Tiempo después, en 95, volvimos a ese pequeño foro. Supimos que no todos habían pasado por ahí con la misma suerte de nosotros cuando fuimos la primera vez. Nos dijeron que Yuri, en un numerito de corte evangelizador, fue rechazada por tan selecta audiencia y la trataron realmente mal. En ese regreso, nos acompañaron Fratta, que en esos días era nuestro ingeniero de audio y, queriendo repetir el esquema del periodista incógnito, llevamos a Oscar Sarquiz. Lo cierto es que, en esa segunda ocasión ya no se repitió la misma intensidad de la primera vez. El aire se respiraba distinto. Eran tiempos Zedillistas y de Lozano Gracia como procurador de la república. Ya estaban encerrados ahí, Mario Aburto y Raúl Salinas. Se notaba cierto relajamiento en la seguridad sin dejar de ser estricta. Después de un tiempo dejo de llamársele Almoloya para convertirse en la prisión de alta seguridad de "La Palma".

2011-11-02T18:08:00.000-06:00

Los videos del Sr. González:

2011-10-31T16:15:00.001-06:00

SR: GONZÁLEZ
Mi música

YO ME PREGUNTO...¿Porque no se reconoce al talento nacional?

2007-01-04T19:27:00.000-06:00

Por el Sr. González.

Hay un fenómeno que no es viejo en este país, pero que se ha acentuado en los últimos años. La fuga de talentos no es exclusivo de la ciencia y abarca diferentes áreas que no son ajenas al arte.
El otro día caía en cuenta que las mejores películas que he visto recientemente, fueron dirigidas por mexicanos en el extranjero. El Laberinto del Fauno, Babel y Los Hijos del Hombre, son excelentes películas imposibles de realizar en nuestro país.
En la música encuentro varios casos quizás mas críticos, debido a los talentos fugados que ni siquiera han tenido el reconocimiento nacional como rebote de su éxito en el extranjero. Ya no hablemos de bandas como Kinky o Los de Abajo, que bien que mal se les admira aquí, aunque no se compare con el lugar que les dan en el exterior, que es mucho mejor que el que les dan en su propia tierra.
¿Alguna vez han conocido (ya no digo escuchado) a gente como Rodrigo y Gabriela, José Luis Fernández Ledesma, Alquimia, Claudia Martínez, Artefakto u Hocico?
El caso de Rodrigo y Gabriela es ejemplar. Ellos formaban parte de una banda de Metal en la ciudad de México. Al ver un futuro negro en sus pretensiones rockeras, como pareja deciden mudarse a Ixtapa y buscar trabajo tocando en hoteles. Al tener que tocar a bajo volumen por requerírseles como música de fondo, se hacen de dos guitarras de palo y hacen arreglos de los temas metaleros que solían tocar, resultando y quizás sin proponérselo, en un sonido distinto y original para su música.
Hartos por las pocas posibilidades que les presentaba la escena nacional, deciden hacer maletas y por una recomendación amistosa terminan en Dublin, Irlanda. Al poco tiempo se gastaron el dinero que habían juntado (por la venta en México de los instrumentos de su vieja banda) y comenzaron a tocar en las calles como forma de subsistencia. La atención a su forma tan peculiar de tocar e interpretar temas fue tal por parte de este nuevo público, que de las calles pasaron a tocar en antros y poco tiempo después llegó la propuesta de grabar con una disquera independiente.
En la actualidad, tocan por toda Europa y Estados Unidos en festivales prestigiosos. Sí, ellos dos, sentaditos en sus sillas y con sus guitarras de palo, haciendo brincar a miles de jóvenes, dando pláticas por aquí y por allá sobre su técnica para tocar la guitarra (destacando la muy peculiar forma de tocar de Gabriela) y emocionando a todo el que los escucha con sus propios temas o versiones a clásicos de Metalica y Led Zeppellin, con un estilo que es una mezcla de guitarra latinoamericana, metal y virtuosismo.
Para que se den una idea de lo que hablo, denle una visitada a http://www.myspace.com/rodrigoygabriela
Afuera son un fenómeno y aquí ¿Quién lo sabe? Los medios de comunicación nacionales prácticamente los han ignorado y así como a ellos, me pregunto a cuantos mas.
Como mencioné al comienzo, esto ya es una vieja historia en donde los que manejan la cultura y los espectáculos (ojo panistas, que las dos cosas no son necesariamente lo mismo), hacen de la manipulación masiva por parte de los monopolios mediáticos y de las acciones culturales gubernamentales, una fuente de poder económico y político.
¿Se romperá esta dinámica de manipulación y mala educación con las nuevas posibilidades de escuchar música y ver imágenes por internet? Si algunos talentos han tenido que salir del país para que se les reconozca ¿Cuantos hay todavía aquí, desconocidos para la mayoría? Los que dicen tener todas las alternativas en los medios ¿Realmente las tienen? ¿Cuantos están dispuestos a ya no seguirle el juego a los medios nacionales?
¿Tu que piensas?

YO ME PREGUNTO...¿Los DJ's son músicos?

2006-12-03T22:06:00.000-06:00

por el Sr. González como El Pensador/publicado en La Canica de Guadalajara

¿En que momento, la música dejo de ser un territorio exclusivo de los músicos?

Los DJ's de los años setenta se dedicaban a hacer su arte mezclando hits en las discotecas. Pero a partir de los años ochenta y sobre todo en los noventa, surgieron los remixes y la autoría fue alcanzando importancia. El surgimiento de los Samplers, posibilitó la combinación de partes musicales de viejos discos como nunca antes se había logrado y la creación de Loops. Los secuenciadores permitieron prácticamente a cualquiera, tocar diferentes instrumentos sin desarrollar una técnica ni virtuosismo. La esquizofrenia y la deconstrucción auditiva reclamaron su lugar.

Los DJ's han rebasado el trabajo con la musica bailable y ahora figuran como productores de diversos generos musicales, ya que tienen una visión fresca de como deben sonar las cosas. Pero podríamos preguntarnos ¿Lo que hacen se puede considerar música ó es mera producción? Quitandonos prejuicios con respecto a si nos gusta o no lo que hacen, sus propuestas contienen tres elementos básicos por lo que podríamos decir que si crean música. Estos son: ritmo, armonía y melodía. Algunos consideran que no es suficiente, que la carencia de conocimiento musical lleva a los DJ's a hacer temas monótonos, pero no toman en cuenta que su música tiene una función... crear ambientes, como el de una reunion ó un antro. Funciona perfectamente bien en esos terminos.

Es cierto, porque esa ha sido mi experiencia al trabajar con ellos, que en muchos casos descubren cosas en forma accidental, intuitiva, mas que por un conocimiento convencional del quehacer musical. Yo diría que una buena cantidad de sus hallazgos son así. Pero lo cierto es que también han venido a enseñar a los músicos convencionales nuevas formas de plantear sonidos, de presentarlos, de trabajarlos con las nuevas tecnologías. En una epoca en donde las propuestas musicales no son muy sorprendentes y se repiten, esto resulta verdaderamente enriquecedor e innovador.

Las ofertas más llamativas en los últimos años se han dado, sin duda, en el terreno de la producción más que en el musical y los DJ's han tenido que ver mucho en el asunto. Basta oir el trabajo de Fatboy Slim, The Chemical Brothers, Radiohead, Björk, Bowie, de Hip Hoperos y Trip Hoperos ó la influencia en productores como Mitchell Froom, Brian Eno y Daniel Lanois.

¿Será que no hay nada nuevo que inventar y solo varía la forma de presentar la música o esta visión formalista encierra algún sentido postmoderno? ¿Donde quedaron las canciones? ¿El hecho de que los DJ's hagan música los hace músicos? ¿Cualquier gente, con un poco de gusto, podrá hacer música en el futuro con solo tener una computadora?

¿TU QUE PIENSAS?

YO ME PREGUNTO...¿El rock ha muerto?

2006-12-03T22:00:00.000-06:00

por el Sr. González como El Pensador/publicado en La Canica de Guadalajara

Ponerle una fecha de caducidad al rock resulta una tarea dificil. Desde mediados de los años setenta, la muerte del rock ha sido declarada varias veces. Definir la escencia perdida no ha resultado facil dado que es un genero que siempre se ha alimentado de los otros.

Mientras que en los años sesenta, la ruptura y la protesta, el cuestionamiento y el sueño llegaban a su máximo esplendor en una música que unía a los jóvenes del mundo en el hippismo, los años setenta representaron para el rock el desencanto y la seducción de las formas. De ahi la primera impresión de la muerte del género y la confusión. ¿El rock es una actitud?

A partir de ahí, éste empezó a evolucionar en una serie de subgeneros en donde la asimilación de influencias crecería. En esos años, la Psicodelia cambió su visión delirante por el virtuosismo y la fantasía del Progresivo, el Blues se hizo pesado y aparecieron los primeros sonidos del Metal, se sembró la semilla de lo que sería el Pop de los años ochenta con el Glam y se gestó el movimiento más representativo del desencanto, el Punk. El sueño se había convertido en pesadilla. No había futuro.

En los 80s, los sintetizadores toman una importancia en donde, hasta ese momento, la guitarra distorcionada era la protagonista. Esta empieza a sonar más limpia y comienza el predominio de los delays. El Punk se suaviza en el New Wave. La música electrónica reclama su lugar y, la fuerza que el Pop alcanza en esos años, hace pensar a muchos que la sustancia del Rock se perdía en los sonidos artificiales y las imágenes de la recien nacida era del video. Parecía que todo se diluía en propuestas ligeras y el Dark llevaba al desencanto a terrenos estilizados y glamorosos. Una vez más el Rock fallecía ante los ojos de algunos nostálgicos de los años sesenta y setenta.

Sin embargo, la rebeldía y el cuestionamiento a la realidad no habían desaparecido. El discurso de cada década era el que cambiaba. La brecha generacional se hacía presente en una música con espíritu joven. Y como todo joven adolescente, ante los oidos de los mayores que añoraban sus clásicos, el nuevo Rock adolía de un motivo.

Fue en esta época cuando el Rock en español muestra su cara al mundo. No porque no existiera desde antes, pero en esos momentos es donde se entiende como un movimiento con identidad iberoamericana. En esos días, por ejemplo, un artículo en la unión americana decía en su encabezado: El Rock ha muerto y vive en México.

Desde los años noventa, llega el agotamiento de los recursos formales. Aparecen los eclectisismos y la mezcla de lo inmezclable. También la nostalgia se manifiesta ahora en lo reciclado y lo retro. El discurso ahora es el de la indiferencia después del desencanto ante un mundo agotado y roto. La sensación de que todo se ha dicho nos plantea una vez más: ¿Lo que escuchamos sigue siendo Rock? ¿Donde quedó lo contestatario, novedoso y vanguardista? ¿O es que el Rock ya es un folklore?.

¿TU QUE PIENSAS?

YO ME PREGUNTO...¿Porque los músicos hacen play back?

2006-12-03T21:56:00.000-06:00

por el Sr. González como El Pensador/publicado en La Canica de Guadalajara

En la televisión mexicana, tantos años de "Siempre en domingo" arraigaron el ritual del musical a base de play backs. Situación que para la empresa televisiva era totalmente conveniente, ya que no tenían que invertir ni en equipo de audio, ni en capacitación de técnicos para lograr la transmisión de música en vivo con un mínimo de decencia. Esto, aunado a una cultura nacional que idolatra al interprete por encima de los compositores de música, ponían a los llamados canta-autores y a las bandas del momento en un segundo plano. De ahí que la habilidad de los músicos al tocar y la magia que provoca una presentación en vivo, bien ejecutada, con el tiempo dejó de tener importancia. El rock de otras latitudes estaba satanizado en México a partir de lo de Avándaro y las posibilidades de escuchar rock nacional en un estudio de televisión eran prácticamente imposibles. La gente se educó pues, por ponerlo en términos simples, oyendo "bonitas letras" en vez de apreciar buena música y viendo a cantantes solitarios en vez de agrupaciones. Ya entrados los años ochentas, ni hablar, la práctica del play back se había institucionalizado.
A los arriesgados músicos que buscaban "por principio" tocar en vivo, les resultaba contraproducente. Aún buscando la forma de tener un control sobre la señal de audio que salía al aire. Los ingenieros de sonido de las bandas, que pretendían tomar el control de la situación, se encontraban siempre ante la resistencia de un técnico de audio, sindicalizado, que no permitía la intromisión en sus dominios, usando criterios burócratas más que profesionales. Éstos por su puesto, no tenían ni la más mínima noción de como debía sonar la banda en cuestión. La gente común, que veía un musical con el audio incorrecto, deducía como conclusión: ¡Que mala es esta banda! Antes que pensar: ¡Que mal sonorizada está!
Por un principio de realidad: "en la televisión se vende imagen, no sonido", por lo que finalmente todos caían en las garras del play back. Hubo algunos programas excepcionales. El programa La Movida con Verónica Castro fue uno de ellos. Pero supongo que lo costoso de un programa con estas características desanimó a Televisa a seguir esta idea. Seguro pensaron que La Gran Familia Mexicana ni se daría cuanta. El colmo resultó, cuando este esquema es exportado a festivales radiofónicos en estadios, con supuesta infraestructura para eventos en vivo y en donde las personas simplemente no identifican que lo que ven es la actuación de una ejecución, y no la ejecución en si misma.
Cuando apareció Televisión Azteca la cosa no cambió, se acentuó. Sin embargo, los canales que han marcado un cambio son los de perfil cultural. Como muestra están algunos programas musicales del canal once y el veintidós (Acústico, por ejemplo). Pensar que en México viésemos programas musicales con la calidad de otros países, implica romper todo un esquema de manejo muy arraigado en la televisión. Es la cultura del Play Back.
¿No será que casi tres décadas de programas de Raúl Velasco, atrofiaron la cultura musical nacional? ¿O, acaso lo que sucede realmente es que la música es lo de menos? Porque si antes lo que importaba eran las letras románticas, ahora son las caritas bonitas ¿Los músicos deberían ser unos mártires y pasar vergüenzas hasta que alguien se de cuenta que se deben producir programas bien sonorizados? ¿Será que la televisión mexicana se adelantó a su época? ¿Se habrán dado cuenta que la música electrónica desplazaría a los músicos y ver a alguien tocando ya no tendría sentido? ¿O le ando buscando tres pies al gato?
¿TU QUE PIENSAS?

YO ME PREGUNTO...¿Que es el ruido?

2006-10-29T10:42:00.000-06:00

por el Sr. González como El Pensador/publicado en La Canica de Guadalajara

El ruido por definición, es un sonido desagradable. Pero desagradable es un término relativo ¿No será que el ruido es un concepto ligado a la cultura y la formación auditiva del que lo escucha?

La escena repetida por décadas del papá diciéndole al hijo: ¡Quita tu ruido!... , mientras éste escucha su música a todo volumen, es bastante elocuente. A mi me queda claro; la tolerancia a ciertos sonidos, se va dando como característica cultural a lo largo del tiempo. Canciones que hace 10 años parecían estruendosas en la actualidad no lo parecen tanto, incluso para los que en ese entonces las disfrutaban por esa característica. Existe un proceso de asimilación a cierto tipo de sonidos que terminan por provocarnos una reacción de aceptación después de un tiempo. Es curioso ver que en muchos casos de la música actual, se reproduce de manera artificial, por nostalgia, el ruido que hacían los LP's de antaño, el "scratch", mientras que justo en la era del LP el enemigo a vencer fue ese mismo ruido.

La idea que muchos tienen del ruido como un concepto único para todos los seres humanos, es un error. Un mismo sonido puede parecer ruido para algunas personas y para otras no. Mientras en unas provoca repulsión, para otras genera diferentes sensaciones a las cuales hay una disposición por parte del que escucha. Si hablamos del daño al oido, vemos que también dicha afectación es relativa, incluso en terminos de volumen. Esto sin desconocer que hay límites físicos y biológicos. Pero sin duda la predisposición, favorable ó no a sonidos estruendosos, tiene un efecto final en la reacción y el estado de ánimo del que lo escucha. En un concierto de rock con altos decibeles, el padre y el hijo del ejemplo pasado, pueden estar sufriendo y disfrutando respectivamente el espectáculo.

En consecuencia, los grupos generacionales y socioeconómicos, los diferentes perfiles y temperamentos de la sociedad, forman códigos de tolerancia hacia ciertos sonidos.

Otro ejemplo: Un albañil que mientras trabaja está feliz escuchando un radio de transistores a todo volumen y por lo tanto, con el sonido saturado. A otra persona que en ese momento se encuentra ahí, esto puede causarle una reacción de rechazo por considerarlo poco fino y de mal gusto, no solo por los posibles prejuicios que esta persona pudiera tener ante el tipo de música que el albañil escucha, sino también, a la mala calidad de reproducción de la misma. Las diferencias en sus formas de vida, pueden marcar la diferencia en su tolerancia y su gusto por ciertos sonidos. Manejan aceptación y rechazo, respectivamente, a lo mismo.

En recientes fechas, he notado cierto culto al ruido. El ruido, entendido como tal, como sonido desagradable, es una parte de las manifestaciones artísticas que así interpretan nuestra realidad. Los ruidos, al sublimarse, se hacen tolerables y dejan de ser desagradables para los que los usan y los perciben como obras artísticas. No así, para los que no lo entienden. Los ruidos son una parte, cada vez más clara, en la obra musical actual. Vivimos un mundo de ruidos. El tráfico de la ciudad, el avión que pasa por sobre nuestras cabezas, el sonido de la guerra, de las máquinas, de la fábrica ó el del radio del albañil. En nuestros dias, el ruido es cultura ó qué... ¿Estoy distorsionando la cosa?

¿TU QUE PIENSAS?

AGASAJO PROGRESIVO EN EL D.F.

2006-10-27T09:09:00.000-05:00

Por el Sr. González/publicado en rock.com.mx

Entre el año 2000 y el 2005, la Ciudad de México se vio invadida por una ola de conciertos de Rock Progresivo jamás vista antes en este país. Estos fueron organizados en su mayoría por la empresa Sol & Deneb y concentrándose principalmente entre los años 2001 y 2002. Mi gran amigo Plinio Santos, director de rock.com.mx, me invitó a reseñar buena parte de estos conciertos ya que conocía mi afición por dicho género y en una mezcla de fan, músico y narrador primerizo, escribí mis impresiones de cada presentación, así como la emoción que representó poder escuchar a estas bandas por primera vez.
Si en la actualidad me siento muy verde en esto de la escritura, en aquellos años me sentía perdido. Sin embargo creo que, aun así, transmití aspectos interesantes de esta etapa tan peculiar de los conciertos realizados en nuestro país.
Les presento pues, una compilación de dichos artículos y espero que sean de su agrado:

BANCO DEL MUTUO SOCCORSO/SEP 2000

CUANDO LA MÚSICA QUISO ALCANZAR A LOS DIOSES
Reencuentro con Banco del Mutuo Soccorso

En mi adolescencia, a mediados de los años setenta, vivía en Venezuela. En esa edad, donde uno necesita manifestar el gusto propio. Edad en la cual uno se vuelve radical y el fundamentalismo en gustos musicales se impone. En plena adolescencia me convertí en un fanático rock progresivo. Esa mezcla de música sinfónica y rock, que llevó a este último, al estado más sofisticado que jamas haya logrado.

Parte del atractivo de esta música, se encontraba en las imágenes auditivas que sugería, donde el lenguaje instrumental tenía el mismo peso que la lírica y en algunas ocasiones, predominaba. Por otra parte, el virtuosismo de sus ejecutantes también era importante, haciendo de estos, unos verdaderos mitos vivientes. Entender esta música, o creer que la entendíamos, nos daba la sensación de pertenecer a un grupo selecto, ya que el oído requería de cierta educación para apreciar su complejidad. Era un rock intelectual.

Pertenecer a este grupo de melómanos conocedores (así se sentía uno), era adquirir los usos y costumbres de seguidores con un perfil particular. El deseo de poseer los discos mas extraños y de las procedencias más diversas, se volvía importante para lograr cierto status. Esta actitud te separaba del resto de la gente que escuchaba música disco, la música comercial de la época.

Uno comenzaba escuchando a los grupos ingleses, que siempre tuvieron mejor manejo mercadotécnico que las bandas de otros países. Yes, Genesis, Camel, ELP, King Crimson, Jethro Tull, Gentil Giant, eran la punta de lanza de este movimiento. Pero se podría decir que fue básicamente un fenómeno europeo, mientras que en los Estados Unidos de Norteamérica y Canadá, fueron muy pocos los exponentes de este género. Los más conocidos, quizás, fueron Kansas y Rush. Un país que se destacó en esta música, fue Italia. Dos de sus más conocidos representantes eran Premiatta Forneria Marconi y Banco del Mutuo Soccorso, en donde las influencias barrocas y operísticas evidenciaban sus raíces.

La admiración que uno sentía por estos artistas pisaba los terrenos de la idealización. Los discos se convertían en universos totales y piezas de colección valiosas. Algo que los hacía parecer semidioses era que, tratar de verlos en vivo era prácticamente imposible para un adolescente de Latinoamérica.

En nuestros países se dieron algunas manifestaciones locales que se convertirían en la única alternativa para ver en vivo a un grupo de rock progresivo. Recuerdo de Venezuela a Vytas Brenner y Témpano.

Con los años ochentas, la sofisticación de esta música se tornó en un sonido acartonado, poco natural y sobre todo, poco comercial. Muchas bandas desaparecieron. Algunos músicos del género se decidieron a tocar Jazz Fusión llegando a estados de complejidad tal, que se aislaron aun más del gusto rockero. Otras bandas se hicieron sencillas y perdieron adeptos. Desde la segunda mitad de los años setenta, el punk llegó y convenció con su viceralidad, elemento que perdió el progresivo al volverse muy técnico. El rock progresivo parecía tener fecha de caducidad.

Yo crecí, volví a México y me di la oportunidad de manejar un criterio más amplio en mis gustos. Para mi el Rock Sinfónico, como se le decía también, había pasado a representar una época. Unos amigos que nunca perdieron la afición, me hicieron notar a comienzos de los noventa, que el progresivo seguía vivo en el underground de coleccionistas aferrados, bandas nuevas y alguno que otro aferrado que nunca dejo de tocar. Dream Theater es un ejemplo exitoso de esta nueva generación.

Todo este preámbulo es para ubicarnos en el contexto en el cual se dio un singular concierto. El sábado pasado fui a ver por primera vez a Banco del Mutuo Soccorso. Tocaron en el Gran Forum del Sindicato de Músicos del D.F. Fue una regresión, un espacio para la nostalgia y una sorpresa grandísima poderlos ver finalmente, veinticinco años después. Para muchos, entre ellos yo, se saldó una deuda pendiente. Vi a los ídolos que se convirtieron en personas reales. Unos maravillosos seres humanos que con una gran dignidad llevaban mas de dos décadas tocando la música en la que creyeron y que a varios nos educó el oído.

Se dieron cita unas mil personas para ver, en su segunda visita a la ciudad de México, a la legendaria banda. Sus edades oscilaban entre los treintas y cuarentas. Algunos cincuentones también

¿De donde salieron esta serie de personajes que alguna vez se sintieron parte de algo especial? Esta noche fue el motivo para revivir este sentimiento. Escuche grandes solos y la energía del público motivó al grupo a dar lo mejor de si. Así, en esta época de las grandes tecnologías aplicadas a la música y a su ejecución, fue reconfortante escuchar algo en donde el factor humano puede alcanzar niveles sublimes. La voz de Francesco nos cautivo. Pudimos alcanzar finalmente a los dioses.

Alineación:
• Francesco Di Giacomo: Vocals
• Pierluigi Calderoni: Drums
• Gianni Nocenzi: Keyboards
• Renato D'Angelo: Bass
• Marcello Todaro: Guitar
• Vittorio Nocenzi: Keyboards
Discografía:
• "Banco Del Mutuo Soccorso" (1972) Ricordi - SMRL 6094
• "Darwin!" (1972) Ricordi - SMRL 6107
• "Io Sono Nato Libero" (1973) Ricordi - SMRL 6123
• "Banco Iv" (1975) Manticore - MAL 2013
• "Garofano Rosso" (1976) Manticore - MAL 2014
• "Come In Un' Ultima Cena" (1976) Manticore - MAL 2015
• "...Di Terra" (1978) Ricordi - SMRL 6226
• "Canto Di Primavera" (1979) Ricordi - SMRL 6247
• "Capolinea" (1980) Ricordi - SMRL 6260
• "Urgentissimo" (1980) CBS - 84677
• "Buone Notizie" (1981) CBS - 85415
• "Banco" (1983) CBS - 25729
• "...E Via" (1985) CBS - 26642
• "Donna Plautilla" (1989) RARC - Nl 74215
• "Nudo" (1997) EMI 8 23620 2
• "Papagayo Club 1972" Prehistoric PR01
• "Banco Del Mutuo Soccorso Live 1970" Mellow MMP150

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CAMEL/ABR 2001

CON EL ANDAR DEL CAMELLO
¿CAMEL EN MÉXICO?

Hace algunos meses Plinio Santos, director de rock.com.mx, me anticipó información sobre los conciertos que Camel realizaría en la ciudad de México, mismos que se dieron este fin de semana en el Salón 21. Saberlo entonces me emocionó mucho.
Después de todo, yo como músico, siento que le debo mucho al trabajo de este grupo. Pero nunca hubiese imaginado que asistir a uno de estos eventos, rebasaría cualquiera de mis expectativas. Ya en alguna ocasión comenté, cuando escribí en este espacio de la última visita que nos hicieran los italianos de Banco del Mutuo Soccorso, que para un adolescente latinoamericano y fanático del rock progresivo durante los años setentas (como me tocó vivirlo a mi), pensar en ver a nuestras bandas favoritas era algo prácticamente inalcanzable.
Sobre todo en el México de esa época con su oscurantismo rockero, sostenido por las autoridades y los medios de comunicación de aquel entonces. La cosa ha cambiado muchísimo. De un tiempo para acá, Sol & Deneb Productions han estado haciendo conciertos de leyendas del rock progresivo, logrando con esto, saldar algunas cuentas pendientes con los fanáticos latinoamericanos. Nunca es tarde.

NO ANDABA MUERTO
Camel, una de las súper bandas de los años setenta, siguió en activo los años posteriores. El único miembro sobreviviente de la formación original, Andrew Latimer, confirmó su ya probado talento como guitarrista y compositor con el correr de los años ochenta. Sorteando toda clase de obstáculos, finalmente fundó Camel Productions a principios de los años noventa y ha sacado ocho discos desde entonces en forma independiente que se suman a la veintena de discos sacados anteriormente por EMI y Decca. No perdería así, su status de banda de culto y que conserva hasta nuestros días. De esta forma, cual conjunción de estrellas, todo coincidió para que la ciudad de México y Chihuahua quedaran incluidas y de esta forma cerraran, la primera gira latinoamericana de esta agrupación. Apenas me enteré de que los boletos estaban a la venta, compré uno.

LA ENTREVISTA
A Plinio le avisaron de la conferencia de prensa que Latimer y compañía iban a dar en el sur de la ciudad el sábado 7 por la mañana y me pidió que lo acompañara. Quería que lo asesorara en las preguntas que les iba a formular. Le dije inmediatamente que si. Desempolvé mis viejos LP´s y acudí a la cita. Se encontraban ahí Latimer, Colin Bass y Denis Clement. En vivo y en directo. Me sorprendió el poco nivel de las preguntas que formulaban algunos de los reporteros. Cuando uno de estos cuestionamientos estaba a punto de desquiciarnos a músicos y presentes, Plinio tomó la palabra y le preguntamos a Andrew si alguna vez había compuesto algo para cine y, de no ser así, si le gustaría hacerlo. La cara le cambió. Fue una pregunta que tenía que ver con lo descriptivo de sus pasajes musicales. Contestó que había hecho alguna vez algo para un documental y que si, que le gustaría mucho hacerlo, aunque lo considera un trabajo un poco estresante. Las preguntas siguieron. A veces, estas parecían más halagos de fans que cuestionamientos interesantes (no niego mi calidad de fan en este encuentro pero, señores, esto era una conferencia de prensa). En un nuevo turno le preguntamos como se sentía en el terreno independiente. Su respuesta nos dejó boquiabiertos a Plinio y a mi. Cuando terminó, parecía que yo había contestado la pregunta que repetidas veces me han hecho desde que produzco mis propios discos. Dijo sentirse muy bien en ese terreno, que actuaba con mucha libertad creativa y que el contacto con sus seguidores era más directo que nunca. No me podía sentir más identificado. No solo admiraba su música sino que, guardando las distancias, compartíamos las mismas ideas en cuanto al manejo de nuestro trabajo. Cuando terminó la conferencia, hice mi cola entre los reporteros-fans para que me firmaran mis discos. Aproveché para darle mis dos CD´s como solista a Latimer que recibió de buena gana y los guardó en su maleta. Le comenté también que me gustaba mucho el tema Ice, mientras firmaba el I can see your house from here. Había comenzado el primero de varios sucesos inolvidables para mi.

FRENTE A FRENTE
Fui al segundo de los conciertos, el domingo 8, porque encontré mejor lugar ese día. Cuando me senté, me percaté por los amplificadores en el escenario, que tendría al mismísimo guitarrista enfrente. La asistencia comprendía a varias generaciones, pero predominaban los cuarentones y treintañeros como yo. Poco a poco se llenó la sala y la gente impaciente, por momentos aplaudía y gritaba para que comenzara el concierto. Pasadas las 8:30 de la noche comenzó el concierto. Salieron Guy Le Blanc, Colin Bass, Denis Clement y el último en salir a su lugar y el más alto en estatura de todos fue Andrew. Los recibimos con un largo aplauso. Finalmente estábamos frente a frente. Comenzaron a tocar y desde el primer acorde, la emoción no dejó de hacerme sentir un nudo en la garganta. El sonido era bastante aceptable y la maestría de Latimer se impuso. Tocaron piezas que casi alcanzan los treinta años de haber sido compuestas. Rahayder, del disco Snow Goose, provocó la respuesta efusiva del público. Los músicos en el escenario y, sobre todo Colin Bass (viejo compañero de batalla de Latimer), se mostraban sorprendidos por la reacción de la gente. Yo creo que no están acostumbrados a un público tan expresivo. En lo personal, me transporté a la época en que empecé la universidad y dejaba que la pieza Ice me pusiera la piel chinita, entonces en disco y ahora en vivo, con una interpretación melancólica y maravillosa. Tocaron una hora prácticamente instrumental con piezas de los discos Mirage, Moonmadness y su más reciente producción Rajaz, con pequeñas intervenciones cantadas por Bass, pero sin que hubiésemos escuchado aun la grabe voz de Andrew, lo cual no evitó la conexión con su público, manejando un lenguaje no verbal que yo atribuyo a las tablas y el carisma de este gran artista. Todos podíamos sentir que nos miraba, que nos saludaba y dedicaba parte de algún solo. Los mensajes auditivos y las expresiones de este hombre llegaron a embriagar a la audiencia que gritaba y aplaudía cuando la emoción ya no cabía. Los demás integrantes, también ganaron la simpatía de todos nosotros con la calidad, la técnica y el esmero con el que tocaban. De pronto, todos se reúnen en el centro del escenario y entonan una versión de Cielito Lindo en donde anunciaban un intermedio. Las risas no se hicieron esperar.
En el ínter, los comentarios entre los asistentes coincidían en la gran calidad de músicos y en los recuerdos que nos provocaban algunos de esos temas. El ambiente era verdaderamente feliz. Cuando Camel volvió, tocó un bloque de canciones acústicas de la etapa ochentera, principalmente del Stationary Traveller y la voz de Andrew se hizo presente. El cambio de los arreglos demostró que las buenas canciones lo son, más allá del estilo en que las toquen. En esta ocasión tomaban un aire folk. La intensidad subió y volvieron a sus instrumentos originales. Cada nota en su lugar y un sentimiento que contrasta tremendamente con lo que estamos acostumbrados a escuchar en últimas fechas. Luego de dos horas, llegó el final con temas del Dust and Dreams y como era de esperarse los hicimos regresar. Volvieron para tocar Lady Fantasy del disco Mirage. La gente brincaba y cantaba y los músicos dieron lo mejor de si.

LA REFLEXION
¿Porqué la buena música como la que estábamos escuchando estará destinada al olvido ó al undergrownd? Es injusto. Para todos es injusto. Cuando creíamos que ya habían dado todo en el escenario, nos seguían ofreciendo más y más. Guy en los teclados, Denis en la batería, ¡Colin, Colin! le gritábamos al bajista y unos de los mejores guitarristas que haya dado la historia del rock, Andrew Latimer, nos conectaban con su magia. Sin duda es el concierto más emotivos que me haya tocado ver en la vida. Antes que ellos y las bandas de su generación, la música era distinta. Ellos crearon un sonido que perdura hasta hoy y tuve la fortuna de oirlos y verlos.
Escribo esto con verdadera emoción,
Sr. González (el músico ahora y el fan para siempre).
9 de abril del 2001.

DISCOGRAFÍA de CAMEL
Camel On The Road 1972
Camel 1973
Mirage 1974
Snow Goose 1975
Moonmadness 1976
Raindances 1977
Breathless 1978
The Live Record 1978
I Can See Your House From Here 1979
Nude 1981
Chameleon 1981
Camel On The Road 1981
Single Factor 1982
Camel On The Road 1982
Stationary Traveller 1983
Pressure Points 1984
The Collection 1985
Compact Compilation 1986
Landscapes 1991
Dust And Dreams 1992
Echoes 1993
Never Let Go 1993
Harbour Of Tears 1996
Coming Of Age 1997
Master Series
Rajaz 1999
'73-'75 Gods Of Light

Para más información de Camel:

CAMEL PRODUCTIONS www.camelproductions.com/

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STEVE HACKETT/JUL 2001
Hackett y el Soundtrack de Una Vida

Si bien, nosotros somos los personajes principales del film que es nuestra propia vida, las escenas importantes no pueden dejar de tener como complemento la música.

El pasado viernes, 20 de julio, el guitarrista Steve Hackett, en conferencia de prensa en reconocida tienda de discos de la Zona Rosa, contestó las preguntas de los reporteros ahí presentes relacionadas con el concierto que daría el siguiente día en el Premier, de su trabajo solista y de su pasado celebre como guitarrista de Genesis.

Entre otras cosas habló de su interés por mezclar influencias, ya que en su trabajo encontramos que incursiona tanto en el rock progresivo, como en la música sinfónica y el pop. Comentó que al progresivo lo ve como algo del pasado y que lo que le interesa de la música es la experimentación con diversos géneros, más que definirlos.

Cuando le preguntaron por las bandas de neo-progresivo, habló del sentimiento al tocar como algo importante. Le parece que los nuevos grupos están más preocupados por hacer cosas técnicamente complicadas y no por lo sencillo. Considera que pocos de ellos compondrían una pieza en 4/4. Mencionó que la complejidad es un elemento más dentro de la composición y no el fin.

Primera escena:

Un muchacho mexicano de 13 años, que en aquel entonces vivía en Venezuela, escucha con su amigo los discos del hermano mayor. Le llaman la atención algunas portadas, en especial una que muestra a un hombre dormido en una banca y detrás de él, un camino arbolado del cual salen unas personas. Es el Selling England By The Pound de Genesis. Lo escuchan y les parece aburrido. Este muchacho nunca pensaría que esa banda y ese disco se convertirían en sus favoritos con el paso de los años.

Segunda escena:
Después de trabajar en una pequeña imprenta durante el verano, el muchacho que ya tiene 14 años, junta un dinero con el cual se compra el más reciente disco de Genesis llamado Wind And Wuthering, recomendado por sus amigos que lo introducen en el rock progresivo. Este, lo graba en un cassette y se lo lleva a un campamento de quince días en la selva del Amazonas. Conviviendo con los indios Yucpas, en un ambiente totalmente exótico, descubre la música más descriptiva y alucinante que jamas haya escuchado. El trabajo del guitarrista le parecía esquizofrenicamente sinfónico.

Stephen Hackett nació en Inglaterra en el año de 1950, iniciando su carrera musical con las bandas Sarabande, Canterbury Glass y Quiet World.
A los 21 años, entra a Genesis para sustituir a Anthony Phillips. Alcanzaría la fama a lado de sus compañeros de banda: Peter Gabriel, Phil Collins, Tony Banks y Mike Rutherford. Con ellos tocó siete años para después dedicarse a hacer su trabajo como solista.
Incursiona en diversos géneros que abarcan desde la música africana a la sinfónica, pasando por el jazz y los ritmos brasileños, mezclándolos con el rock progresivo.
En su discografía son ya 20 CD¹s entre álbumes de estudio, recopilaciones, ediciones especiales y en vivo.
Ha tenido seis tours mundiales e infinidad de eventos de caridad alrededor del mundo.

Tercera escena:

En una semana santa. Unos amigos de sus papás le pidieron que cuidara su casa mientras salían de viaje. Hubiese estado bien invitar a esa niña que lo volvía loco, pero el deseo se volvió con el paso de los días, en cita frustrada. Su compañía en esta solitaria misión fue el disco The Lamb Lies Down On Brodway, que compró para conocer los trabajos anteriores de esa banda de la cual se iba convirtiendo en fan. Conseguir ese disco había sido una hazaña ya que en Caracas solo se traían por pedido del extranjero. Oír ese disco a solas, en una casa vacía, por varios días, hizo de todo en su cerebro menos quitarle el miedo por su pasajero papel de celador. El trabajo de ensamble de los músicos, era equilibrado y Hackett experimentaba con todo tipo de cuerdas. Entre ellas un sitar.

Cuarta escena:
Ya se había hecho de todos los discos de su banda favorita y ahora compraba el recién salido Seconds Out, su segundo disco en vivo. Era 1977 y en su recamara estaba el poster del escenario con las dos baterías. En el disco, la banda sonaba impecable. Llamaba la atención como Steve Hackett mantenía el plano de su guitarra en medio. El gentleman siempre se destacó de otros por no ser el guitarrista que quería sonar más fuerte que los demás. Su concepto; el del ensamble sinfónico. Este sería su último disco con Genesis.

En la conferencia de prensa se comento sobre el cambio de Genesis, bajo la influencia principal de Phil Collins después de su salida. Steve bromeo diciendo que Phil había comido muchos chocolates suizos.
Con respecto a sus influencias, comentó que en un principio aprendió a tocar la armónica para después aprender la guitarra. Habló de Segovia y de Erik Satie como referentes importantes en sus composiciones (basta oír Kim del LP Please Don¹t Touch) además del blues. De hecho, su más reciente disco, Sketches of Satie, es un homenaje que él y su hermano John le hacen al compositor francés.
Sobre el encuentro con sus viejos compañeros de Genesis y los que fueron parte de esta banda hace un par de años, comentó que le pareció familiar el trato con músicos con los que no le había tocado trabajar, sin extenderse más en el tema.
Sobre un adelanto de lo que tocaría al día siguiente, prometió cosas nuevas, de Genesis, Satie y unos cuantos solos.
Este caballero inglés de trato amable, también presentó a los músicos que lo acompañan. Ellos son ROGER KING en los teclados, GARY 0'TOOLE en la batería, TERRY GREGORY en el bajo y ROB TOWNSEND en el saxo y la flauta.

Quinta escena:

Para nuestro protagonista, era una de esas épocas de cambio en su vida. El joven dejaba a su familia para regresar a su país, México y así estudiar la universidad. La música no dejó de acompañarlo. En su nuevo hogar, conseguir los discos que le gustaban era más difícil aun y el rock estaba totalmente satanizado en estas tierras. En su banda favorita habían tenido una gran perdida. Y aunque ésta pudo asimilar los cambios que vendrían con los años 80's, Genesis ya no sería lo mismo sin Hackett. Le parecía que los discos solistas de Steve como Please Don¹t Touch y Cure, sonaban sin duda, mejor que And Then There Were Three, el primer disco de Genesis sin él.

Sexta escena:
Ya son los finales de los años 80¹s y sus gustos musicales se habían diversificado. La radicalidad adolescente ya era una cuestión del pasado y por otro lado, el progresivo había entrado en plena decadencia. En la universidad encontró a unos amigos con los que hizo un disco a mediados de la década influenciado por los viejos ídolos progresivos y así comenzó su carrera como músico dejando su profesión, la arquitectura. Ahora era parte del movimiento de rock en español de su país. Perdió la pista de Hackett. Lo último que oyó de él fue lo que hizo con Steve Howe, GTR, que no le gustó mucho.

21 de Julio. 8 PM al sur de la ciudad de México.
Se comienzan a congregar seguidores. Muchos de ellos, caras familiares del concierto de Camel hace algunos meses. Por ahí, el fotógrafo Fernando Aceves dice: ... este concierto promete. De pronto, los organizadores nos permitieron acceder, poco a poco, a los que cubrimos el evento. Nos tocó sentarnos tras la consola de audio.
Comienza el concierto con un trabajo de luces que se destaco a lo largo de la presentación, mostrando una sincronía casi perfecta con la música. Abre con Mechanical Bride. Tal derroche de virtuosismo nos dejó boquiabiertos a muchos de los asistentes. Después de eso, podría tocar lo que quisiera. Y así fue. Nos mostró lo que el día anterior explicó como ¨sentir lo que se toca¨. Alguna torpeza tendría que equilibrar la virtuosa ejecución y fue cuando Steve decidió bromear con su español. Un poco tieso al moverse, en ocasiones, parecía un robot. Más que nada, provocó simpatía en el público y no nos impidió disfrutar el concierto.

De Genesis tocó fragmentos. Recordando cuando en el pasado, en sus presentaciones, esta banda unía varias partes de sus largas piezas. Los Endos que tocaría dos veces durante la noche fue de las más aplaudidas.
Y aunque algunos desconocíamos parte de su trabajo solista, como era mi caso, no dejó de cautivarnos. Sin una voz privilegiada para el canto, logro encontrar el equilibrio perfecto para mantenernos sumergidos en la música. La noche continuó con Serpentine, Watcher Of The Skies, Hairless Hearts, Riding The Colossus, The Steppes, Walking Away From Rainbows, Sierra Quemada, Vampire With A Healthy Apetite y Gnossience No. 1 de Satie.
El concierto continuó hipnotizándonos, sumergiéndonos en toda clase de imágenes. De repente nos dimos cuenta de que el concierto terminaba al finalizar In Memoriam. Los asistentes reclamamos el consabido encore. Hackett salió con la guitarra acústica para tocar Horizons y después toda la banda terminó con la segunda versión de Los Endos.
Salieron del escenario y la música de fondo no nos dejó duda de que ya había terminado todo. Al salir al vestíbulo del Premier, nada resultaba más ridículo que ver las fotos de Timbiriche, José José y Coque Muñís en la recepción. Las personas abandonaron el recinto con una sonrisa en sus rostros.

Séptima escena:

Han pasado 25 años desde la primera escena y dentro del marco de un renacer de las viejas leyendas, en donde han venido a su país aquellas bandas de los años 70¹s, llega a México, Steve Hackett. Entre una mezcla de nostalgia por esa música de la que aprendió mucho y asombro por saber que el guitarrista seguía en activo, asistió emocionado al concierto. Una vez más, la música, ese lenguaje abstracto y total que te puede hacer imaginar cualquier cosa, estaba ahí para marcar un momento más en su vida. Porque ese concierto será recordado por el resto de sus días como la conclusión de un ciclo y la comprensión de que la música no tiene tiempo. Fue al encuentro del guitarrista, le dio todos los discos que de él tenía para que los autografiara y además, como lo hizo con Latimer del grupo Camel, le regalo el suyo.

Discografía:
• Feedback '86 -2000
• Sketches of Satie -2000
• DARKTOWN -1999
• The Tokyo Tapes -1998
• Genesis Revisited -1997
• A Midsummer Night's Dream -1997
• There Are Many Sides To The Night -1994
• Blues With A Feeling -1994
• Guitar Noir -1994
• The Unauthorised Biography -1992
• Time Lapse -1992
• Momentum -1988
• Till We Have Faces -1983
• Bay Of Kings -1983
• Highly Strung -1983
• Cured -1981
• Defector -1980
• Spectral Mornings -1979
• Please Don't Touch -1978
• Voyage Of The Acolyte -1975
Ligas relacionadas:
www.stevehackett.com
genesis.m3w.com

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KING CRIMSON/AGO 2001

De intelecto, viseralidad, arrogancia, genialidad e intriga
King Crimson, segunda visita a México - agosto del 2001

Era el 17 de agosto por la mañana. Me topé con él accidentalmente. Yo salía del elevador, en el Hotel en el cual se iba a realizar la conferencia de prensa y que fue cancelada en el último momento. Tras el asombro, solo pude decir Mr. Fripp. Fui totalmente ignorado. Y su actitud no varió cuando en un segundo intento lo volví a llamar. Sentí algo parecido como cuando, hace algunos años, Gloria Trevi me hizo lo mismo en un ascensor de un hotel en Monterrey. Yo solo buscaba ser amistoso y ella actuó como si yo no existiera. En fin, con la sola relación de estas dos situaciones, terminé riéndome. "Hago mal si lo tomo como algo personal" pensé.

Y es que para los que hemos seguido a King Crimson y a su líder Robert Fripp, una anécdota de estas, coincide perfectamente con la imagen que de él se conoce, sea mito ó no . Alguien me dijo alguna vez, que no dejaba que nadie lo tocase, lo cual me pareció una invención pero que habla de la idea que se ha creado en su torno, algo así como la de un genio antisocial.

Según lo que puedo entender de su biografía y de lo que él mismo ha dicho en diversas ocasiones, los músicos en general son solo un vehículo para que la música nos alcance. En otras palabras, la música es lo verdadero y lo que realmente importa. No así, toda la parafernalia con la cual la envuelven los mercaderes del show business. Supongo que esto incluye él que rechace la dinámica de los fans que van tras el autógrafo (y también supongo que me confundió con uno de ellos... no andaba muy lejos).

De cualquier modo, en mi personal punto de vista, no creo que esté bien que una persona ignore a otra. De una posición digna y ética, se puede pasar muy fácilmente a la arrogancia y a la malcriadez.

La personalidad de Fripp, me causa intriga. Aun así, no puede negar, con todo y lo que haga, que él es una persona mundialmente conocida, por no decir "un Rock Star".

Me intriga porque además creo en la posición que ha tomado ante su trabajo y su entrega a la experimentación. Las ideas que ha manejado dentro y fuera de King Crimson las comparto y como músico, esto me seduce.

Y como coincido en que la música es lo que realmente importa, esa misma noche asistí a la presentación, primera de tres, que King Crimson daría en el Teatro Metropólitan de esta Ciudad de México.

Encontré a muchos músicos y demás fauna rockera. Ahí estaba José Manuel Aguilera, Oscar Sarquiz, el editor Benjamín Salcedo y el fotógrafo Fernando Aceves, entre otros. Todos listos para escuchar lo que para muchos es una de las músicas más vanguardistas y experimentales que se puedan oír en la actualidad.

En sus comienzos, a finales de los sesentas, a King Crimson se le ubicó como parte del movimiento de rock progresivo que en ese entonces nacía en Europa. Sin embargo, clasificar el estilo de una banda no es siempre suficiente para definirla y en este caso, menos. King Crimson no fue un grupo que se estacionó en el estereotipo setentero. De hecho, cuando parecía que consolidaban algún tipo de definición o empezaban a tener éxito, solían separarse. Fripp, como el cerebro organizador, nunca cedió ante ningún tipo de autocomplacencia y en cambio, siempre mantuvo la linea de búsqueda musical. De King Crimson, uno siempre podrá esperar escuchar lo que nunca antes habíamos escuchado.

Mientras ocupábamos el recinto, presenciamos un acto totalmente agradecible y que, en mi caso, suavizó la sensación del fallido encuentro matutino. El mismísimo Fripp, ambientó nuestra llegada con aproximadamente 15 minutos de Frippertronics ó Soundscapes, como él los ha definido. Algunos no se dieron cuenta y otros, se acercaban sorprendidos a verlo. Poco a poco la voz se corrió entre los despistados y al terminar, recibió un fuerte aplauso del público. Pocos minutos después, el concierto comenzó.

En esta ocasión vinieron con Fripp: Adrián Belew, Trey Gunn y Pat Mastelotto. Desde principios de los ochenta, Belew y Fripp han conformado una mancuerna que es, en buena medida, la esencia de la banda desde entonces. La balanza se equilibra entre el papel racional, matemático y disciplinado de uno, con la viseralidad, la lírica y fuerza del otro. En vivo, Belew es el frontman. Pero no el típico cantante que roba las miradas del público. No puede ser así ante el nivel de todos los demás integrantes. Por lo mismo resulta incluso un acto humilde, que un músico de su talla (que, entre otras cosas, ha ganado varios años el premio al mejor guitarrista experimental por parte de la revista Guitar Player) salga del escenario un par de ocasiones, se quite y ponga su guitarra y sea simpático. Sonará ridículo, pero conozco a más de una estrellita del rock nacional que se dan más taco (por cierto, el mismo Belew ha producido a algunos de ellos y no estoy hablando de Santa Sabina).

En fin, ya sea por la humildad de Belew ó por ese "estar - no estar" de Fripp (que se sienta de perfil al público y solo lo ve hasta que se despide del escenario), su postura es la de que solo nos van a convencer y maravillar con su música.

Trey Gunn y Pat Masterotto, quienes se incorporaron al grupo desde los discos Vrooom y Thrak, no habían tenido el espacio que ahora lucen en The Construcktion Of Light y terminaron demostrando que están a la altura de las circunstancias. Todos ellos vinieron a México hace cinco años además de Tony Levin y Bill Bruford. No los pude ver en aquella ocasión, pero los comentarios fueron como siempre muy buenos.

En una entrevista que Fripp le diera a Adriana Díaz Enciso en Londres, comentó que él odió aquellos conciertos, aludiendo que el público no oyó un 100% de lo que debía escuchar y que el boleto fue muy caro. ¿Odiará estos también? Por lo pronto, yo veo la cosa con más realismo y lo que comencé a escuchar me cautivó. Tocaron material de los discos recientes y tres temas de la etapa ochentera.

De los recuerdos más claros que me quedan son, Prozakc Blues (un blues al estilo Carmesí); también un solo de Fripp con uno de sus tantos sonidos sintetizados que se parecía al timbre de un piano y que resulto buenísimo; la nueva versión de I Have A Dream (nueva porque ya la conocía en la versión individual que Belew tiene en mp3.com) que en vivo es más pesada; Elephant Talk (que es una de mis favoritas); Trey haciendo sonar unas voces con su Bass Touch Guitar (como si de por si, no nos sorprendiera con su forma de tocar); la combinación de toms y tambores eléctricos de Masterotto que tocaba tan bien en esos tiempos tan difíciles y poco comunes que suelen tocar y ese maravilloso shaker que sonaba increíble (ahí me sale lo percusionista, no niego la cruz de mi parroquia); la sobreposición de melodías en diferentes tiempos (que demuestran un dominio matemático del ritmo) y la sensación general del concierto que nos presentaron, haciéndonos parecer que era fácil todo lo que hicieron ¡Guau!.

Definitivamente no es una música sencilla y ahí radica su encanto. El público respondió con tal euforia que hicieron tres encores. Yo salí impresionado y motivado de este primer concierto del fin de semana. El primero en el que yo los veía también, aunque llevo muchos años siguiéndoles los pasos.

Después de todo...no todo es perfecto en esta vida ¿Verdad?.

Discografía del Rey Carmesí
In The Court Of The Crimson King
In The Wake Of Poseidon
Lizard
Islands
Epitaph
Earthbound
Larks'Tongues In Aspic
Starless & Bible Black
Red
The Night Watch
The Great Deceiver.
Discipline
Beat
Three Of A Perfect Pair
Absent Lovers
VROOOM
THRAK
B'Boom-Live In Argentina
THRaKaTTaK
Live In Mexico City
The ConstruKction Of Light
Heaven And Earth (firmado bajo el seudónimo de ProjeKct X)

De los ProjeKcts:
Space Groove
Live At The Jazz Cafe
Live Groove, Masque
West Coast Live
The Deception Of The Trush: A Beginners' Guide To ProjeKcts.

Ligas
www.mp3.com/adrianbelew

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LE ORME/NOV 2001

Le Orme En México

Para los seguidores del rock progresivo en la ciudad de México, los dos últimos años han sido muy buenos. Las cuentas pendientes se siguen pagando. Si bien, en la última década hemos tenido visitas aisladas de bandas de la talla de ELP, Yes y KC, en los mencionados años han venido bandas progresivas en forma nutrida. Banco del Mutuo Socorsso dos veces, Jhon Weton, Steve Hackett, Camel, After Cying, Asia y King Crimson son nombres que aparecieron en las marquesinas de nuestros foros con bastante frecuencia. Sol and Deneb Productions ha sido el responsable en organizar varios de estos conciertos y terminó el año, organizando el 18 de noviembre, en el Salón 21, la presentación de la legendaria banda italiana Le Orme. Ellos ya habían pisado suelo mexicano al tocar en marzo de este año en el Progfest de Baja California, pero no en esta ciudad. Dentro de la promoción de su más reciente producción Elementi, esta banda que iniciara su carrera en 1967, nos presentó un recorrido por la música de su extensa carrera. Junto con Banco del Mutuo Socorsso y Premiatta, crearon el perfil italiano del rock progresivo ó sinfónico, al mezclar la influencia anglosajona con el canto Mediterráneo. Según Aldo Tagliapietra, en una entrevista que se le hiciera en su anterior visita, al comienzo de los años setenta, fue en Italia done se dio el primer apoyo a las agrupaciones inglesas. A raíz de la visita de ELP en el 71 y de la reacción del público italiano, Le Orme contó finalmente con el apoyo de una disquera transnacional. Comenzando como quinteto y manteniéndose como trío la mayor parte de su historia, con Peter Hammil como uno de sus esporádicos colaboradores, llegan a México los fundadores Aldo Tagliapietra - voz y la guitarra - y Michi De Rossi - batería - acompañados de Michele Bon - Teclados - integrado desde el 92 al grupo y Andrea Bassato - piano-, de reciente incorporación.

El Concierto Elementi Tour 2001
Hubo una asistencia regular, en la cual se repitió el esquema de los anteriores conciertos. Esta, se congregó entusiasta a escuchar un buen concierto aunque no falto de fallas técnicas. Es conocido que las presentaciones de Le Orme se destacaban por los efectos visuales y que en esta ocasión estuvieron ausentes. Más bien la iluminación fue bastante elemental. Sin embargo la música y la interpretación, que es lo que realmente nos importaba, se dio y se dio bien. Michele Bon nos mostró y emocionó con su talento en los teclados, aunque no dejó de hacer berrinches al no escucharse en los monitores. Trajo un teclado, que junto a su Leslie, eran todas unas piezas artesanales y sonaban bastante bien. Por su cuenta, Aldo tocaba un bajo-guitarra en el más puro estilo setentero y sin duda uno de los momentos más hermosos del concierto fue cuando tocó su sitar. La simpatía de Michi ayudó a que esta presentación se diera en un ambiente relajado aun con los problemas del audio. Y Andrea demostró que es un buen pianista apoyando perfectamente a sus compañeros y en un par de piezas tocó el violín.

Presentando temas clásicos de su repertorio, del cual recuero bien Contrapunti, tocaron también piezas de su más reciente producción inspirada en los cuatro elementos de la antigüedad: aire, tierra, agua y fuego.

Finalmente, un público satisfecho abandonó el recinto con el placer de escuchar este tipo de evento que cada vez es más común por estos rumbos. Ojalá los problemas técnicos no sean la norma en los próximos.

Puedes visitar las siguientes páginas:
www.leorme.alma.it
tinpan.fortunecity.com/collins/92/leorme.html

DISCOGRAFÍA
1967 FIORI E COLORI / LACRIME DI SALE (45,Car-Juke box)
1968 SENTI L'ESTATE CHE TORNA / MITA MITA (45,Car-Juke Box)
1968 MILANO 1968 / I MIEI SOGNI (45,Car-Juke Box)
1969 IRENE / CASA MIA (45,Car-Juke Box)
1969 AD GLORIAM (33,Car-Juke Box)
1969 IRENE/CASA MIA (45,Telerecord)
1970 L'AURORA DELLE ORME (33,Car-Juke box)
1970 L'AURORA / FINITA LA SCUOLA (45,Car-Juke Box)
1970 NON C'E' CHE LEI (E.P.PROMO,Car-Juke Box)
1970 IL PROFUMO DELLE VIOLE (45,Philips)
1971 COLLAGE (33,Philips)
1972 UOMO DI PEZZA (33,Philips)
1973 FELONA E SORONA (33,Philips)
1973 FELONA & SORONA (33,Charisma)
1974 LE ORME IN CONCERTO (33, Philips)
1974 CONTRAPPUNTI (33,Philips)
1975 SMOGMAGICA (33,Philips)
1975 SERA (45,Philips)
1975 BEYOND LENG (33 EXPORT,Compilation versione inglese)
1975 GIOCO DI BIMBA /TRUK OF FIRE (45 Charisma EXPORT )
1976 VERITA' NASCOSTE (33,Philips)
1976 CANZONE D'AMORE / E' FINITA UNA STAGIONE (45,Philips)
1976 CANZONE D'AMORE (33,Philips)
1977 STORIA O LEGGENDA (33,Philips)
1978 LE ORME ANTOLOGIA 67-69 (33,Penny)
1978 LE ORME raccolta (33,Fontana records)
1979 FLORIAN (33,Philips)
1980 PICCOLA RAPSODIA DELL'APE (33,Philips)
1982 VENERDI' (33,DDD)
1982 ROSSO DI SERA/SAHARA (45,DDD)
1983 LE ORME (Raccolta Superstar-A.CURCIO ed.)
1985 RARITA' NASCOSTE (CD EXPORT)
1987 DIMMI CHE COS'E' (45, Baby records)
1990 ORME (Philips)
1993 ANTOLOGIA 1970-80 (Philips)
1996 IL FIUME (Tring)
1997 AMICO DI IERI (Tring)

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CARL PALMER/FEB 2002

UN POCO DE HISTORIA
Nació en Birminham, Inglaterra, en 1950. • Comenzó a tocar a los 11 años. • Sus influencias iniciales fueron Los Beatles, Miles Davis, Buddy Rich y la música clásica. • Tocó con Crazy World, Chris Farlowe & The Thunderbirds, The Craig, Atomic Rooster, Emerson, Lake&Palmer, PM, Asia y 3. • Es uno de los bateristas favoritos del rock progresivo. • Actualmente tiene un proyecto solista con el que ha sacado el disco Do You Wanna Play, Carl? y está por sacar Working Live... para mediados del 2002.

EL LIRICO SE VISTIO DE GALA

Volviendo a respirar el aire de este avejentado lugar, de diseño Art Deco en su interior y ahora de una manera más agradable y diría hasta memorable, me quité el mal sabor de boca que el recinto me provocaba, al presenciar un excelente concierto. Digo esto porque el Teatro Lírico, para un ex-Botellita de Jerez como yo, es una mezcla de recuerdos (la mayoría desagradables), ya que fue lugar de una obra que significo la etapa más decadente de mi ex-banda.

Pero ahora era el 10 de febrero del 2002 y tras haberse presentado en Monterrey y el día anterior en este mismo lugar, Carl Palmer, aquel legendario baterista de Emerson, Lake & Palmer, acompañado de un par de excelentes ejecutantes (los cuales conforman su proyecto solista denominado simplemente Palmer), nos demostró que los músicos más virtuosos del rock, los que marcaron una época en la década de los setentas conocida como rock progresivo, siguen dando todo y tocando mejor que nunca y que nadie. Las leyendas de este genero nos han seguido visitando gracias a Deneb Productions y no dejan de sorprendernos.

Lo que presenciamos, no puede estar más alejado de la imagen pedante que envolvió a los interpretes de esta corriente musical y de la cual, ELP siempre fue una excepción. Ya nos lo demostraron con anterioridad en su visita al Auditorio Nacional en los años noventa con la gira del Black Moon. En una mezcla de concierto-clínica, por lo cercano e intimo del evento, Palmer, de sangre ligera, nos hizo pasar no solo un momento de buena música, sino uno de comunicación y simpatía.

Hablando en un español de acento ibérico aprendido en Tenerife, Palmer se esforzó por lograr ese contacto. De esta forma hizo un recorrido por el tiempo tocando algunos clásicos del legendario trío y algunas cosas más personales. Afortunadamente no tocó nada de Asia (hasta los progresivos también tuvieron su prefabricado). Tocó temas como L. A. Nights, New Tunes, Bull Frog, Tank, Barbarian, Tocata, Canario y hasta una reciente versión de Carmina Burana. Destacó la rapidez con la que toca sus toms, que siempre lo caracterizó y esa forma de hacer de la batería un instrumento casi melódico. Sus músicos, Shaun Baxter (guitarra) y Dave Marks (bajo), ambos profesores del Instituto de Guitarra de Londres, no dejaron de sorprender también. Ellos tuvieron sendos solos en los cuales nos dejaron ver porque Palmer los había elegido para acompañarlo. Nos explicó: "después de tocar con el maestro del teclado (Emerson), me parece mejor acompañarme por la guitarra de Shaun". A mi manera de ver, el guitarrista dio un toque pesado a las composiciones del trío, dejando ver así, la influencia que ELP ejercería en las bandas metaleras posteriores a ellos. Dave, de 23 años y quién tocaba un bajo de seis cuerdas, hizo al final de su solo una amistosa versión de La Bamba con la cual se gano al público.

El tiempo voló, como suele suceder con los buenos eventos. Salieron e hicieron un primer encore vestidos con camisetas futboleras con los tres colores de la bandera mexicana. Tocaron Fanfare, acabaron y evidentemente pedimos más. Regresó Palmer y tocó su conocido solo, que podríamos denominar como una más de sus composiciones ya que, elementos más, elementos menos, contiene las mismas partes que todos ya le hemos visto en videos desde hace mucho, lo cual no quiere decir que no lo disfrutemos cada vez que lo hace. Como la parte de doble bombo que, punto y aparte, él fuera uno de los precursores en usarlo. Ó donde, con el pandero, interactúa con la gente. Ó en la parte donde juega con los platillos ó las baquetas ó donde se quita la camiseta dejando ver la buena condición que mantiene a sus 51 años.

Este señor entiende que, eso de estar sobre el escenario, lo convierte en showman y lo explota, sin duda.

Sitios de Carl Palmer
www.carlpalmer.com
www.emersonlakepalmer.com

Discografía:

Palmer (Solista)
• Do You Wanna Play, Carl? (2001)
Emerson, Lake & Palmer
• Emerson, Lake & Palmer( Cotillion/ Atlantic Records 1971; re-released 1996 on Rhino {USA/Canada}and Castle Records { rest of the world})
• Tarkus ( Cotillion/ Atlantic Records 1971; re-released 1996 on Rhino {USA/Canada}and Castle Records { rest of the world})
• Pictures At An Exhibition ( Cotillion/ Atlantic Records 1972; re-released 1996 on Rhino {USA/Canada}and Castle Records { rest of the world})
• Trilogy ( Cotillion/ Atlantic Records 1972; re-released 1996 on Rhino {USA/Canada}and Castle Records { rest of the world} )
• Brain Salad Surgery ( Manticore/ Atlantic Records 1973; ; re-released 1996 on Rhino {USA/Canada}and Castle Records { rest of the world} )
• Welcome Back My Friends To The Show That Never Ends -- Ladies & Gentlemen, Emerson, Lake & Palmer ( Manticore/ Atlantic Records 1974)
• Works Vol. 1 ( Atlantic Records 1977; re-released 1996 on Rhino {USA/Canada}and Castle Records { rest of the world} )
• Works Vol. 2 ( Atlantic Records 1977; re-released 1996 on Rhino {USA/Canada}and Castle Records { rest of the world} )
• Love Beach ( Atlantic Records 1978; re-released 1996 on Rhino {USA/Canada}and Castle Records { rest of the world} )
• In Concert ( Atlantic Records 1979; re-released 1996 on Rhino {USA/Canada}and Castle Records { rest of the world} )
• The Best Of Emerson, Lake & Palmer ( Atlantic Records 1980; re-released 1996 on Rhino {USA/Canada}and Castle Records { rest of the world} )
• The Atlantic Years - 2 CD Collection (Atlantic Records 1991; re-released 1996 on Rhino {USA/Canada}and Castle Records { rest of the world} )
• Black Moon ( Victory Music/ PolyGram Records 1992; re-released 1996 on Rhino {USA/Canada}and Castle Records { rest of the world} )
• Live At The Royal Albert Hall ( Victory Music/ PolyGram Records 1993; re-released 1996 on Rhino {USA/Canada}and Castle Records { rest of the world} )
• Return Of The Manticore - CD Boxed Set ( Victory Music/ PolyGram Records 1993; re-released 1996 on Rhino {USA/Canada}and Castle Records { rest of the world} )
• In The Hot Seat ( Victory Music/ PolyGram Records 1994; re-released 1996 on Rhino {USA/Canada}and Castle Records { rest of the world} )
• Works Live ( 1996 on Rhino {USA/Canada}and Castle Records { rest of the world} )
• Live At The Isle Of Wight 1970 (1997 Manticore Records)
• ELP In Concert On The King Biscuit Flower Hour ( 1997 King Biscuit Flower Hour Records )
• Then And Now( 1998 Eagle Records )
The Craig
• Single: " I Must Be Mad" backed with/ "Suspense." 1966
• Chris Farlowe & The Thunderbirds:
• Single: "Yesterday's Papers" backed with/ "Life Is But Nothing." 1967
• The Crazy World Of Arthur Brown:
• Single: "What's Happening" B-side 1968
• Atomic Rooster:
• Atomic Rooster (Repertoire Records) 1969
P.M.
• PM, 1980
Asia
• Asia (Geffen Records), 1982
• Alpha (Geffen Records), 1983
• Astra (Geffen Records), 1985
• Aurora, 1986
• Then & Now (Geffen Records), 1990
• Live Mockba 09-X1-90, 1991
• Aqua, 1992
• Live In Moscow (Rhino Records), 1994
• Archiva 2, 1996 (On "The Smoke That Thunders" Only)
• Now - Live In Nottingham, 1997
• Anthology 1982-1997, 1997
3
• To The Power of Three ( Geffen 1988)

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ROGER WATERS/MAR 2002

Roger Waters en México
La Otra Mitad de Pink Floyd

La primera vez que escuche el tema In the Flesh y los demás temas del recién salido álbum The Wall, iba en el carro de un amigo. Vivía en Caracas y eran finales de los años setentas. Quiso apantallarme con el disco que acababa de comprar y vaya que lo hizo. Pasaría todavía algún tiempo, antes de la realización de la igualmente famosa película protagonizada por Bob Geldof y que causara toda una conmoción en México. Si bien esta banda siempre fue acogida favorablemente por los seguidores del progresivo, era un error encasillarlos. Con fuerte influencia de la psicodelia de finales de los años sesentas, mezclaron una dosis de blues y algo de country, en el terreno de las imágenes auditivas del rock sinfónico. Yo ya estaba inmerso en el esta corriente para entonces, pero no tenía más información de Pink Floyd, que lo que sabía de su disco The Dark Side of the Moon (que entre sus datos curiosos, fue grabado por un ingeniero llamado Allan Parsons quien también había grabado para los Beatles).

En algún viaje que hice a México por aquellos tiempos, mi primo me contó algo que me mostró la actitud, que buena parte de los jóvenes clasemedieros de nuestro país, tenía ante la persecución gandaya que el gobierno y los medios de comunicación hicieron del rock, por tener (para ellos) entre sus defectos, el cuestionamiento al poder. Un profesor le había dicho a él y sus compañeros, que el hit Another Brick in The Wall part 2, era una pésima influencia para los jóvenes. El comentario no me extraño viniendo de un académico, seguramente anticuado y convencional. Pero la parte que realmente me sorprendió, fue cuando mi primo trató fallidamente de exorcizar mis demonios, ya que él estaba de acuerdo con su profesor y a la vez se preocupaba de mis gustos musicales. Me preguntó: ¿Como puedes estar de acuerdo en que no necesitábamos educación? Contesté que él era el mejor ejemplo de porque existía una canción como esa. No creo que me haya entendido.
Total, las noticias que nos llegaban de los conciertos de Pink Floyd, que nos narraban escenarios con muros que se derrumbaban para descubrir a la banda que tocaba detrás de estos, se convirtieron en increíbles leyendas para los que estábamos impedidos de verlos en Latinoamérica. Otro amigo que tuvo la posibilidad de ver algunos conciertos en Estados Unidos, no dudaba en decir que los de Pink Floyd eran los más espectaculares.
Pasó el tiempo y para cuando me involucré más con la música de Pink Foyd ya en los ochentas, empapándome de discos como Wish you Were Here y Animals que sacaron antes de The Wall, el co-fundador del grupo a lado Syd Barret en 1966, Roger Waters, decidió separarse del grupo después de que sacaran The Final Cut, por la rivalidad insostenible que este tenía con Dave Gilmour.
En cierta ocasión, Gilmour comentó: "Cuando salió Barret del grupo, la gente solía gritar por él en los conciertos. Eso no ha sucedido con la salida de Waters".
Por su parte Waters, sentía que el trabajo creativo y conceptual de la banda dependía principalmente de sus ideas y con esto, desvirtuaba el trabajo de los demás.
Siguieron, cada quien por su cuenta, dando conciertos y grabando nuevos discos que, a mi manera de ver, tanto el Pink Floyd sin Waters como Waters sin Pink Floyd, no alcanzaron superar sus logros pasados. Y que no se entienda esto como que no produjeron buenos resultados en sus trabajos posteriores, pero se puede decir que las virtudes de la vieja banda se dividieron en dos.
Waters por su cuenta sacó The Pros and Cons of Hitchhiking en 1984 y en 1987, Radio K.A.O.S. The Wall en vivo en Berlín en 1990. Luego sacó el irónico Amused To Death en 1992. Actualmente trabaja en Ca Ira, una ópera en inglés y francés, así como su siguiente disco de rock llamado The Flickering Flame. El Pink Floyd de Gilmour también continuó grabando en estudio. Y entretanto vimos así, como aparecían dos versiones en vivo de los clásicos de este grupo. Cada quien con su parte de derecho en reclamarlos como propios.
Las décadas no pasaron en vano y en México cambiaron los tiempos, cambiaron las ideas y nos ha tocado escucharlos ya separados. Primero el Pink Floyd comandado por Gilmour y toda su parafernalia, en la década de los noventa. Y el pasado 19 de marzo, Roger Waters con la gira del mismo nombre de aquella canción que oí en el auto de mi amigo en Caracas y que forma parte de la versión wateriana de su más reciente disco en vivo titulado In The Flesh.

El Concierto

Días antes, daba por descartado poder ir. Pero unas horas antes de que este comenzara en el Foro Sol, me invitaron y no dudé ni un instante en aceptar. Fue más mi sorpresa cuando mi lugar resultó estar en la fila 10, justo enfrente del escenario. Fue un privilegio y me di cuenta de que corrí con bastante suerte, tomando conciencia de que el evento convocó a mas de 40 mil asistentes.
El concierto comenzó después de una corta lluvia, a las 8:40 de la noche, que para nuestros cánones es extremadamente puntual (supongo que no para el ingles). Y es la tan mencionada In The Flesh, la que con todo y explosiones, dio comienzo al concierto.
El sonido, impecable. Y pude verles las arrugas a todos en el escenario.

Se sintió la personalidad de Waters desde el primer acorde y se fueron descubriendo, poco a poco, los demás integrantes de la banda. Acompañado por : Andy Fairweather Low - Guitarra y voz, Snowy White - Guitarra, Chester Kamen - Guitarra y voz, Harry Waters (hijo de Roger) - Teclados, Andy Wallace - Teclados, Graham Broad - Batería, Norbert Stachel - Saxofón, Katie Kissoon - Coro, PP Arnold - Coro y Linda Lewis - Coro. Todos ellos, músicos con largas trayectorias en el rock y el blues. Mostraron su talento a lo largo de todo el concierto.
El programa, conformado por temas de la época floydiana y algunos de su etapa solista, se dividió en dos bloques de 45 minutos cada cual, con un intermedio de 15 minutos. Prácticamente siguió el orden del disco.

El programa fue el siguiente:
1. In The Flesh
2. The Happiest Days Of Our Lives
3. Another Brick In The Wall, Part 2
4. Mother
5. Get Your Filthy Hands Off My Desert
6. Southampton Dock
7. Pigs On The Wing, Part 1
8. Dogs
9. Shine On You Crazy Diamond, Parts 1-5
10. Welcome To The Machine
11. Wish You Were Here
12. Shine On You Crazy Diamond, Parts 6-9
Intermedio
13. Set The Controls For The Heart Of The Sun
14. Breathe (In The Air)
15. Time
16. Money
17. The Pros And Cons Of Hitch Hiking, Part 11
18. (5:06 AM - Every Stranger's Eyes)
19. Perfect Sense (Parts I and II)
20. The Bravery Of Being Out Of Range
21. It's A Miracle
22. Amused To Death
23. Brain Damage
24. Eclipse
Encore
25. Each Small Candle

Las canciones que más coreo la gente fueron sin duda: Another Brick in The Wall part 2, Mother, Wish you Were Here, Money y Eclipse.
Hubo momentos para clavarse en la textura, con aceitosas y psicodélicas amibas en las grandes pantallas del escenario y juegos de cartas de Waters y compañía durante las partes instrumentales de los teclados. El sonido, difundido en 6 sitios distintos del estadio de baseball y manejado cuadrafónicamente, creaba ambientes paranoicos de perros y helicópteros.
Contribuyo a la magia nocturna la pestaña de luna que Waters tenía al frente y a nuestras espaldas, enmarcada por las gradas llenas de luces de los encendedores del público.
Un concierto sin desperdicio. 25 temas incluyendo Each Small Candle, un estreno de su próximo disco The Flickering Flame.
Solo un detalle. Al oír esos maravillosos solos de guitarra, que todos nos sabemos de memoria, no podía dejar de pensar que, quien estaba detrás de esas melodías, era Gilmour. Sería interesante saber si Waters, puede superar ese pasado y a si mismo en el futuro. Para el regocijo de todos, ojalá lo logre.

DIscografía:

Con Pink Floyd
08/05/1967 THE PIPER AT THE GATES OF DAWN Tower
06/29/1968 A SAUCERFUL OF SECRETS Tower
07/27/1969 MORE (Original Soundtrack Album) Tower
10/25/1969 UMMAGUMMA Harvest
03/??/1970 ZABRISKIE POINT (Original Soundtrack Album) MGM
10/10/1970 ATOM HEART MOTHER Harvest
05/14/1971 RELICS Harvest
11/13/1971 MEDDLE Harvest
06/03/1972 OBSCURED BY CLOUDS (Music from the film 'The Valley') Harvest
03/24/1973 DARK SIDE OF THE MOON Harvest
12/04/1973 A NICE PAIR Harvest
09/15/1975 WISH YOU WERE HERE Columbia
02/02/1977 ANIMALS Columbia
12/02/1979 THE WALL Columbia
11/23/1981 A COLLECTION OF GREAT DANCE SONGS Columbia
03/21/1983 THE FINAL CUT Columbia

Solo
11/28/1970 MUSIC FROM THE BODY (with Ron Geesin) Harvest
05/08/1984 THE PROS AND CONS OF HITCH HIKING Columbia
10/30/1986 WHEN THE WIND BLOWS (Original Soundtrack Album) Virgin
06/15/1987 RADIO K.A.O.S. Columbia
09/04/1990 THE WALL - LIVE IN BERLIN Mercury
09/01/1992 AMUSED TO DEATH Columbia
12/05/2000 IN THE FLESH - LIVE Columbia

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PREMIATA FORNERIA MARCONI/JUL 2005
PFM en la Ollin Yoliztli

Es domingo, es 10 de julio del 2005 y la cita es en la sala de conciertos Ollin Yoliztli, al sur de la Ciudad de México. Veremos, en su segunda visita a nuestro país, a la legendaria banda italiana PFM (como se le conoce en su denominación simplificada).

Ellos tomarían su nombre de una panadería de Chiari, en cuya bodega ensayaban según cuenta la leyenda. Este negocio, encontraría eco en una singular banda de Milán la cual llevaría ese nombre más allá de las fronteras de su país al cambiar un tibio nombre original, I Quelli a Premiata Forneria Marconi.

Al exterior de la Ollin Yoliztli, hay los típicos vendedores ambulantes y comienzo a reconocer a algunas caras, como Ramon Nakash de Nirgal Vallis y alguno que otro músico. Son rostros familiares en esta tribu asidua a conciertos de rock progresivo.

Entraré al segundo concierto que darán este día y que se abrió gracias a la buena respuesta en la venta de boletos de la primera función. Mi amiga Rocío Macías, que trabaja en la organización de estos eventos, me comenta que en el primer concierto, recién terminado, los italianos se veían nerviosos. Me pregunto que clase de nervios pueden sentir unos músicos con más de treita años en escena.

Reconocida como la banda más trascendente del rock progresivo italiano en la década de los setentas, fácilmente atribuible al hecho de haber tenido mayor proyección internacional que la de sus compañeros peninsulares. Se dice que esto se dio gracias al apoyo de sus amigos ingleses Emerson, Lake & Palmer, logrando así, editar sus discos en Inglaterra, Europa y Estados Unidos por medio de la disquera de Greg Lake, Manticore.

Total, que como muchos de sus paisanos contemporáneos, Premiata se han mantenido en activo hasta nuestros días, alejados del glamour de tiempos pasados y sin dejar de generar buena música.

Ya son distantes los días de sus primeras presentaciones como abridores en Italia, de las bandas de progresivo más importantes de aquel entonces: Yes, Jethro Tull, ELP. Cuando se decía que eran la versión italiana del King Crimson de fines de los años sesenta.

Las comparaciones no faltaban, en esta vocación que tenemos de ubicarnos como satélites de los países de habla inglesa y de la cual, los italianos como nosotros, no están exentos. Pero sería simplista decir que eran una copia de bandas inglesas. El progresivo italiano adquiriría en los años setenta, un espacio propio dentro de las propuestas de lo que también se llamaba Rock Sinfónico, al incorporar sus propias influencias regionales de la música culta y popular de su país.

Eran los días de esos primeros discos, Storia di un minuto, de 1971, donde destacaba la voz, con marcados tintes mediterráneos. En 1972 salió Per un amico, una muestra prometedora de evolución en su música. Pero es con Photos of ghost, 1973, que a la banda se le conoció mejor, al ingresar a las listas de popularidad europeas y estadounidences. Fue notoria su decisión de ser parte de un crossover anglo-italo, al grabar algunos de sus temas que originalmente aparecieron en italiano, también en inglés. Algunos consideraron esto una mala idea y las críticas al respecto continúan hasta hoy, al ver tal acción como una perdida de esencia y un atentado a la identidad del progresivo italiano. Pero por otra parte, en los hechos, les permitió que el nombre de PFM llegara a Estados Unidos y otros países.
En los siguientes años, marcados por cambios en su alineación, el grupo sacó L'isola di niente, 1974 y Chocolate Kings, 1975, siendo este último disco víctima de bicot en Estados Unidos, por el abierto apoyo del grupo en esos años, a la causa palestina.

Al salir Jet Lag en 1977, su sonido se inclina al jazz rock, que tanto sedujo a los músicos de rock progresivo de esos tiempos. La historia siguió con lanzamientos de discos en forma intermitente, hasta llegar a su más reciente producción en estudio llamada Serendipiti, destacándose también en su discografía reciente, recopilaciones y discos en vivo.

Discografía:
1971 - Storia di un Minuto
1972 - Per un Amico
1973 - Photos of Ghosts
1974 - L'Isola di Niente
1974 - The World Became The World
1974 - Live in U. S. A.
1975 - Chocolate King's
1977 - Jet Lag
1978 - Passpartu
1979 - Fabrizio De Andre' In Concerto - PFM volume 1
1980 - Suonare Suonare
1981 - Come Ti Va in Riva alla Città
1982 - Performance
1984 - PFM? PFM!
1987 - Miss Baker
1988 - L'Album di PFM
1996 - 10 Anni Live - 1971-1981/Absolute live - 1971 - 1978
1997 - Ulisse
1997 - Prime Impressioni
1998 - A Celebration Live
1998 - Gli Anni Settanta
1998 - Live www.pfmpfm.it (il Best)
2000 - Serendipiti
2002 - Live in Japan
2003 - La Leyenda del Prog Italiano, 1970-1972
2003 - La Leyenda del Prog Italiano, 1974-1978

Volviendo al concierto que está por comenzar, espero que los músicos se encuentren más relajados y también que se genere un ambiente íntimo, dado que somos un público más pequeño. Tomamos nuestros lugares y prácticamente anuncian la tercera llamada apenas nos sentamos.

Salen y desde el principio se ganan al público, entre otras cosas, al pedirle a los de atrás que se acerquen a los lugares vacíos. El escenario, luce más bien austero, solo tiene el Back line de la banda y unas torres de luces que prometen poco. Sin embargo mi ánimo es alto, dejando estos detalles de lado al saber que la calidad está en la música principalmente.

Comienzan el concierto con Rain Birth y la acústica del lugar no les ayuda mucho. Empiezo a encontrar cierto sentido al nerviosismo de los músicos, aquel que comentamos al principio. Es muy incómodo tocar en estas condiciones. Se llega a notar su inconformidad con el monitoreo, cuyo ingeniero parece incapaz de resolver. En la sala, el sonido no es tan malo, aunque algo reverberado. Las luces también resultan inadecuadas, al dar un contexto a mi parecer, equivocado.

Con un lugar rebotón y luces discotequeras, resulta difícil apreciar a plenitud la música, pero el animo de todos no lo hace imposible. Hay momentos mágicos en los que es muy grato dejarse llevar por las composiciones.

En el pasado, se les criticó por el hecho de no tener un solo cantante, lo cual no me parece malo. Incluso creo que le da un buen dinamismo al concierto.

En un principio, el canto y temperamento del guitarrista Franco Mussida, son más bien discretos y agradables y constantemente muestra su sonrisa que nos invita a la complicidad con la banda.

Al percusionista Roberto Gualdi se le ve fuera de lugar. Como en esa actitud de -aquí no pasa nada- pero que demuestra todo lo contrario. La razón de esto se descubre al ver que su papel, más que de percusionista, es el de cubrir al baterista Franz di Cioccio cuando éste, pasa al frente a cantar.

Franz, con su actitud liberada de tensiones, se mete en su papel de frot man y logra involucrarnos en su prendidez.

En lo personal, llega un momento especial cuando interpretan Dolcissima Maria, pieza que fue compañera de viaje en innumerables trayectos carreteros.

Y en esta nostalgia, recapacito un fenómeno curioso. Actualmente es muy utilizada la música electrónica y en especial, el Drum and Bass, en identificaciones de noticieros, fondos de anuncios y programas de televisión. Pero hubo una época, cuando existía el oscurantismo rockero en nuestro país durante la década de los setenta, en que la única manera de escuchar buenas bandas en los medios de comunicación, era de esta manera tan peculiar y disimulada. ¿Habría que agradecerle a los musicalizadores de aquella época esta posibilidad? ¿O no? Algunos dirán que solo chotearon la música y recuerdan la indignación que les causó oír tan buenos grupos en espacios tan inapropiados. El hecho es que, durante el concierto, eran fácilmente reconocibles pasajes de su repertorio, que en varias ocasiones, se usaron en programas de televisión y anuncios. Son parte de la nuestra memoria colectiva gracias a los programas deportivos y de otros tipos, que paradoja.

Regresando de estas referencias del pasado, en el concierto las interpretaciones se apoderan cada vez más de nosotros. Se han logrado momentos intensos con los solos de violín de Lucio Fabbri y de bajo con Patrik Djivas, que comenzó muy bien y energético, pero que conforme se acerca el final del concierto, es al que más se le nota el cansancio. Imagino: dos shows en un día deben ser muy pesados.

Sin embargo, el ánimo de la banda y principalmente del público, se mantiene en alto. Esto es notorio en el más joven de la banda, Roberto Tagliabini, conocido en Italia por sus tributos a legendarias bandas del progresivo y que viene sustituyendo a Flavio Premoli. Su ejecución es bastante buena y se conecta bien con la gente.

Las piezas que tocaron según la escaleta que conseguí, escrita con su propio puño y letra son:

Rain Birth
Appena
Per Un Amico
La Luna Nuova
Suonare Suonare
Dolcissima Maria
La Carrozza di Hans
Scary Light
Tokio
Violin solo
Rossini's William Tell Overture
Impressioni di settembre
E' festa (Celebration)

En varias ocasiones el público se para de su asiento y acompaña con aplausos al grupo. Viene la primera despedida y prácticamente ni salen del escenario, para arrancar con Impressioni di settembre.

Termina el encore con la gente cantando junto a Franz, -Ce-le-bra-tion-. La gente insiste en que la banda salga de nuevo. Pero no sucede, quizás estén agotados. Así que cada quién toma su camino, con la sensación de haber visto un concierto especial en el que afortunadamente, las ganas de todos de pasárnosla bien, estuvieron presentes.

La noche es tranquila aunque amenaza lluvia. Todavía saboreo haber compartido recuerdos con los amigos, ante la leyenda del progresivo italiano.

Si quieres más información de PFM, te recomiendo entres a www.pfmpfm.it

PATA DE PERRO/MALDITA VECINDAD

2006-10-22T11:27:00.000-05:00

Entrevista completa realizada por el Sr. González, para el suplemento Picpoket No. 2 de la revista Picnic

Existen profesiones que requieren de constantes viajes y una de esas es, sin duda, la del músico. Yo, como parte del gremio, he conocido a muchos amigos y colegas viajando.
Cuando busqué a Maldita Vecindad para entrevistarlos, inmediatamente me vino a la mente una ocasión en que, al perder un avión en Los Angeles, coincidí con Pato en el siguiente vuelo. El azar también es parte de los viajes. La plática fue larga y amena y desde entonces siempre nos vemos con aprecio.
Si bien esto fue por ahí del año 97, a Maldita Vecindad y los Hijos del Quinto Patio los conozco desde finales de los años ochenta, cuando varios de nosotros comenzábamos en una ingenua pero intensa escena del rock nacional. Hemos compartido escenarios y defendido causas comunes.
Ya ha corrido el tiempo. Algunos de sus integrantes se han quedado en el camino y ahora Maldita ha ganado un sitio importante en la historia de nuestra música.
Por eso me alegra encontrarme con ellos una vez más, como si hiciéramos una parada en el camino y así platicar y actualizarnos.
Venga la entrevista pues.
A manera de cuestionario, me gustaría empezar preguntándoles:
Glez.: ¿Que significa para ustedes viajar?
Pato: Pues la posibilidad a nivel de nuestro trabajo, de conocer otros lugares y encontrar músicas distintas, culturas distintas y ver que lo que hacemos, tiene diferentes respuestas. Rolar y rolar mucho en las calles y conocer banda. Los viajes nos permiten reafirmar nuestra capacidad de asombro. En ése sentido, el mundo es inagotable en cosas nuevas, es como vivir en edificio donde tienes el chance de abrir las ventanas que quieras para encontrar paisajes y aires distintos. Personalmente es el chance de reafirmar sueños y derrumbar otros. Es verte a tí mismo desde una perpectiva distinta y transitando por puentes que construyes a traves de la música por ejemplo.
Roco: Viajar es salir de lo conocido. Moverse, estar abierto, dispuesto a aprender en cada momento, conociendo nuevas facetas de uno mismo, nuevos lugares, otras personas y culturas. Por eso para mí la vida es un viaje, inclusive la misma ciudad en que nací sigo viviéndola como un viajero, muchas veces viajo sin moverme, hacia adentro de mí mismo, o al escuchar música. La música es el mejor de los viajes posibles.
Glez.: Desde los primeros años de Maldita, la banda se caracterizó por llevar su propuesta dentro y fuera de nuestras fronteras ¿Como creen que esto haya influido en su música?
Roco: La música fue nuestro primer gran viaje: viaje en el tiempo, pues a todos nos gustaba la música que escuchábamos en casa. Mambo, cumbia, son, bolero, tango, rancheras, norteñas, toda la música popular mexicana. Y eso que por aquellos años (1985) era territorio inhóspito, pues ser rockero significaba seguir los estereotipos gringos o ingleses, o sea tocar puro blues, heavy metal o cualquier género establecido y copiarlo igualito hasta en la fecha, letra y ademanes.
Viaje en el espacio, pues además de la música mexicana nos prendió muy fuerte el movimiento punk, el reggae, el ska, la música africana, toda la vena afro en Latinoamérica y muchísimas músicas más.
Viaje en la mente, pues nuestras ideas se nutrían del “hágalo usted mismo”, del trabajo y creación colectiva del arte africano, indígena y árabe. Además pensábamos que la música no sólo era “diversión y entretenimiento” como la tele y demás medios decían. Para nosotros la música era (y es) una forma de vida, en donde mediante los sonidos y ritmos puedes conocerte, transformarte y transformar tu entorno cercano y, por qué no, tu comunidad o país. También nos inventamos una forma de ser mexicanos en donde todo lo anterior cabía y era como nuestro mapa para el viaje: Trabajo colectivo, sentido del humor, paz y baile, música mestiza y cultura combativa.
Ya cuando empezamos a viajar físicamente a los lugares que la música ya nos había mostrado, nos permitió profundizar en las personas y culturas que crearon esos paisajes sonoros. Echarnos un baile de banda en Sinaloa, un fandango Jaltipan, Veracruz, un slam en Nueva York, baile gitano en Sevilla, fiesta callejera con Rai en resistencia en el barrio árabe y africano en París, uy, y tantos círculos de celebración más.
Pato: Ha influido de una manera fundamental. La música de Maldita ha tenido siempre una mezcla de músicas de todos lados. Tocar fuera de México y con un sin fin de grupos nos llevó a abrirnos aún más a otras influencias y a reafirmar nuestras raíces sin nacionalismos. Simplemente tocar como lo hemos hecho e invitando músicos locales en turno. Es bien chido oir como cambian tus rolas con un instrumento diferente.
Ha sido el reafirmar orgullosamente nuestro origen, creer en que la diferencia de uno tambien acerca a otros, creer en que la diferencia marca nuestra identidad y que las coincidencias culturales son más grandes de lo que parecen. Era muy chido por ejemplo, ver sorprendidísimo a Brian May o a Faith no More o INXS diciendo ¨yo pensé que en México nada más había mariachi music!¨
Glez.: ¿Podrían hacer una analogía entre el tiempo que llevan trabajando juntos y un largo viaje?
Pato: Es como ir en el tren con un destino desconocido, con un horario de partida y llegada aún más desconocida, pero con unas ventanotas así de grandotas donde se puede atisbar al mundo platicando y echando relajo con una bola de cuates bien locos que son tus compañeros de la banda, de viaje, de sueños que además tienen la libertad de bajarse donde quieran y quedarse en el paraje que más les guste para echarse una cascarita de futbol. Y claro hay carnales que ya no se vuelven a subir al tren.
Roco: Hay un aforismo zen que me fascina: “El mapa no es el territorio”. Igualmente creo que ninguna descripción del viaje se acerca ni tantito al viaje mismo. Así que veinte años en Maldita Vecindad han sido un viaje en espiral hacia dentro de nosotros mismos y hacia fuera en un caracol de encuentro con los demás por medio de la celebración, la música, palabra y danza.

Glez.: Viajar es observar ¿Como guardan sus recuerdos? ¿Llevan alguna bitácora, toman fotos?
Pato: Si, todos tomamos fotos (nada fuera del otro mundo) y una persona de toda la vida del crew (Martín Montes) ha tomado cosas increibles en foto y en video y es el qué más cosas tiene (gafetes, souvenirs, propaganda, etc). Tambien para la gira Pata de Perro? en los 90´s publicamos un Tour book donde vienen testimonios de ésta gira y claro, por el otro está el press kit donde viene todas las reseñas de los toquines donde tocamos dentro y fuera de nuestro país.
Roco: Varios de nosotros tomamos fotos, y hemos trabajado con diferentes artistas visuales durante nuestras giras. Cuando hicimos la gira Pata de Perro, la cual duró casi un año entre conciertos en todo el país, Estados Unidos y 12 países de Europa, un amigo videoasta, Leonardo Bondani, grabó en video buena parte de este viaje. Con ese material realizamos un para de EPK y el video de la rola “Solín” del disco en vivo “Pata de perro”.
Glez.: ¿De que manera su música refleja al mundo?
Roco: “Pinta tu aldea y pintarás el mundo”, es un frase que nos ha acompañado desde el origen de la Maldita. Desde nuestros comienzos nuestra búsqueda planteaba expresar, sin nacionalismos baratos, nuestra cultura y visión particular como mexicanos y al mismo tiempo dialogar, desde el barrio con otras músicas y culturas que nos han inspirado. “Ser profundamente regional para ser aceptablemente universal.” Actúa local, piensa global ese es el camino de Maldita, por eso en nuestra música conviven el afrobeat de Fela Kuit con el mambo de Pérez Prado y el relajo de Tin Tan.
Pato: Al público le tocaría decirnos que tanto se refleja el mundo en Maldita. Nosotros creemos que nuestra música es el reflejo que nosotros tomamos de las músicas e historias que oímos de todos lados y de muchos tiempos. La onda es que le entramos con los ojos y el corazón bien abiertos sin pensar en purismos o en ortodoxias o en prejuicios. Nuestro espejo ahí está. Nuestro reflejo también. Si queremos tocar un son y nos sale a quien sabe que cosa y nos gusta, eso es más que suficiente. Allá los puristas.
Glez.: Hay formas para viajar ¿Cual transporte es su favorito y cual han odiado?
Roco: Mi favorito es la bici, como en Ámsterdam, la rolamos bien chido. El más odiado cuando me subí a un elefante y los pelos del paquidermo se me encajaron donde te imaginas.
Pato: Favorito, el barco y el tren porque es el más inusual y el mas odiado los aviones, principalmente en Estados Unidos por sus absurdas medidas de seguridad donde todos somos potenciales terroristas..
Glez.: ¿Suelen viajar con los sentidos?
Pato: Mmmm... depende cual esté estimulado, já !El oido es el medio de transporte más socorrido para viajar y la caja de resonancia es tu imaginación.
Roco: Estoy convencido de las infinitas posibilidades y universos dentro de nosotros, así que viajo continuamente, concientemente por mis paisajes interiores. Los sentidos son las antenas de las emociones, viajar sin emociones es andar de turista, no ser un viajero.
Glez.: En este caso y teniendo al pachuco como continua referencia ¿Que tienen que decir de la migración en general?
Pato: Es el reflejo natural de la injusticia social y de los imperialismos en turno. Hay unas frases que hemos visto en camisetas en Estados Unidos y en Francia por ejemplo que dicen: -nosotros no hemos traspasado las fronteras, ellas nos traspasaron a nosotros- u otra que dice -¿Qué porqué estamos aquí? Porque ustedes estuvieron primero allá- haciendo alusión a las invasiones y ocupaciones de los paises imperialistas. Es un fenómeno que se ha repetido durante toda la historia de la humanidad y que independientemente de fronteras, la gente tiene el derecho de vivir donde quiera o le convenga vivir. No hay raza ni cultura pura, todos somos producto de migraciones y mezclas.
Roco: La migración es la fuerza de cambio y evolución de las sociedades desde tiempos remotos. Ninguna frontera, muro o barrera podrá detener el viaje de las ideas, la música, la cultura y las personas.
Glez.: Sé que algunos de ustedes acaban de volver de sus vacaciones personales ¿Me quieren comentar como viajan cuando lo hacen individualmente?
Pato: Pues cada quien se va por su lado y a veces terminamos encontrándonos en la más-remota-playa. Generalmente viajo en enero. Yo acabo de regresar de Chacahua, una reserva natural en Oaxaca donde para ir sólo necesitas tu mochila y tu tienda de campaña.
Roco: Cada viaje es distinto, acabo de regresar de Tulum y ha sido uno de mis viajes más transformadores y míticos de mi vida.

Glez.: Para terminar esta plática ¿Hay alguna anécdota de viaje que recuerden en especial?
Roco: Encontrarnos con Manu Chao en Barbes, el barrio árabe y africano de París, pues unos niños habían corrido la voz de que había unos indios caminando por el barrio, y Manu llegó también para conocer quiénes eran esos indígenas, por supuesto los indios éramos nosotros con nuestra facha.
Pato: La vez que me dejó un avión en Los Angeles y me encontré al Sr. González en la misma condición. Nos reímos y cotorreamos muy chido y claro, nuestro viaje se hizo cortísimo. Otra ocasión ibamos a salir a Europa -que es un viaje muy largo- y pues llegamos muy temprano al aeropuerto según para prevenir cualquier contratiempo y nos asignaron una sala de espera (la 19). Llegamos y nos quedamos ahí esperando, oyendo música, otros jeteando o leyendo, pero todos con audífonos, cuando de repente vimos que cerraban las puertas de esa sala y en ese momento tranquilamente se estaba yendo el camión que te lleva al avión y no había otro más. Por más que le pedimos y le rogamos al encargado no nos quiso abrir y enfrente de nuestras narices perdimos el vuelo al cual llegamos tempranísimo.
Glez.: ¿Que hay de nuevo y que viene? ¿Cual es la ruta a seguir para Maldita Vecindad?
Pato: Acabamos de participar en el disco -Viva Tin Tan- con una canción que se llama -Los Agachados- e hicimos un video bastante divertido también. Por otro lado en febrero-marzo estaremos grabando nuestro próximo disco con una amigo en SanFrancisco y a la par seguiremos tocando en todos lados. Este año volveremos a Europa para retomar las giras de verano que se ponen bastante bien y a las cuales ya teníamos un rato de no ir. Tambien este año estaremos tocando en Sudamerica por fin.
Roco: Continuar el viaje de la vida y la música con nuestra propia ruta, sin caer en los paquetes “todo pagado” que ofrece la sociedad convencional y la “industria del espectáculo”.
Glez.: Gracias carnales.

EN LAS ENTRAÑAS DEL CIBERARTE

2006-10-22T11:01:00.000-05:00

Por el Sr. González/publicado en Emeequis 006

Así como la fotografía, el cine y el video fueron los medios para hacer arte en el siglo XX, en este que comienza, las computadoras y sus posibilidades en la red nos presentan nuevas formas de creación artística.
En esta ocasión les recomendaré algunos sitios de arte cibernético o ciber art, los cuáles aprovechan todas las posibilidades que da la programación, para mostrarnos obras interactivas que definitivamente nos involucran en sus alucinantes propuestas.
Empecemos con

http://www.unosunosyunosceros.com/
Una magnifica muestra del nivel que tiene el arte cibernético mexicano, que goza de prestigio a nivel mundial. Destaca entre varias propuestas, Tributo, en donde puedes interactuar con los homenajeados. Una vez que comienzas a navegar por unosunoyunosceros, pasarás de una ventana a otra, perdiéndote en un laberinto de opciones.
De este colectivo de proyectos y como una de las ligas de unosunoyunosceros, te recomiendo

http://www.bakteria.org/
En el sitio de Bakteria se juega con la idea de infectarte con una variedad de coloridas bacterias y que pueden resultar muy entretenidas.
Con la premisa “manejar mucha información no representa necesariamente ser mas sabio”, en la página de Absürd Örg,

http://www.absurd.org/
navegas por ventanas repletas de información, semejando los resultados de un experimento denominado A7436. Las imágenes formadas a partir de textos, aparentemente sin sentido alguno, manejan cierto barroquismo.
En

http://www.superbad.com/index.html
Ben Benjamin nos presenta Superbad, obra en la cual la navegación se da de una manera fortuita y poco obvia. Después de de un rato de pasear por diferentes ventanas, comenzaremos a entender la lógica del paseo. Es un buen ejemplo de como la interacción es una parte fundamental del arte cibernético.
Lo mismo sucede en

http://www.snarg.net/
de Gael & Jef. con Snarg, donde además de las imágenes orgánicas, el sonido juega un papel importante en la complicidad entre el observador y la obra.
Por último, les recomiendo el sitio del grupo multidisciplinario La Fura Dels Baus, que involucra como parte de sus propuestas al arte cibernético. Su página oficial es

http://www.lafura.com/entrada/index2.htm
De su escaparate en la red, estos catalanes hacen una propuesta estética como extensión de sus espectáculos.
En estas páginas el clásico letrero de “Por favor no tocar” al fin es ignorado, olvidado, borrado y vemos cómo el ratón de nuestra computadora se convierte en ese dedo que todo toca, que todo prueba en busca de alguna reacción inesperada.
Animación Flash, música, diseño gráfico, HTML, sonidos, fotografías, MPEG, frames, streamings y ligas, son algunos recursos con los que los nuevos creadores inventan el arte del siglo XXI.

DISCOS PIONEROS/UNA HISTORIA DOCUMENTADA DEL ROCK Y EL POP

2006-10-18T23:58:00.000-05:00

Por el Sr. González/publicado en http://www.rock.com.mx/66_alcubo.html

En un reciente numero de la revista The Observer, perteneciente al periódico británico The Guardian y que reprodujera Emeequis en México, mencionan los 50 discos mas influyentes de la música. Como primera impresión es fácil coincidir con algunos de los títulos ahí presentados. Pero plantear que esta lista se refiere a los discos mas influyentes de la música, así simplemente, me parece pretenciosa e imprecisa. Entiendo que ésta fue realizada desde una perspectiva anglosajona y su visión está dirigida a la influencia del Rock en Estados Unidos e Inglaterra principalmente. También reconozco que la música popular de Estados Unidos e Inglaterra tiene una influencia determinante en el mundo y que géneros como el Jazz, el Blues, el Rock, el Reggae, la música Electrónica y el Rap, hace tiempo dejaron de tener una sola nacionalidad. Los melómanos sabemos que la globalización, en lo que a música popular se refiere, comenzó desde los años cincuenta y en buena medida nos pertenece, así que podemos tener opinión al respecto. Tras reflexionar sobre la justicia o injusticia de la lista de The Ovserver, considero que hubo serias omisiones, por lo que no pude evitar hacer la mía. Estoy consciente de que ninguna recopilación de este tipo convence a todos y reconozco que la hice desde una perspectiva muy individual. Una de las cosas que me desconcertaban en la lista británica, es que no me quedaba claro su criterio de selección. Era una mezcla de discos trascendentes en el Rock, si, pero también muchos que solo habían sido exitosos en ventas, mas no influyentes en la historia de este genero musical. Por eso, para la propuesta decidí concentrarme en discos de proyección internacional, que hayan generado consecuencias con su aparición. Una lista de discos pioneros. En esta, algunos son muy famosos y otros ni siquiera son los mas exitosos del arista en cuestión. Pero tendrán la característica de haber sido los primeros en sonar como sonaron y que se volvieron una referencia obligada de trabajos posteriores. Tampoco quise ponerme límite en el número de títulos que pudiesen conformar este compilado. Terminaron siendo 66. Así pues, les comparto lo que para mi son los discos que han marcado la historia del Rock, el Pop y géneros de los que se han retroalimentado. Es claro que cuando salieron estos discos, fue porque ya existían las corrientes y movimientos musicales a los que representan, volviéndose así en documentos de lo que acontecía en los escenarios, los medios de comunicación y hasta en las salas de planeación de productores y mercadólogos de las grandes industrias musicales.

-Rock Around The Clock (sencillo) de Bill Haley and His Comets 1955
Nace discográficamente el Rock and Roll. Onceavo sencillo en su discografía.
Algunos artistas relacionados a este origen: Jerry Lee Lewis, Little Richard, Chuck Berry y el Rey, Elvis Presley.
Tomando la cadencia y el ciclo de 12 compases del Blues y mezclándolo con el Country, nace el Rock and Roll. La pieza que da nombre a esta producción, fue un éxito radiofónico mucho antes de la aparición de otras figuras de este género.

-Heartbreak Hotel (sencillo) de Elvis Presley 1956
Primer disco del Rey del Rock and Roll. Se dice que Elvis le dio forma al Rockabilly. Primer sencillo en su discografía.
Algunos artistas relacionados a este origen: The Beatles, Crhis Isaak y U2.
Sencillos como Heartbreak Hotel o los posteriores Don't Be Crue y Love Me Tender, aderezados con escandalosos movimientos de cadera, entusiasmaron a los jóvenes de la segunda mitad de los años cincuenta. Su reinado duró hasta 1964, cuando los Beatles irrumpieron en escena. Aunque él se mantuvo activo hasta su muerte en el año 1977, sus numerosos fanáticos no han dejado de rendirle culto hasta la fecha.

-Please, Please, Please de James Brown and The Famous Flames 1958
Primer disco del Padrino del Soul, James Brown.
Algunos artistas relacionados a este origen: Sly & The Family Stone, Aretha Franklin, Otis Redding y los Rolling Stones.
Este es el primer LP, el cual conjuntaba los éxitos generados desde el año 1956, del entonces apodado Padrino del Soul, James Brown. Canciones como Please, Please, Please y Try Me, destacaban su forma de interpretar el Ryhthm and Blues, entre gritos expresivos de origen Gospel. Comenzaba la carrera de uno de los músicos mas trascendentes de los últimos tiempos. Primero, fue protagonista de la transformación del Ryhthm and Blues y el Gospel, al Soul. Después, creó a partir del Soul, el Funky. Y finalmente, su trabajo en general es una de las fuentes de inspiración mas grandes de la cultura Hip Hop. Ha sido uno de los compositores mas prolíficos de todos los tiempos, llegando a sacar varios discos por año. Aquí comenzaba pues, la carrera del actualmente en funciones Papa Soul Brown, Sr. Dinamita, Hermano Soul #1, el increíble James Brown.

-Let's Go Trippin (sencillo) de Dick Dale and the Del-Tones 1961
Nace discográficamente el Surf. Primer sencillo en su discografía.
Algunos artistas relacionados a este origen: The Beach Boys, The Shadows, The Ventures, All Casey y Los Straitjackets.
Se le atribuye a Dick Dale la creación del primer Surf, que toma su nombre del deporte hawaiano, muy popular en aquellos días en las costas del sur de California. Caracterizado por el efecto de reverberación usado en las guitarras, producido por un amplificador Fender, muchas fueron las bandas que cultivaron este estilo, siendo la mas conocida los Beach Boys en su primera etapa.

-Please Mr. Postman (sencillo) de The Marvelettes 1961
Primer éxito del Sonido Motown, el cual influyó el desarrollo del Soul y Rhythm and Blues. Primero en su discografía.
Algunos artistas relacionados a este origen: Stevie Wonder, Marvin Gaye, Diana Ross & The Supremes, The Temptations, The Four Tops, The Jackson 5 y Gladys Knight & the Pips.
Con el lanzamiento de este sencillo del grupo vocal femenino The Marvelettes, que llegó a ser #1 en las listas de popularidad de los Estados Unidos, se marca el primer éxito comercial de la compañía de discos mas influyente en los terrenos del Solul y el Rhythm and Blues, la Tamla-Motown. Fue tal su importancia, que no era difícil reconocer durante la década de los sesenta, al denominado sonido Motown. Por esta empresa desfilaron las mas reconocidas figuras de la música afro-americana a lo largo de tres décadas. Si bien The Marvelettes después, nunca lograron el éxito de otras agrupaciones similares de la compañía, como fue el caso de las Supremes, con el tiempo su trabajo ha sido revalorizado. En 1974, el grupo The Carpenters grabó su versión de Please Mr. Postman.

-Last Night / Do the Pop-Eye de Mar-Keys 1961
Primer disco del sonido Stax o Southern Soul, el cual también influyó el desarrollo del Soul y Rhythm and Blues. Primer sencillo en su discografía.
Algunos artistas relacionados a este origen: Otis Redding, Rufus Thomas, Wilson Pickett, Sam & Dave, Steve Winwood, Macy Gray y The Blues Brothers.
Así como se definía el sonido Motown, otra compañía disquera dio su nombre al sonido Stax, también conocido como Southern Soul, cuyo primer disco Last Night / Do the Pop-Eye de Mar-Keys, abriría la participación de otras propuestas de la musuca afro-americana. A este sonido se relacionarían grandes artistas e influyó a los Blues Brothers, quienes revivieron este sonido veinte años después.

-The Electrifying Aretha Franklin 1962
Inicio de la carrera de la primera gran cantante de Soul. Tercero en su discografía.
Algunos artistas relacionados a este origen: Whitney Houston, Mariah Carey, Natalie Cole y Christina Aguilera.
Este disco da inicio a la carrera de Aretha Franklin en el Soul, una de las cantantes mas influyentes de la música afro-americana. Es el tercero en su discografía, ya que comenzó en el año 1956 como niña cantando Gospel. Desde esta producción, ya se escuchaba la poderosa voz de esta mujer comprometida con el movimiento racial y feminista.

-The Freewheelin' Bob Dylan de Bob Dylan 1963
Primer disco compuesto en su totalidad por el primer gran poeta del Folk Rock. Segundo en su discografía.
Algunos artistas relacionados a este origen: Joan Baez, Pete Seeger, Donovan, James Taylor, Carole King, Joni Mitchell, John Denver, Carly Simon, Jackson Browne, Bruce Springsteen, Tracy Chapman y Ani Difranco.
Con este disco, Robert Allen Zimmerman mejor conocido como Bob Dylan, captó la atención hacia sus composiciones ya que en su primera producción casi no las hubo, marcando así, el comienzo de la carrera de este canta-autor de influencias Folk. Con sus letras cambió el panorama de la música al introducir la literatura y la conciencia política, en un medio de protestas anti-guerra. Dylan se convertiría en una de las influencias mas fuertes de las siguientes décadas. La famosa Blowing in The Wing, pertenece a este material. En la década de los años setenta el Folk Rock derivó una en corriente de músicos denominados como Wave of Soft Singer-Songwriters, cuyos exponentes fueron James Taylor, Carole King, Joni Mitchell, entre otros.

-Please Please Me de The Beatles 1963
Primer disco de la banda mas influyente del Rock de todos los tiempos.
Algunos artistas relacionados a este origen: Prácticamente a todas las bandas de Rock posteriores ellos y las carreras solistas de John Lennon, Paul McCartney, George Harrison y Ringo Starr.
Con ellos el Rock and Roll se fue transformando simplemente en Rock y comenzaba su reinado. Los Beatles se encargaron de revolucionar la música popular al grado de encontrarse referencias a ellos, en prácticamente todo el Rock que se desarrollo después. Comenzaban los tiempos de descubrimientos y cambios. En la actualidad se mantienen activos Paul McCartney y Ringo Starr, ya que John Lennon fue asesinado en el año 1980, en la entrada del edificio Dakota done vivía en Nueva Yok y George Harrison murió de cancer en el año 2001.

-My Boy Lollipop de Millie Small 1964
Nace discográficamente el Ska. Cuarto en su discografía.
Algunos artistas relacionados a este origen: Madness, Specials, The English Beat, The Police, The Clash y No Doubt.
El ritmo de origen jamaiquino conocido como Ska, tuvo popularidad mundial a partir de esta producción inglesa, que contó con la peculiaridad de tener como armoniquista, a un desconocido futbolista de nombre Rod Stewart. El tema My Boy Lollipop, es una versión de la canción de Barbie Gaye, reinterpretada en este estilo. Mismo que es predecesor del Reggae y que posteriormente también alimentó al Punk de los años setenta. El Ska, tuvo varias reapariciones e influencias en las décadas posteriores.

-Meet The Beatles! de The Beatles 1964
Disco que marco la primera invasión inglesa. Tercero en su discografía.
Algunos artistas relacionados a este origen: Los Rolling Stones, John Mayall & the Bluesbreakers, The Yardbirds, The Who y los Kinks.
Con esto, se conformaba una dinámica en la cual, estilos generados en América, eran procesados y reelaborados por bandas inglesas que a su vez buscaban el reconocimiento de la economía mas grande del mundo, en un circulo virtuoso y muy dinámico.

-The Rolling Stones de Rolling Stones 1964
Primer disco de la banda mas longeva del Rock. Primera muestra del Blues Británico.
Algunos artistas relacionados a este origen: Otis Redding (y su versión de Satisfaction), bandas de Blues británico como John Mayall & the Bluesbreakers, The Yardbirds, Fleetwood Mac, Cream, Erick Clapton, el Rock Blues americano de Canned Heat, Janis Joplin, Johnny Winter, The J. Geils Band, Ry Cooder, Jimi Hendrix, Stevie Ray Vaughan y todas las bandas que han tocado Rock Garage.
Presentados al público como la contraparte de los Beatles, los chicos malos de la historia, la banda comandada por Mick Jagger y Keith Richards comenzaba su larga carrera con este humilde disco, influenciados por el Blues americano y el Rock and Roll. Sin pretensiones vanguardistas, esta banda ha resultado ser la mas constante y por ende, la mas longeva en la historia del Rock. En el camino, dejarían a Brian Jones, quién moriría en una piscina en 1969 y a Bill Wyman, que se separaría de la banda en 1991. Actualmente, los que completan la banda son el cofundador Charlie Watts y Ron Wood. Su etapa mas trascendente se dio a finales de los años sesentas y comienzos de los setentas. Lograron gran éxito con su tema Satisfaction del año 1965, considerado un clásico. Los Rolling Stones han sido referencia, junto a los Kinks, The Who y la primera etapa de los Beatles, de lo que se denominaría como bandas de Rock Garage o que tocan Garage, nombre para las bandas con un sonido joven e inexperto, que tocaban en las cocheras de sus casas y que aparecieron en los Estados Unidos como consecuencia de la invasión inglesa. Pero seguramente, una de sus mayores aportaciones es la de haber creado, junto a otras bandas, la cara inglesa del Blues eléctrico, inspirado en los bluseros americanos como B.B. King y Muddy Waters. De este movimiento surgiría después, Erick Clapton. También como parte de la invasión inglesa, influyeron de vuelta al Rock Blues americano.

-The Who Sings My Generation de The Who 1965
Primer disco de su influyente carrera.
Algunos artistas relacionados a este origen: las bandas de Punk y en general las bandas Garage e Indie.
Aquí nació discográficamente hablando, una de las bandas mas importantes del Rock. Identificados con el movimiento Mod de la Inglaterra de los años sesenta. Su disco contendría los ingredientes que caracterizarían a la banda de ahí en adelante: irreverencia y poder. Famosos por romper sus instrumentos al final de cada presentación y por ser de las bandas que mas fuerte sonaban en vivo. La canción My Generation, bien puede ser considerada como un tema Proto-Punk. Actualmente, solo sobreviven dos de sus integrantes, Pete Townshend y Roger Daltrey. Keith Moon murió en el año 1978 por una sobredosis con pastillas y John Entwistle, por una afección en el hígado en el año 2002.

-Pet Sounds de The Beach Boys 1966
Este disco es una de las influencias reconocidas por los Beatles para el Sgt. Peper´s Lonely Heart Club Band. Se usó un Theremin, en lo que se podría considerar el primer intento de incursión en la música electrónica por parte del Rock. Onceavo en su discografía.
Algunos artistas relacionados a este origen: The Beatles, Emerson Lake and Palmer y R.E.M (At My Most Beautiful).
Considerado el mejor disco de los Beach Boys, aunque por esos días, no tuvo el éxito comercial que deseaba su compañía disquera. Afortunadamente el tiempo lo ha tratado con justicia revalorizándolo por su influencia. El grupo se había caracterizado por su sonido melódico y con referencias al Surf, siendo al principio, representativos del estilo que surgió en California. Pero este disco, es casi un trabajo personal de Brian Wilson, el cual se inspiró en los Beatles. Esto generó ciertas resistencias del resto de la banda y dudaron ante su lanzamiento. La pieza mas conocida fue Good Vibrations, que destaca el rasgo mas distintivo de este trabajo, el de los arreglos corales y el silbido producido por un Theremin. En esos tiempos, el mismo Paul McCartney comentó que este disco influyó en la composición del Sgt. Peper´s Lonely Heart Club Band.

-John Wesley Harding de Bob Dylan 1967
Nace discográficamente el Country Rock. Comenzaría su colaboración con The Band. Noveno en su discografía.
Algunos artistas relacionados a este origen: The Birds, Creedence Clearwater Revival, The Eagles, Linda Rostadt, Neil Young, Norah Jones.
Después de un accidente de motocicleta y su consecuente introspección personal, Dylan se hace acompañar para este disco, por algunos miembros de The Band, con quienes realizaría importantes trabajos. Por lo pronto este disco marca el inicio del Country Rock.

-Are You Experienced? de Jimi Hendrix 1967
Uno de los nacimientos discográficos de la Psicodelia. Primer disco de uno de los mejores guitarristas de la historia del Rock.
Algunos artistas relacionados a este origen: Prince, Red Hot Cilli Peppers, Lenny Kravitz y Living Color.
De origen blusero, Hendrix se incorporó a la nueva tendencia psicodélica de la Inglaterra de los sesentas, para convertirse en una de las grandes estrellas del Rock de raza afro-americana. En este rubro le antecedieron Chuk Berry y Little Richard. Era zurdo y con una habilidad virtuosa a la hora de ejecutar su instrumento. Murió en 1970 a los 27 años como consecuencia de sus excesos con las drogas.

-Sgt. Peper´s Lonely Heart Club Band de The Beatles 1967
Primer disco conceptual del Rock y otro de los nacimientos discográficos de la Psicodelia. Considerado su mejor disco. Octavo en su discografía.
Algunos artistas relacionados a este origen: The Electrc Light Ochestra, XTC, Tears for Fears, la banda de McCartney-Wings, la corriente denominada Brit Pop (Oasis, The Verve y Blur) y en el caso de los discos conceptuales a The Who (Tommy y Quadrophenia), Genesis (The Lamb Lies Down on Broadway), Jethro Tull (Thick as a Brick) y Pink Floyd (The Wall).
Considerada la obra maestra de los Beatles, este disco es psicodélico y abierto a toda clase de influencias, pero sobre todo fue innovador en el sentido de contener en una sola obra, una idea concepto. Fue el primer gran disco conceptual del Rock, idea que después retomarían otras bandas.

-The Doors de The Doors 1967
Primer disco de su influyente carrera y otro de los nacimientos discográficos de la Psicodelia.
Algunos artistas relacionados a este origen: Snoop Dogg, Riders on the Storm, The Cult y Billy Idol.
No se puede definir el nacimiento de la Psicodelia en un solo disco o lugar. Mientras que en el Reino Unido existía gran movimiento al respecto, San Francisco en el lado americano, se convertía en la capital del Hippismo. La canción Light my Fire, fue un éxito contundente en este debut discográfico. Su sonido era una mezcla de Jazz, Flamenco, música clásica, Blues y Psicodelia. No tenían bajista, ya que el tecladista Ray Manzarek, lo ejecutaba en el órgano. Era notorio el gusto del vocalista, Jim Morrison, por la poesía de Rimbaud y Baudelaire, que se tradujo en letras románticas, simbolistas, así como existencialistas y psicoanalíticas. Morrison murió en 1971 a los 27 años, en una macabra coincidencia con Hendrix y Joplin.

-Big Brother & the Holding Company de Big Brother & the Holding Company 1967
Primer disco de la banda que vio nacer a la primera estrella femenina del Rock, Janis Joplin. Primero en su discografía.
Algunos artistas relacionados a este origen: Patti Smith, Stevie Nicks, Sade, Suzanne Vega, Tracy Chapman, Tori Amos, Sarah McLachlan, Sheryl Crow, Jewel, Ani DiFranco, Fiona Apple, Pat Benatar, Alanis Morissette y Joss Stone.
En este grupo, Janis Joplin era solo una integrante mas. Sin embargo, captaría la atención sobre el resto de los Big Brother & the Holding Company por su forma desgarradora al cantar. Con el tiempo dejó al grupo y trabajo con diferentes bandas, proyectándose como solista. Janis fue la primera estrella femenina del Rock, la voz blanca del Blues. Después de ella, serán muchas las mujeres que tomarían lugares importantes en el Rock que hasta entonces se caracterizaba por su machismo. Janis Joplin murió a los 27 años mientras grababa el disco Pearl en 1970, aparentemente sola, en el cuarto de su hotel y marcó el fin de una etapa en la cual se mezcló al Blues con la Psicodelia.

-The Piper At The Gates Of Dawn de Pink Floyd 1967
Primer disco de su influyente carrera y otro de los nacimientos discográficos de la Psicodelia.
Algunos artistas relacionados a este origen: David Bowie y las bandas de Rock Progresivo.
El Pink Floyd de Syd Barrett, definió la Psicodelia en términos musicales, convirtiéndola en una de las corrientes que conformarían al Rock Progresivo. En Gran Bretaña y en Estados Unidos, la experimentación con drogas se manifestaba escandalosa y abiertamente ante las conservadoras costumbres de la época. Fueron parte y a su vez víctimas de esta época Jimi Hendrix, Janis Joplin y Jim Morrison. Por otra parte Syd Barret, simplemente desapareció de la escena y murió el 7 de julio del 2006 de cáncer, a los 60 años.

-White Light/White Heat de The Velvet Underground 1968
Primer disco donde el ruido se volvió parte del arte. Segundo en su discografía.
Algunos artistas relacionados a este origen: The Ramones, The White Stripes y The Strokes.
Velvet Underground es una de esas bandas inclasificables y son considerados como influencia de varios movimientos, como el proto-Punk y el Garage Punk. Fue en este disco donde Velvet Underground se deshace del padrinazgo de Andy Warhol y la imposición de la modelo-cantante Nico, para mostrar al fin su visceralidad y anarquía..

-Filles de Kilimanjaro de Miles Davis 1968
Nace discográficamente Jazz Rock o Jazz Fusion. Treinta y ochoavo en su discografía.
Algunos artistas relacionados a este origen: Weather Report, Brand X, Return to Forever, Bill Bruford, Frank Zappa y Allan Holdsworth.
En la búsqueda de espacios renovados para el jazz, Miles Davis se haría acompañar de Herbie Hancock y Chick Corea, entre otros involucrados, para sentar las bases de lo que se denominaría como Jazz Rock o Jazz Fusion. A fines de los años sesenta y durante la década de los setenta, varias bandas mostrarían una liga con este temprano trabajo.

-Santana de Carlos Santana 1969
Primer disco de su influyente carrera y nace discográficamente el Rock Latino. Primero en su discografía.
Algunos artistas relacionados a este origen: Los Lobos, Los Cruzados, Mars Volta y David Byrne.
Originario de Autlán, Jalisco, México y emigrado con su familia a San Fransico a mediados de los años sesenta, el guitarrista Carlos Santana se incorporó al contexto psicodélico y Hippie de ese lugar y momento. Sacó este disco el cual podríamos considerar el primer disco de Rock Latino, el cual fue hecho a partir de improvisar en el estudio de grabación y donde descubrimos la distintiva forma de tocar de Santana sobre bases rítmicas de origen afro-antillano. Poco tiempo después, durante la promoción de este disco, Carlos gozaría de gran reconocimiento en el festival de Woodstock, volviéndose en uno de los mas recordados participantes en este mítico concierto. Con el tiempo, su sonido se convirtió en una marca y ha tenido participaciones con los grandes del Blues y el Jazz como lo son John Lee Hooker o Herbie Hancock. Su carrera ha tenido un repunte en recientes años a partir de su álbum de duetos llamado Supernatural de 1999.

-In The Court Of The Crimson King de King Krimson 1969
Primer disco de su influyente carrera y nace discográficamente el Rock Progresivo. Primero en su discografía.
Algunos artistas relacionados a este origen: Genesis, Yes, Gentle Giant, Camel, Emerson, Lake and Palmer, Premiata Forneria Marconi, Gong, Triunvirat, Kansas, Dream Theater, Mars Volta y Radiohead.
Una producción con piezas de larga duración y el uso de nueva tecnología en teclados y sintetizadores, como lo era el Melotron, que fue usado por muchas bandas del genero. Teniendo a Robert Fripp como el alma del grupo y en la voz a Greg Lake, quién después formaría a Emerson, Lake and Palmer. Con claras influencias del Jazz y Música Clásica, este genero tuvo sus grandes exponentes en Europa. El virtuosismo de los músicos y la complejidad de sus composiciones se convirtieron en las reglas del juego al paso del tiempo. Actualmente, King Krimson es una de las bandas mas propositivas de la música.

-Philosophy of the World de The Shaggs 1969
Nace discográficamente el primer Female Group. Primero y único en su discografía.
Algunos artistas relacionados a este origen: The Go-Go´s, The Bangels, The Donnas y L7.
Este es el primer disco de una banda conformada solo por mujeres, lo que dio el inicio a las denominadas, Female Groups (bandas femeninas). Este grupo, integrado por las hermanas Wiggin, solo grabó este álbum. Su nombre deriva del peinado de moda en aquel entonces. Siendo un disco que se podría considerar amateur, se ha vuelto al paso de los años en uno de culto. Quizás no sea una referencia clara al trabajo musical de las bandas femeninas posteriores, pero la conexión con la salida de este disco por el hecho de que todas sus integrantes son mujeres, la hace inevitable.

-Space Oddity de David Bowie 1969
Fue el primer éxito de una de las personalidades mas influyentes del Rock. Segundo en su discografía.
Algunos artistas relacionados a este origen: las bandas de Glam, Garage y Punk.
Aparece David Jones, mejor conocido como David Bowie (para no ser confundido con un integrante de The Monkees). Con su segundo disco, se marcaría el comienzo de la carrera de uno de los músicos con mayor influencia en el rock, al aparecer su primer éxito en las listas de popularidad inglesas con la canción The Laughing Gnome. Como referencia inevitable para muchos músicos, Bowie se inspiró en la película de Stanley Kubrik, 2001 Odisea del Espacio, para nombrar este disco. En sus comienzos, su sonido era una mezcla de Folk, Mod-Pop y Rhythm and Blues. Como parte de una larga discografía, en los siguientes años destacaría, The Rise and Fall of Ziggy Stardust and the Spiders From Mars, convirtiendo su persona en un icono del Glam (este término, mas que un género musical, definía una estética estrafalaria al vestir y que iniciara el grupo T-Rex) y siendo también una referencia proto-Punk. Posteriormente compondría junto a Lennon la canción Funky, Fame, tendría gran éxito comercial con Let´s Dance e incursionaría con ritmos electrónicos en el disco Earthling, por solo mencionar algunos de sus logros. Conocido como El Camaleón, Bowie siempre ha sabido nutrirse de nuevas tendencias y las ha revolucionado.

-Sugar, Sugar de The Archies 1969
Primera banda virtual de la historia. Primero y único en su discografía.
Algunos artistas relacionados a este origen: Gorillaz.
Como parte de la campaña mercadotécnica del programa de televisión, El Show de Archie, basado en el cómic de dicho personaje, se creo la primera banda virtual del mundo. La canción que le da el nombre a este disco, llego al #1 de las listas de popularidad en Estados Unidos, siendo un fenómeno entre adolescentes y niños. El productor que estuvo detrás del proyecto fue Don Kirshner, y las voces estuvieron a cargo de Ron Dante y Toni Wine. Aunque suene a ironía, este trabajo es antecedente del grupo Gorillaz (2001), en donde los dibujos animados le prestan su imagen a una banda de músicos reales.

-Tommy de The Who 1969
Primera Opera Rock comprendida en todo un disco. Cuarto en su discografía.
Algunos artistas relacionados a este origen: Pink Floyd con The Wall y Andrew Loyd Webber con Jesus Christ Superstar.
The Who creó en este disco la primera Opera Rock que trascendió y tuvo éxito comercial. Las Operas Rock, serían una variable de los discos conceptuales en donde se desarrolla una historia que trasciende al disco mismo, ya sea en forma de película o en conciertos, los cuales llegan a interpretar otros artistas. La película de Tommy contó con la participación de Eric Clapton, Tina Turner y Elton John, entre otros. Fue el antecedente de Quadrophenia del mismo The Who, que contó con la participación de un desconocido Sting, así como de Jesus Christ Superstar de Andrew Loyd Webber (de la cual hubo obra de teatro y película) y la actuación y voz de Ian Gillian de Deep Purple. También está The Wall con Pink Floyd, donde actuó Bob Geldof. Roger Waters, con motivo de la conmemoración de la caída del muro de Berlín, dio un concierto de esta obra con la participación de Thomas Dolby, Sinead O'Connor, Cyndi Lauper, Scorpions, Jerry Hall y Bryan Adams.

-Led Zeppellin II de Led Zeppellin 1969
Primera aparición del Hard Rock. Segundo en su discografía.
Algunos artistas relacionados a este origen: Aerosmith, Kiss, AC/DC, Bon Jovi, Queen y las bandas de Grunge y Alternativo.
Autodenominados como una banda de Hard Blues, en este segundo disco de Led Zeppellin, Jimmy Page y compañía dieron forma al sonido pesado que los caracterizó a partir de entonces. Mismo sonido que influiría fuertemente al Hard Rock y al Heavy Metal (sin ignorar que un año después, Black Sabbath y luego Deep Purple, fueron sus tempranos exponentes) y posteriormente también influiría al Grunge.

-Black Sabbath de Black Sabbath 1970
Nace discográficamente el Metal. Primero en su discografía.
Algunos artistas relacionados a este origen: Deep Purple, Rush, Scorpions, Judas Priest, Def Leppard, Motorhead, Metallica, Iron Maiden, Motley Crue, Ratt, Poison, Van Halen, Alice Cooper, Anthrax, Megadeth, Venom, Pantera, Sepultura, Rammstein, NIN, White Zombie, Marilin Manson, Linkin Park y Korn.
Black Sabbath es una banda británica, comandada por Ozzy Osbourne y que en sus inicios fuera rechazada por la crítica, mas no por un público adolescente que los llevó a las listas de popularidad. Este primer disco, grabado en dos días y con un presupuesto de 600 libras, fue la primera manifestación de Heavy Metal. Desde aquí ya se mostraba la estética gótica, ocultista y satánica que caracterizaría al Doom Metal en los años venideros, así como las primeras afinaciones de guitarra un tono mas abajo de lo normal, debidas al accidente donde Tony Iommi, guitarrista de la banda, perdiera la punta de los dedos indice y medio. Al buscar menos tensión en las cuerdas, descubrió también el sonido característico y pesado que muchos imitarían. En las siguientes décadas, el Metal se dividiría en numerosos subgéneros como el ya mencionado Doom Metal, ademas del Stoner Metal, la NWOBHM, Black Metal, Metal Progresivo, Thrash Metal, Death Metal, Industrial Metal, Nu Metal y un sin fin de ramificaciones que ni los conocedores se ponen de acuerdo en sus definiciones. Grandes nombres han dado forma a esta importante corriente del Rock.

-Elton John de Elton John 1970
Primer disco que define al Rey del Pop en la década de los años setenta. Segundo en su discografía.
Algunos artistas relacionados a este origen: Billy Joel, Fredy Mercury, David Bowie, Kiki Dee, George Michael, Phil Collins y Rod Steward.
Después de su estilísticamente extraviado Empty Sky, la mancuerna de Elton con Bernie Taupin, dio el primero de muchos éxitos radiofónicos con la canción Your Song. Este fue el comienzo de la carrera del que sería el Rey del Pop durante la década de los años setenta (cuando el Pop era Rock, ya que este término se ha usado indistintamente del estilo musical y según la época). Algunos de sus temas mas exitosos, durante los próximos años fueron Crocodile Rock, Candle In The Wind, Bennie And The Jets, Don’t Let The Sun Go Down On Me y Philadelphia Freedom. Elton John se destacaría por lucir estrafalarios atuendos y de esta manera, ser parte del denominado Glam, junto a Bowie y el grupo Queen. También fue de los primeros artistas que hablaron abiertamente de su homosexualidad.

-Sex Machine de James Brown 1970
Nace discográficamente el Funky. Cuarenta y doceavo en su discografía.
Algunos artistas relacionados a este origen: Earth, Wind and Fire, Cool and The Gang, Stevie Wonder, Tower of Power, KC and The Sunshine Band, David Bowie, Red Hot Chilli Peppers, Prince, Thomas Dolby, Michael Jakson, Chemical Brothers y Peter Gabriel.
Con este disco (uno de los cinco que sacó en 1970) y teniendo como antecedente sus éxitos de los años sesenta, Papa´s Got a Brand New Bag y I got You (I Feel You), James Brown transitaba del Soul y el Rhythm and Blues a un ritmo de su invención, al que denominó Funky (muchos prefieren llamarle Funk). La canción que le da nombre a este dico fue su primer éxito en este estilo. Grandes exponentes de la música de los años setenta llevaron este estilo a territorios sofisticados. Su influencia es tremenda y en los ámbitos mas diversos. Géneros como el Rap o la música Disco, tienen una clara conexión con este ritmo.

-Electronic Meditation de Tangerine Dream 1970
Banda alemana de rock electrónico precursora del Ambient y el New Age. Primero en su discografía.
Algunos artistas relacionados a este origen: Vangelis, Brian Eno, Fresh Air, Andreas Vollenweider, Eloy, DJ´s de Trance y Ambient. El trabajo solista de Klaus Schulze.
Exponente de la escena Kraut Rock de Berlín de esos tiempos y muy influenciados por el movimiento surrealista. También inspiró a bandas alemanas de Rock progresivo como Eloy. Fueron pioneros de la música electrónica experimental, con evidentes influencias de Rock. El sonido electrónico alemán siempre se destacó por su oscura y singular personalidad. El miembro del grupo que ha sido el alma de la agrupación y único integrante desde su fundación hasta nuestros días es Edgar Froese y en este disco participó Klaus Schulze, quién también sería reconocido por sus aportaciones a la música Ambient. La gran mayoría de la música que ha compuesto la banda es instrumental, lo cual era bastante inusual en el Rock de los años setentas. Este trabajo, preparó el terreno para propuestas como las de Vangelis y Brian Eno.

-Talking Book de Stevie Wonder 1972
Renovó y sintetizó todas las corrientes de la música afro-americana. Décimo octavo en su discografía.
Algunos artistas relacionados a este origen: Prince, George Michael, Red Hot Chilli Peppers, Jamiroquai y Michael Jakson.
De este disco destacaron la versión que Wonder hizo de Superstition, conocido Funky y por otra parte, la canción de su autoría, You are the Sunshine of my Life. Comenzaría así, la sucesión de una larga fila de éxitos y Grammys durante los siguientes años. Algunos de los artistas que han hecho versiones de sus temas, son los Red Hot Chilli Peppers o George Michael. Invidente de nacimiento, Stevie Wonder inició su carrera discográfica a los 12 años, con el disco Tribute to Uncle Ray, donde manifestaba su admiración por Ray Charles, siendo el primer niño prodigio de Motown en el año 1962 (el segundo fue Michael Jakson). Pero en la década de los setenta, es cuando se desprende de la forma de pensar y trabajar en dicha compañía y adquiere independencia económica y creativa, para convertirse en un prolífico compositor. Tanto su acercamiento a las nuevas tecnologías en teclados y sintetizadores y su capacidad como multi-instrumentista y para proponer nuevas tonalidades, renovaron al Rhythm and Blues de la época. Además tuvo la capacidad de sintetizar las diferentes corrientes de la música afro-americana, como lo hiciera Prince después.

-Catch a Fire de Bob Marley 1973
El Reggae se internacionaliza discográficamente. Octavo en su discografía.
Algunos artistas relacionados a este origen: Steele Pulse, Peter Tosh, UB 40, Jimmy Cliff, John Lenon, Erick Clapton, The Police y The Clash, las bandas de Punk, la Electrónica y el Trip Hop.
Marley fue la primera súper estrella procedente del tercer mundo, de Jamaica. El Reggae es el resultado de la mezcla de los estilos sesenteros Ska y Rocksteady, pero es es en este disco de Bob Marley, que el Reggae tiene proyección internacional gracias a haber firmado con la disquera Island Records. Su portada resultó y quizás siga resultando, escandalosa, por la fotografía de Bob fumándose un porro de mariguana enorme. Los temas en pro de la legalización de dicha hierba, serían una constante a partir de entonces. Con Bob Marley and The Wailers como punta de lanza, se genero todo un movimiento promotor del Rastafarismo y de temas con contenido político.

-Dark Side of The Moon de Pink Floyd 1973
Marcó un estándar de alta fidelidad jamás escuchado antes. Octavo en su discografía.
Algunos artistas relacionados a este origen: Camel, Allan Parsons, The Squirrels, Radiohead y la carrera solista de Roger Waters.
Este disco marcó varios records. Es uno de los discos mas vendidos de todos los tiempos. Es un disco conceptual del que se desprendió el sencillo Money, que fue numero uno en los Estados Unidos. Marcó también un estándar de alta fidelidad jamás escuchado antes, al ser grabado en 16 canales, que era lo mas avanzado del momento. El ingeniero de grabación fue Allan Parsons, quién ya había trabajado con los Beatles en el Sgt. Peper´s Lonely Heart Club Band. También fue el inicio de la etapa de mayor éxito para esta banda al seguir a este, los discos Wish You Were Here, Animals y The Wall.

-Autobahn de Kraftwerk 1974
Primer disco de Electro Pop. Quinto en su discografía
Algunos artistas relacionados a este origen: EuRhythmics, The Human League, The Art of Noise, Orchestral Manoeuvres in the Dark, Depeche Mode, New Order, Jean Michelle Jarre, Thomas Dolby, UB 40 y la música electrónica de la década de los 90´s.
Con este disco, la banda alemana Kraftwerk da a conocer al mundo el Electro Pop. Es cierto que el trabajo de Walter Carlos (antes de cambiar de sexo y convertirse en Wendy Carlos), del disco Switched-On Bach de 1968, fue el primer antecedente de música hecha solo con sintetizadores, aunque se dio en otros terrenos estilísticos diferentes al Rock. Hasta el momento, los músicos que mas habían experimentado con la nueva tecnología de teclados y sintetizadores, habían sido los ambientales Tangerine Dream y los tecladistas de Rock Progresivo como Keith Emerson (ELP), Tony Banks (Genesis) y Rick Wakeman (Yes). Autobahn de Kraftwerk, es la primera producción de Rock Pop realizada totalmente con instrumentos electrónicos. Incluso la voces son procesadas (generalmente a través del Vocoder). Si bien el éxito llegó después con el disco Trans Europe Express de 1977, fue hasta el año 1981 cuando con la canción Pocket Calculator del disco Computer World, obtuvieron la deseada proyección mundial. Su influencia derivó en el ochentero Tekno Pop y buena parte de la música electrónica de la década de los 90´s (en todas sus variables).

-A Night at the Opera de Queen 1975
Disco que dio pié a su éxito mundial e influencia. Cuarto en su discografía.
Algunos artistas relacionados a este origen: Klaus Nomi, Robie Williams, Foo Fighters y The Darckness.
La virtud de este disco, es la de haber encontrado el perfecto balance en la sobreposición de pistas al momento de grabar. Coros humanos y de guitarras se equilibran en uno de los discos clásicos e innovadores del Rock en su momento. A su vez, dio pié al éxito mundial de la super banda Queen. Mezclaban Heavy Metal con Opera y canciones melódicas, siendo diferente a sus contemporáneos progresivos y metaleros. También lograron variedad y eclectisismo, no visto desde los Beatles. Su líder, Freddie Mercury, una de las mejores voces que haya dado el Rock, murió víctima del SIDA en 1991.

-Save Me de Silver Convention 1975
Nace discográficamente la música Disco y la Era de las discotecas. Primero en su discografía.
Algunos artistas relacionados a este origen: Tavares, Dona Summers, Earth, Wind and Fire, Cool and The Gang, KC and The Sunshine Band, Love and Kisses, Lipps Inc., la Ritchie Family, Rod Stewart, los Rolling Stones y estilos de música bailable como el Hi Energy, el Trance, el House Music, también denominada como música Dance.
A partir de las canciones Fly Robin Fly y Get Up and Boogie de este disco, podemos definir el nacimiento de la música Disco (considerada por sus detractores como la hija bastarda del Funky) siendo la música comercial por excelencia de la década. Antes de Tavares y Dona Summers, los alemanes de Silver Convention sonaron con este ritmo en la radio y marcaron el comienzo de la Era de las discotecas y el punchis punchis. El éxito de la película Fiebre de Sábado en la Noche, fue un detonante en el desarrollo de esta música. Si bien este género contó con la entusiasta participación de bandas anteriores a su surgimiento, como el caso Earth, Wind and Fire, Cool and The Gang o KC and The Sunshine Band, también marcó el comienzo de la Era de la música prefabricada, es decir, música en donde se creaba un nombre y se juntaban músicos de estudio para la realización de discos. Tal fue el caso de marcas como Love and Kisses, Lipps Inc., The Ritchie Family o el mismo Silver Convention. También hubo bandas de Rock que fusionaron la música Disco exitosamente, como fue el caso de Rod Stewart (Da Ya Think I'm Sexy) o los Rolling Stones (Miss You).

-Ramones de The Ramones 1976
Nace discográficamente el Punk. Primero en su discografía.
Algunos artistas relacionados a este origen: The Clash, Sex Pistols, Nina Hagen, Blondie, Talking Heads, The Police, Billy Idol, Nirvana, Smashing Pumpkins, The White Stripes, The Strokes, The Hives, The Offspring, Blink 182 y Green Day.
Se le atribuye a la banda neoyorquina The Ramones, la primera grabación de Punk. Estilo que vino a renovar la escena rockera. Ante la sofisticación y acartonamiento del Rock Progresivo y con la necesidad de volver a un origen mas elemental, el Punk se convirtió rápidamente en la voz de una juventud anárquica y existencialista. Velvet Undergrund, David Bowie, Roxy Music, The Stooges, de donde salió Iggy Pop y las bandas de Rock Garage, fueron reconocidas referencias proto-Punk, término que sirve para englobar a diferentes bandas, la mayoría inclasificables, que se anticiparon y fueron influencia del Punk. Bandas Punk inglesas como The Clash y los Sex Pistols, prepararon el terreno para el New Wave. También influirían al Speed Metal, al Grunge, al esquizofrénico Happy Punk y al resurgimiento del Punk Garage.

-Outlandos d'Amour de The Police 1978
Primer disco de su influyente carrera y uno de los nacimientos discográficos del New Wave.
Algunos artistas relacionados a este origen: A-Ha, Men At Work, Duran Duran, Devo, The Pretenders, The Fixx, The English Beat, The Outfield, R.E.M., Billy Idol y la carrera solista de Sting, Stewart Copeland y Andy Summers.
Desde su primer disco y con la canción Roxane como punta de lanza, The Police encontró la formula comercial que vino a renovar la cara del Rock Pop de esos días. Nacidos de la escena británica Punk y con influencias de Reggae, lograron un sonido propio, que se volvería en un referente para bandas del naciente New Wave (término que engloba a las bandas y estilos musicales surgidas a partir del Punk). En los siguientes años se convertiría en una banda muy popular, disolviéndose en la cúspide de su carrera con su último disco Synchronicity, en el año 1983 y el tema Every Bread You Take. Tanto Stewart Copeland como Andy Summers pero particularmente Sting, han tenido desde entonces como solistas, una larga y propositiva carrera discográfica.

-More Songs About Buildings And Food de Talking Heads 1978
Segundo disco de su discografía y otro de los nacimientos discográficos del New Wave.
Algunos artistas relacionados a este origen: Blondie, The Cars, Midnight Oil, Patti Smith, INXS, The B52´s y la carrera solista de David Byrne.
Dirigida por una de las personalidades mas influyentes en la música popular de finales del siglo XX, David Byrne, ésta banda generó su primer tema en las listas de popularidad con la canción Psycho Killer. Talking Heads, fue la cara del New Wave surgido de la escena Punk de Nueva York. En una primera etapa colaboraron con Brian Eno, Adrian Belew y Robert Fripp, mostrando en su sonido grandes influencias de la música bailable de origen afro-americano. En el año 1983, lograron mucha atención con el tema Burning Down the House, del disco Speaking in Tongues y su primer #1 en las listas de popularidad fue paradójicamente en el año 1992, con Sax and Violins del disco compilatorio Sand in the Vaseline, dos años después de su separación.

-Rapper´s Delight de Sugarhill Gang 1980
Nace discográficamente el Rap. Primero en su discografía.
Algunos artistas relacionados a este origen: Toda la cultura Hip Hop y rockeros como Blondie, Aerosmith, Red Hot Chilli Peppers, Faith No More, Beastie Boys y las bandas de Nu Metal.
Esta fue la primera producción discográfica de un Rap, resultado del previo éxito radiofónico del tema Rapper´s Delight. Con una duración de 14 minutos, el tema que da nombre a este disco consta de aproximadamente tres mil palabras. El acompañamiento musical es una parte de la canción Good Times del grupo Chic, pero dado que no se usaban todavía los samplers, fueron regrabados en estudio. El bajo fue tocado por Doug Wimbish, antes de ser parte del grupo metalero Living Colour. El Rap, considerado por esos días como una moda pasajera, se convertiría en una de las influencias mas contundentes de las siguientes décadas. Como parte de la cultura Hip Hop, llega hasta nuestros días con mas fuerza que nunca y ha permeado notoriamente al Rock.

-Boys Don't Cry de The Cure 1980
Primer disco de su influyente carrera y uno de los nacimientos discográficos del Dark como parte del New Wave.
Algunos artistas relacionados a este origen: Bauhaus, Joy Division, Dead Can Dance, Depeche Mode y Siouxie and the Banshees.
Este disco es la versión americana del Three Imaginary Boys, primer disco de la banda en Inglaterra, con algunos cambios y la inclusión del tema que da nombre a esta producción, que fue su primer éxito. The Cure es una banda que surgió del movimiento Punk inglés, logrando un sonido propio y muy influyente en el movimiento Dark. Comandado por Robert Smith, The Cure representó junto a otras bandas, esta corriente oscura, triste y gótica del New Wave y el post-Punk. Los seguidores del Dark o Darketos, visten de negro y cultivan la estética gótica. The Cure logró gran reconocimiento a partir del disco Pornography de 1984, para ser una de las bandas de culto de los años ochentas.

-Boy de U2 1980
Con este disco comenzó la carrera de la banda de Rock mas popular en la actualidad. Primero en su discografía.
Algunos artistas relacionados a este origen: Simple Minds, Pet Shop Boys y Coldplay,
Comandados siempre por su cantante Bono, U2 era una banda del movimiento New Wave proveniente de Irlanda. Tenían un sonido muy característico a partir de las guitarras rítmicas y con delays de su ejecutante, The Edge. Su primer éxito llegaría en el tercer disco de su discografía, War, con la canción Sunday Bloody Sunday. Desde el disco The Unforgettable Fire, comenzó una de las colaboraciones artísticas mas importantes de la historia del Rock, cuando Brian Eno y Daniel Lanois se volvieron los productores de los mejores discos de la banda. Entre estos estaba un disco determinante, The Joshua Tree de 1987, donde las influencias de las bases rockeras, el blues, el soul, el country y el folk, se hicieron patentes en su trabajo. A partir de ese momento y con un sonido propio, comenzaron a experimentar e innovar. Como ejemplo de esto están los discos Achtung Baby, Zooropa y Pop. Ya entrado el siglo XXI, han vuelto aun sonido convencional basado en la guitarra y que no ha mermado en su creciente éxito.

-My Life In The Bush Of Ghosts de Brian Eno y David Byrne 1981
La deconstrucción sonora como forma de hacer música. Primero y único en su discografía.
Algunos artistas relacionados a este origen: Beck, la música hecha por DJ´s, a las bandas de Hip Hop, Trip Hop y Big Beat. La carrera como productor de Brian Eno.
Estos dos personajes hicieron, al cerrarse el ciclo de trabajo de Eno con los Talking Heads, este disco experimental que quizás es desconocido para muchos, pero que marcó de una forma rudimentaria y contundente, la lógica con la que los músicos compondrían desde entonces. La descontextualización y reciclamiento de grabaciones (exorcistas en acción o cantantes libanesas) sobre bases rítmicas, fueron realizadas en aquel entonces con la tecnología analógica, pero se anticiparon al uso de los samplers digitales utilizados en muchos de los géneros posteriores. Este disco fue precursor de la deconstrucción sonora y muy revelador en cuanto a nuevos métodos de composición y producción.

-Thriller de Michael Jakson 1982
Disco que define al Rey del Pop en la década de los años ochenta. Segundo en su discografía como solista.
Algunos artistas relacionados a este origen: Madonna (Like a Virgin), Whitney Houston, Janet Jackson, New Kids on the Block, Backstreet Boys, NSYNC, Mariah Carey, Toni Braxton, Jennifer Lopez, Christina Aguilera, Britney Spears y Pink.
Es el disco cumbre en la carrera del denominado Rey del Pop de los años ochenta, el hermano menor de los Jakson 5. La canción que da nombre a este álbum, fue el primer gran éxito del naciente canal de vídeos Mtv, con su cortometraje de 13 minutos de duración. Con la producción del prestigioso jazzista Quincy Jones y el solo de guitarra de Eddie Van Hallen en la canción Beat it, es considerado uno de los discos mas vendidos de la historia. La canción Billie Jean influyó el arreglo de muchos temas del momento, como Like a Virgin de Madona o Hang On To Your Love de Sade, entre otras. Es en los años ochenta cuando el Rhyhtm and Blues cambia de denominación a R&B y se vuelve en la nueva musica Pop.

-Avalon de Roxi Music 1982
Nace discográficamente el New Romantic como parte del New Wave. Octavo en su discografía.
Algunos artistas relacionados a este origen: Spandau Ballet, ABC, el primer Duran Duran, Ultravox y el trabajo solista de Bryan Ferry.
Este, es el último disco de una banda que transitó desde el Proto-Punk de principios de los años 70´s, al sonido sofisticado logrado en esta producción. Avalon influyó al New Romantic. Roxi Music fue la cuna musical del tecladista y productor Brian Eno, aunque éste abandonó la banda a mediados de los años setenta. Lidereada por el cantante Bryan Ferry, Roxy Music tuvo como éxito, Love is The Drug en el año 1975, aunque con Avalon lograron su mayor proyección comercial con More Than This. Dato curioso fue cuando censuraron la portada de su disco Country Life en Estados Unidos, en 1974, por considerarlo impúdico.

-Madonna de Madonna 1983
Primer disco de la Reina del Pop en las dos décadas siguientes. Primero en su discografía.
Algunos artistas relacionados a este origen: Britney Spears, Cristina Aguilera y Pink.
Con la mezcla de Rock Pop y Dace presente en los temas Lucky Star, Holiday y Borderline, comenzó el reinado de la que ha sido la mujer mas exitosa en la música popular de los últimos veinte años. Fue hasta su segundo disco, Like a Virgin de 1984 y contando con el apoyo de la cadena de vídeos Mtv, que su carrera comercial se disparó y desde entonces Madonna, a partir de su propia reinvención, ha impuesto el rumbo de la moda y las tendencias en la música Pop.

-Purple Rain de Prince and The Revolution 1984
Disco que define a Prince, como uno de los músicos mas influyentes de los ochenta y noventa. Sexto disco.
Algunos artistas relacionados a este origen: Madonna, Sinead O´Connor, Shelia E., Patti LaBelle, Chaka Khan y The Bangels.
Este disco fue un fenómeno de ventas y se mantuvo por muchas semanas en las listas de popularidad. Podríamos decir que Prince es un heredero de Stevie Wonder en cuanto a su capacidad de sintetizar todas las corrientes de la música afro-americana. Pero el tiempo le dio a Prince nuevas herramientas, como el New Wave, la Psicodelia y el sentido sexual (la androgínia del Glam) de su imagen y música. Adicto al trabajo, controló todos los pasos de la producción de sus discos y compuso para muchos artistas, entre ellos Madonna y Sinead O´Connor. La idea de hacerse acompañar por The Revolution a partir de este disco, era rodearse de un séquito de músicos sobre los que tenía una fuerte influencia. Tuvo colaboraciones como compositor y productor de Shelia E., Patti LaBelle, Chaka Khan y The Bangels.

-How Will the Wolf Survive? de Los Lobos 1984
Primer disco de artistas rockeros que retoman e interpretan géneros distintos al Rock y los integran a su repertorio. Segundo de su discografía.
Algunos artistas relacionados a este origen: David Byrne (Rei Momo) y Ry Cooder (Buena Vista Social Club), asi como su proyecto alternativo los Latin Playboys.
En este disco vemos a una banda de Rock que junta influencias que van desde el Blues y el Country, hasta la música que aprendieron de sus padres mexicanos. El Corrido #1 es una mexicanísima Polka norteña, interpretada en inglés por unos rockeros. Los Lobos son una banda del este de Los Angeles, que después sería muy conocida por su versión de La Bamba, para la película norteamericana del mismo nombre y donde al final del Rock and Roll que hiciera famoso Richie Valens, añaden un Son Veracruzano.

-Graceland de Paul Simon 1986
Uno de los nacimientos discográficos del World Music. Noveno en su discografía como solista.
Algunos artistas relacionados a este origen: Angelique Quidjo, Zap Mama, Johnny Cleeg, el trabajo de los ex Led Zepellin, Jimmy Page y Robert Plant en su trabajo No Quarter así como la música Electrónica que usa elementos de música brasileña, celta, árabe y africana.
En un resurgimiento en la carrera de Paul Simon, ahora como solista proveniente del dueto Simon and Garfunkel, aparece este disco en donde lo acompañan músicos sudafricanos. Si bien las referencias a la música del resto del mundo existieron en el Rock desde antes (como ejemplo esta la canción Pride de Robert Palmer en 1980), desde este momento se marcarían claramente las nuevas tendencias con la inclusión de arreglos de origen étnico.
Ese mismo año, salió otro disco fundamental en la comprensión de esta nueva influencia:

-So de Peter Gabriel 1986
Otro de los nacimientos discográficos del World Music. Séptimo en su discografía como solista.
Algunos artistas relacionados a este origen: Sinead O´Connor, Kate Bush, Paula Cole, Stewart Copeland y por parte del World Music, Youssou N'Dour, Nusrat Fateh Ali Khan, Afro Celt Sound System, Papa Wemba, Sheila Chandra y Spaccanapoli.
Mientras tanto, Gabriel hacía lo propio con músicos africanos e hindúes. Muchos escucharíamos por primera ves a Youssou N'Dour, compartiendo créditos con Kate Bush o Laurie Anderson. Real World es el nombre de la influyente compañía disquera que Peter Gabriel crearía durante la década, para mostrar e incluir a la cultura pop anglosajona, la música del mundo y así dar paso al término World Music. Como alguien que también recorrió ese camino pocos años después está David Byrne y su disquera Luaka Bop. Con esta producción Peter Gabriel lograría reconocimiento masivo, el cual no había obtenido como solista, desde su salida del grupo Genesis a mediados de los años setenta.

-Putas Fever de Mano Negra 1989
Desde Francia para el mundo, aparece el Rock multicultural. Segundo en su discografía.
Algunos artistas relacionados a este origen: bandas de World Rock europeas, latinoamericanas y la carrera solista de Manu Chao.
Desde Francia se dio a conocer al mundo esta banda comandada por el franco-español Manú Chao. Es la primera banda que enarbola la bandera de la multicultura. Conformada por músicos franceses, árabes, españoles y cantando en sus idiomas de origen mas el inglés, se autodefinieron desde el principio como una banda antifacista. Putas Fever es el segundo disco de la discografía de Mano Negra, pero el primero que tuvo una fuerte proyección internacional. La banda se caracterizó por hacer giras en los lugares mas recónditos del mundo.

-Mothers Milk de Red Hot Chilli Peppers 1989
Comienza a utilizarse el termino Rock Alternativo y la Era de las fusiones hasta entonces inusuales. Cuarto en su discografía.
Algunos artistas relacionados a este origen: Jane´s Adiction, Faith No More, Living Colour, Rage Against The Machine y Primus.
Este disco, el cuarto en su discografía, marca el renacimiento de RHCP ya que la banda estuvo a punto de desaparecer tras la muerte de Slovak, quien fuera su guitarrista. Pero por otra parte, también vemos el comienzo de una tendencia muy acentuada durante la siguiente década: la fusión de géneros y corrientes que en el pasado eran irreconciliables o de orígenes opuestos. El Rap y el Funky conviven por primera vez en forma descarada y equilibrada, en el Hard Rock, Punk y la Psicodelia. Es así como, desde la escena subterranea de Los Angeles a principios de los años ochenta, esta banda integrada por Anthony Kields, John Frusciante, Chad Smith y el carismático Flea, fueron cocinando el sonido que reventaría finalmente en este disco. Mothers Milk, antecede al trabajo mas notorio de RHCP, el explosivo Blood Sugar Sex Magik y un clásico de los años noventa. En Mothers Milk destaca la versión (mezcla de Motown con Punk) de Higher Ground de Stevie Wonder.

-World Clique de Deee-Lite 1990
Incursión de la nueva música electrónica en del Rock. Primero en su discografía.
Algunos artistas relacionados a este origen: Bjork, Zuco 103, Baxter y agrupaciones de Trip Hop, Nu-Jazz y Big Beat.
Agrupación de la escena Dance de Nueva York, conformada por dos DJ´s y una cantante (esquema que se repite en la actualidad en grupos como Zuco 103 o Baxter). La composición está basada en Loops (repetición de uno o varios compases de ritmos, casi siempre obtenidos de acetatos), secuencias (programaciones de sintetizadores disparadas por computadora vía MIDI) y Sampleos (muestras sonoras digitalizadas y disparadas por computadora), sobre los cuales cantaba la sensual Miss Kier. Su música era una mezcla de ritmos denominados Breakbeat, de origen Funky, con House Music y Psicodelia. En la década de los ochentas, los DJ´s dejan de de pinchar discos en discotecas y fiestas como su actividad principal, para hacer y producir su propia música e incluso formar bandas, como es el caso de Deee-Lite. La canción que destaca de este material es Groove is in the Heart.

-Apocalypse 91: The Enemy Strikes Black de Public Enemy 1991
Aquí se sembró la semilla de lo que luego se denominaría Nu Metal. Cuarto en su discografía.
Algunos artistas relacionados a este origen: Korn, Limp Bizkit y Linkin Park.
Public Enemy crea el sonido que después desarrollarían otros grupos al mezclar su combativo Rap con el Metal mas pesado conocido. Logran esto en la canción Bring The Noise, que interpretan con el grupo de Thrash Metal, Anthrax. Lo curioso de esta propuesta, es que se originó desde la cultura Hip Hop de Nueva York y no del Metal.

-Nevermind de Nirvana 1991
Nace discográficamente el Grunge. Segundo en su discografía.
Algunos artistas relacionados a este origen: Pearl Jam, Soundgarden, Smashing Pumkings, Radiohead, Stone Temple Pilots y Alice in Chains.
Con composiciones dominadas por los tonos menores e influenciados por el Hard Rock y el Punk de los años setenta, Curt Cobain y compañía se convirtieron en la voz de la denominada Generación X, para dar nacimiento al Grunge, estilo que dominaría buena parte de la década noventera. Esta banda de Seattle, junto a otras bandas del género, defendieron la esencia tradicional del Hard Rock frente a la fuerte incursión del Hip Hop y la música Electrónica en el gusto de los jóvenes.

-Blue Lines de Massive Attack 1992
Nace discográficamente el Trip Hop. Primero en su discografía.
Algunos artistas relacionados a este origen: Morcheeva, Portishead, Neneh Cherry, Triky y Lamb, Zero 7.
Con la nueva lógica que dio la composición en computadora y mezclando Soul, Reggae, Hip Hop y Psicodelia, este disco marcaría el nacimiento de un estilo de ritmos pausados que posteriormente se definió como Trip Hop. Una serie de agrupaciones de Bristol, Inglaterra, son los que representan junto a Massive Attack, este estilo caracterizado por la mezcla de la música Electrónica con ejecuciones humanas.

-The Brand New Heavies de Brand New Heavies 1992
Nace discográficamente el Acid Jazz. Primero en su discografía.
Algunos artistas relacionados a este origen: Jamiroquai, Fun Lovin´Criminals, Arrested Development, Us3 y Medeski, Martin and Wood.
Fue una de las primeras producciones de la compañía independiente inglesa Acid Jazz, la cual sentó las bases para el estilo del mismo nombre. El Acid Jazz tuvo bastante aceptación en la década de los años noventa. La idea era mezclar los diferentes estilos de la música afroamericana, particularmente el Soul, el Funky, el Hip Hop y el Jazz, con elementos de música electrónica, para hacer un tipo de música bailable y fina. Los Brand New Heavies lograron gran proyección mediatica con el tema Sometimes del disco Shelter en 1997.

-Doo-Bop de Miles Davis 1992
Nace discográficamente el Nu-Jazz. Cincuenta y seisavo y último en su discografía.
Algunos artistas relacionados a este origen: St. Germain y Jazzanova
Con este disco póstumo y sumamente criticado por sus seguidores ortodoxos, Miles se acerca al Hip Hop, a los loops y los samplers, anticipándose a lo que algunos definen como Nu-Jazz, genero hermano del Acid Jazz, con la diferencia de que la base para las improvisaciones jazzísticas es la música electrónica.

-Debut de Bjork 1993
Una de las mayores influencias de los actuales tiempos. Primero en su discografía como solista.
Algunos artistas relacionados a este origen: Brodsky Quartet, Outcast, Deodato, Thom Yorke, Triky y Madonna.
Esta mujer islandesa vino a refrescar la escena musical. Tras su participación en el grupo Sugarcubes, con este primer disco solista, Bjork nos presenta un disco intimo y con una gran influencia del Dance, pero con la característica de ser una música que es mas para escuchar que para bailar. Encontramos la mezcla de sonidos electrónicos con instrumentos poco comunes en la música actual, como son el arpa, la flauta o arreglos de saxofón y cuerdas como único acompañamiento. Su experimental música es difícilmente clasificable, pero se mueve en las fronteras de la Electrónica, el Pop, el Folk y el Rock.

-Experience de Prodigy 1993
Nace discográficamente el Drum N Bass. Primero en su discografía.
Algunos artistas relacionados a este origen: Everything But The Girl, Zuco 103, Baxter, Moby, Fatboy Slim, Chemical Brothers, y David Bowie.
Surgida de la escena electrónica subterránea inglesa e influenciada por nuevos ritmos creados por DJ´s para los Raves, esta banda muestra al mundo rockero, el electrónico Drum N Bass, mezclado con actitudes Punk y ejecuciones humanas. Basado en Breakbeats acelerados, este estilo influiría a artistas diversos, aunque para entonces, los seguidores puristas de este ritmo considerarían como decadencia dichas influencias. De este primer disco, mas no el mas famoso de la banda, se desprende el tema Charly, que fue un éxito en los Raves clandestinos de esa época. El éxito comercial llegaría con el disco The Fat of the Land en 1997.

-Mellow Gold de Beck 1994
La música que mejor representa la esquizofrenia de la época. Primero en su discografía.
Algunos artistas relacionados a este origen: Todo lo que suene a pastiche y colage, los Chefs que hacen ensaladas o los chicanos que adornan sus autos.
Decidido a mezclarlo todo, el muchacho que trabajaba en un local de renta de vídeos, tomó del Bluegrass, el Rap, el Funky, el Blues, el Country y la Electrónica, todos lo elementos que necesitaba para realizar su deconstrucción sonora. Incluyendo palabras en español en honor a sus amigos mexicanos, en la canción Loser, la mas conocida de esta producción, se puede escuchar en el coro la frase Soy un perdedor, I´m a loser baby. So why don´t you kill me. Su despegue comercial se daría con el disco Odaley (pronúnciese Orale) en el año 1996.

-You've Come a Long Way, Baby de Fatboy Slim 1996
Nace discográficamente el Big Beat. Primero en su discografía.
Algunos artistas relacionados a este origen: Chemical Brothers, Movy y The Propellerheads.
Este disco marca un estilo electrónico basado en ritmos Breakbeat y Drum N Bass, mezclados con House, Hip Hop e interpretaciones instrumentales y vocales humanas, que vinieron a darle riqueza a la música bailable. Entre otras cosas, este género se caracteriza por la estrecha colaboración de DJ´s con músicos convencionales y sus remixes.

-Ok Computer de Radiohead 1997
Obra Maestra de la banda mas propositiva del Rock Alternativo. Tercero en su discografía.
Algunos artistas relacionados a este origen: Coldplay, Bush, Blur y Travis.
Al final de la década de los años ochenta y con los movimientos Grunge y Brit Pop (nostalgia por el rock ingles de los años sesenta), surgieron bandas que al desarrollar sonidos propios se les denominó como bandas de Rock Alternativo. De ahí Radiohead (nombre sacado de una canción de Talking Heads) y en particular su tercer disco, Ok Computer, son una muestra de que el rock podía seguir siendo propositivo, en una época en donde la vanguardia parece haber sido tomada por la escena electrónica. Es un disco de melodías melancólicas producidas por la voz de Thom Yorke, referentes a la alienación del mundo contemporáneo y acompañadas por una mezcla experimental de Rock Progresivo, Electrónica y Hard Rock y Punk. Grupos como Coldplay, no pueden negar la influencia melódica de Radiohead.

Y ahí me paro. La cercanía en tiempo, hace difícil saber la importancia o lo innovador que ha sido el trabajo de bandas mas recientes como The Strokes, Ladytron, Franz Ferdinand o The White Stripes. Por el momento la lógica del reciclaje y la nostalgia me hace cuestionarme en que tanto el Rock es ya un Folklore.
Les debo para una próxima entrega, lo que ha sucedido a nivel discográfico en México.

LAS MEJORES Y LAS PEORES PORTADAS DE DISCOS

2006-09-24T15:22:00.000-05:00

Por Rafael González/Publicada por La Revista 080

Muchos recordamos con cierta nostalgia las portadas de los discos de vinil, dado que por su formato, permitía que los diseños gráficos se pudiesen disfrutar, si no mejor, si en forma distinta a los de los actuales y más pequeños CD´s. Podríamos hablar de una época de oro del diseño de portadas. El rock ingles, sobre todo el de los años 70´s, aportó imágenes que ahora podríamos considerar clásicas. Muchas de ellas, fueron diseñadas por la compañía de diseño Hipgnosis y de ahi Storm Thorgerson, fue quién destacó y continuó su exelente trabajo en el diseño de portadas hasta nuestros días, con grupos como Mars Volta y Muse. En www.stormthorgerson.com/

podemos apreciar varias imágenes que ya son parte de la cultura visual contemporanea. Quién no ha visto la portada de Pink Floyd, en la cual un hombre estrecha la mano de otro envuelto en llamas en el disco Wish you are here, o para no ir muy lejos, quién no ubica a este grupo con las cuatro chimeneas de fábrica por las cuales ronda un cerdo volador en el disco Animals. En esta página, verdaderamente disfrutable, encontraremos también portadas de Peter Gabriel, Led Zeppelin, Alan Parsons, Styx, 10 cc, The Scorpions, Mike Oldfield y muchos otros.
No podemos dejar de lado a otros dos diseñadores que generaron conceptos que fueron mas alla de las imagenes para portadas, abarcando areas como la arquitectura o el diseño industrial. Uno de ellos es Roger Dean www.rogerdean.com/

conocido por haber creado la imagen del grupo Yes. Son memorables sus paisajes imposibles y a la vez, orgánicos y vivos, como de otro planeta. Siempre me gustó la imagen del disco Tales From Topografic Oceans, con su pirámide maya al fondo y que encontrarás junto a otras visiones, en la sección de Up Close.

También esta el caso del artista suizo H.R. Giger www.hrgiger.com/

y su mundo de necrofilia y futurismo. Perfectamente recordado por la portada que diseñó para el disco Brian Salad Surgery de Emerson, Lake and Palmer. El también ha sido responsable de la creación del mounstruo de la película Alien y el diseño de la base del micrófono de Jonathan Davis del grupo Korhn, entre otras de sus macabras gracias.

En México, existen varios diseñadores gráficos que han incursionado en el diseño de portadas para discos. Sobre todo, ya en la era del CD, escuchamos nombres como Christian Michel, Claudia Sanchez o el grupo de diseñadores comandados por El Cha del grupo Fobia llamado Hula Hula hulahula.com.mx/

Alguien curioso y del cual su trabajo no solo se limita a darle imagen a la música, es Acamonchi www.acamonchi-art.com/

diseñador bajacaliforniano ligado al mivimento Nortec y del cual seguramente ya has visto sus stenciles de la cara de Raul Velazco con la leyenda, Tonto, que hay pintadas por toda la ciudad.

Pero asi como podemos hablar de magníficos diseños, podemos visitar también, como contrapeso y complemento, una página dedicada a las peores portadas de la historia www.zonicweb.net/badalbmcvrs/index.htm

en donde más de una portada mexicana podría ser parte de este museo en forma por demás destacada. Un ejemplo de la que no encontré imagen en internet es la portada (y sobre todo la contraportada) de En el Camino de La Banda Bostik, donde salen como dios los trajo al mundo, nada más tapados por un sombrero mexicano, de esos que les venden a los turistas.

CRÓNICAS ORIENTALES

2006-09-24T12:08:00.000-05:00

Por el Sr. González/Publicado en La Mosca #101 y 102.

Por una de esas oportunidades que se presentan muy pocas veces en la vida, pude viajar al otro lado del mundo. Fui a Tokyo, Singapour, Bangkok, Hong Kong, Beijing, Xian y Shanghai. Desde el principio, no quise perderme nada de la realidad asiática, tan distinta a la nuestra y a la vez tan conocida por sus películas, programas televisivos, dibujos animados y documentales. Como parte de este proceso de absorción me interesaba, entre otras cosas, conocer la situación de la música en los lugares que visité. Como primera impresión, me encontré con una situación general desconcertante.
La ya vieja y conocida facinación de oriente por occidente, facilita la capacidad invasiva del Pop anglosajón en el mundo entero. Encontré jovenes sedientos de occidentalidad y bastante manipulados por la mercadotecnia. Como lugar común en todos estos sitios, con realidades diferentes entre sí, encontré que el Pop actual, ese que ahora tiene forma de R&B y Soul meloso, tiene acaparado el gusto de muchos jovenes asiáticos. Pero vayamos por partes.
Primera escala, Tokyo.
Sin duda en Japón, fue donde encontré más dinamismo en el panorama musical. Ahi, su acercamiento a la música de America y Europa, abarca varios estilos y no dejan de darle un sello de originalidad que los salva de la mera copia. Originalidad que se mueve entre lo naive y lo esquizofrénico. En Japón, la barrera entre oriente y occidente se presenta confusa. Es tanta la influencia de este país en el mundo, que muchas cosas de allá, me resultaban realmente familiares. Los aparatos eléctricos de alta tecnología, los instrumentos musicales, los autos o los dibujos Manga, están totalmente integrados a occidente. En México hemos crecido viendo programas japoneses. Desde La Señorita Cometa y Meteoro, hasta Pokemon y Code Lyoko. Nos hemos espantado con las películas Ringu 1 y 2, o alucinado con el Sueño de Chihiro. Y occidente también tiene facinacion por Japón. Basta con ver a Tarantino y su Kill Bill (donde salen las 5,6,7,8´s, tres japonesas tocando rock/roll) o a Sofia Copola y su Lost in Traslation.
Ya ahi, encontré que entre los jovenes japoneses abundan los cortes de pelo teñidos de castaño-casi-rubios y está de moda vestirse de negro con zapatos puntiagudos. Se ven muchos grupos de mujeres solas, obsesivamente atraidas por las marcas de ropa y perfumes europeos. Y paradógicamente se respira en ellas aires de independencia y emancipación.

Tenía algunos antecedentes de lo que llaman J-Pop o J-Rock, de los cuales entiendo que, con solo el mercado local venden millones de discos. Sabía de generos creados por ellos como el Ji-Roku y el ochentero Visual-Ke. Escuche en antros y tiendas de Tokyo, algo de Hip Hop en japonés con algunas frases incidentales en inglés, como M-Flo y compré el disco de Hanaboy, que me pareció una mezcla de rock setentero con Julieta Venegas (quién por cierto tiene su video tokyano). También me hablaron de verdaderas leyendas del metal desaparecidas, como X-Japan. Cuando busqué otro tipo de referencias, recordé a la rumbera Orquesta de la Luz, la creadora del arroz con salsa. No me dieron mucha información, aunque parece que sus integrantes siguen trabajando por separado. En la televisión hallé Mtv Japan, poniendo la ya consabida programacion internacional combinada con los poperos-rokeros de Japón. Para la música en este país, es más importante su difusión en televisión que en la radio, ya que esta es más bien aburrida y sosa.

Dejé Tokyo y la segunda escala fue Singapore, país-isla en la punta de Malasia.
Un lugar sospechosamente impecable, paraiso de yupies y con un jardin botánico maravilloso lleno de orquideas. En este lugar todo es tan nuevo, que hablar de una historia o tradición local es dificil. Más bien, uno llega a encontrar de rebote, la cultura de los emigrantes. El idioma oficial es el inglés, aunque cada quién habla el idioma de su procedencia. Lo que más hay son chinos, seguidos por indios.
Caminando por un mercado en el barrio indio de Singapore, vi varios puestos de venta de CD´s con musica popular y electrónica india, que gozan de muy buena fama en el mundo entero. En una cartelera de espectáculos vi que A.R. Ramahan se presentaba por esos días, compitiendo con eventos como Stomp y el Cirque du Soleil. En hoteles y bares abundaban espectáculos eclécticos de jazziztas australianos con percusionistas afrocubanos y cosas así. En la televisión no podía faltar Mtv Asia, con una programación dirigida a los jovenes de Indochina en general. Por eso seguí viendo dicho canal en la siguente escala de mi viaje, Bangkok.
Llegué al país que hace algunas décadas era llamado Siam. La capital de la actual Tailandia, transpira erotismo. Ahi, vi las mujeres más bonitas del trayecto asiático. Suelen saludarte siempre con las manos juntas, como si estuviesen rezando y haciendo una carabana. Con un idioma y alfabeto propio, además de muchos templos budistas, una caótica ciudad llena de motociclistas, una comida deliciosa, exóticos paseos turísticos en elefante y masajes de piés, en este reino son fanáticos de su propia versión del deporte pugilista, el Thai Box. Está prohibido hablar de las películas basadas en El Rey de Siam, por respeto a la familia real y hay fotos de los reyes por todas partes, pero de cuando eran jovenes.

En su música, la situación no cambia mucho con respecto a la inclinación de los jovenes hacia el Pop. Pero pude escuchar música tradicional. Sus instrumentos, son parecidos a los que después vi en China. Me llamó la atención una especie de marimba que llaman Ranat Ek. También un instrumento de cuerda llamado Ja-Kae y otro de platos metálicos, llamado Khong-Wong-Yai. Lo que escuché, me pareció casi siempre improvisado sobre la escala pentatónica, aunque algunas veces, esa impresión cambiaba al ver que hacían algunos obligados, es decir, cuando todos los músicos hacen la misma melodía. Era muy relajante.
Seguía decepcionado por no encontrar algo contemporaneo original, cuando paseando por un centro comercial gigantesco, escuché entre el la gente, música viva. Eran unos jóvenes tocando algo más moderno. Uno de los músicos tocaba un Ja-Kae eléctrico y también había batería y bajo. Seguían tocando en la escala pentatónica pero con una base rítmica parecida a la Cumbia, con un aire bastante pachecón. Compré dos de sus discos, pero ahora me siento frustrado porque todo viene en Thai y no se ni escribir, ni pronunciar el nombre de la banda.
Siguente escala: Hong Kong.
Dos sistemas, un país. Con esta idea se maneja la nueva situación de este territorio que perteneció a los ingleses y que ahora es de China. Esta ciudad moderna y cosmopolita, es la que mejor representa el cruce de caminos entre oriente y occidente. La tierra de Bruce Lee y Yakie Chan. De las películas de Kung Fu. Me dio la impresión de que la ciudad es un gran Mall. De hecho, aqui los centros comerciales están conectados entre si.
Ingresé a una tienda de discos repleta de Pop chino, coreano y japonés. Un lugareño me recomendó a las 12 Girls Band, que resultó ser un grupo de World Music-New Age. Como su nombre lo indica, son doce mujeres tocando instrumentos chinos, con fondo de batería y orquestal, en temas que van desde obras regionales, hasta El Condor Pasa. Me resultó agradable, pero he disfrutado más los VCD´s que compré de películas de Jakie Chan, casi regalados. ¡Ah! y no pude evitar Mtv Hong Kong.
Me despedí de esta ciudad y después de una visita relámpago al estilo 007 por Macao, puerto portugués en los mares del sur de China, retomé la vía hacia Beijing, siguente escala.
Llegué al pais de los hijos únicos, hacia donde apuntan todos los caminos, el que recibirá las próximas olimpiadas pronto, el que se aleja cada vez más del comunismo ferreo que lo caracterizó. Una joven me decía, Mao fue muy bueno para China porque nos trajo justicia y unidad, pero era muy malo en la economía, por eso nuestros nuevos líderes han cambiado a un sistema burgués. Curiosa explicación. También, cuando pregunté por lo sucedido en Tian An Men, la respuesta fue que los estudiantes agredieron al ejército. Versión inaceptable en cualquier parte del mundo, pero que muestra la posición oficial ante el hecho y como todos la aceptan por convencimiento o para evitarse problemas. Preferí no ponerme mi playera de DJ Guevara poniendo discos de Mao, por si las dudas.

Si hay un lugar donde manejan de espanto, ese es China. Peatones contra carros, carros contra vicicletas, vicicletas contra camiones y todos contra todos. Para nosotros, manejar ahi resultaría suicida.
Tengo un disco que me trajeron hace tres años, de un rockero llamado Yao Gun. Pregunté a unos jovenes que pensaban del rock chino, a lo que respondieron que era muy malo y que lo cantaban como ópera, apreciación en la que coincido. También me tocó conocer a una chica que desbordaba fanatismo por su grupo favorito, los Back Street Boys (Mao retorciendose en su tumba). En el radio y en el canal de videos Channel [V], abundan los prefabricados locales, asi como en Mtv China.
Fue en las calles de Beijing, donde oi música verdadera. Tanto en un tunel subterraneo, como a la salida del Templo del Cielo, gente común cantaba y tocaba instrumentos tradicionales como el Erhu, que es muy parecido al violín, de sonido a veces melancólico y otras, alegre. Siempre en escalas pentatónicas, tan representativas de su música. Tuve la fortuna de que me regalaran varios discos de este instrumento y también de música de concierto, interpretada por la Orquesta Filarmónica Central. Sin embargo, también pude darme cuenta del desprecio de la mayoría de los jovenes hacia estas músicas. Otros instrumentos que me llamaron la atención son el Liu Chin, que es la versión china del Laud y está el Cu-Cheng que es como un arpa horizontal o salterio. A los tambores se les llama Ku.

De Beijing, me fui a Xian. La ciudad de los guerreros de terracota y capital amurallada de China durante muchas dinastías. Aquí pude escuchar la orquesta clásica que acompaña el espectáculo denominado The Tang Dynasty, que me recordó algunas escenas de la película La Casa de los Cuchillos. Me encanta que las mujeres tienen una participación nutrida como ejecutantes en las orquestas, es decir, que hay muchas mujeres músicas. Eso es algo difícil de ver por acá.
Ya cuando llegué a Shanghai, me encontraba agotado y no averigué mucho más en lo que a música respecta. Pero me pareció que no variaba mucho con relación a lo que aprecié en las otras ciudades de China. Es la ciudad más moderna de este país, con el tren mas rapido del mundo y una muy intrigante y notoria predilección por el color azul rey. La vi, como la meca de las copias, en la cual puedes encontrar prácticamente todas las marcas trasnacionales de relojes, ropa, bolsos, palos de golf, juegos de video y juguetes, pero copiadas, o sea, piratas. Su torre, La Perla de Oriente, es espectacular.

El plazo se cumplió, llegó el final del viaje y tuve que regresar, afortunadamente, cargado de bastantes experiencias y recuerdos. Me hubiese gustado encontrarme sorprendido por más musica nueva y original. Confirmé que la musica popular tradicional es lo que salva las identidades regionales. En general, las versiones japonesas, tailandesas o chinas de grupos con caras bonitas, cantando y vailando en estilos tan ajenos a ellos, me resultó entre curioso y chocante. Confirmé la idea que tenemos de ellos, que son paises en los que conviven la tradición y la modernidad. Musicalmente hablando, hay un espacio vacio en cuanto a una expresion contemporanea original, por no decir que es prácticamente inexistente y en terminos generales, lo que representa la actualidad de estos lugares es el folklore o la imitación del exterior.
Por su puesto que estos descubrimientos, me cuestionan bastante en cuanto a la validez de lo que estamos haciendo por acá y son un espejo. Sin embargo, creo que la occidentalidad es parte de nosotros ya por siglos. En nuestra naturaleza está el mestizaje, lo cual nos da cierta identidad regional en los resultados. Aunque también es cierto, que nuestros jovenes desprecian la tradición. En fin, sería un punto interesante a tratar en otra ocasión.
Por lo pronto me quede con las ganas de algo. Eso que quizás sea lo que muestra mejor la relación de los asiáticos con la música. Si, me quedé con las ganas de meterme en un Karaoke con un grupo de orientales y verlos con sus corbatas en la cabeza cantando sin restricciones.

BOTELLITA DE JEREZ A LA CARCEL

2006-09-18T08:39:00.000-05:00

Evangelios apócrifos de un ex-Botello
Por el Sr. González/Publicado en La Mosca #108

Yo me encontraba a dos meses de convertirme en padre y recuerdo que era una época en que sucesos de todo tipo se daban con mucha rapidez e intensidad. Era 24 de noviembre de 1993. Para entonces, no imaginábamos las sacudidas que el país viviría algunos días después, a partir del alzamiento zapatista y los asesinatos políticos.
Habíamos grabado la maqueta de nuestro próximo disco, Forjando Patria, el cual nos reivindicaría con el público rocanrolero después de un desastroso coqueteo con las cumbias y Televisa. El futuro disco tomaría un sentido especial y yo diría hasta conceptual con los sucesos de aquel cercano enero. No teníamos disquera y como mencioné en el texto ¨El productor perfecto¨, publicado en La Mosca #105, en ese momento éramos unos apestados en el medio.
Pero ese día los Botellos (como nos llamaban fraternalmente a los integrantes de Botellita de Jerez), vivimos una experiencia poco común que hoy traigo al recuerdo. Fue la primera ocasión en que tocamos en el auditorio Julio Castillo, de la prisión de alta seguridad de Almoloya de Juárez, en dos conciertos para grupos de cincuenta presos cada uno, en los que también asistieron algunos custodios y personal de la prisión.
Juan Pablo de Tavira, criminólogo que algunos años después fuera trágicamente baleado en el comedor de la Universidad Autónoma de Hidalgo en Pachuca, no sin antes haber sobrevivido a un intento de envenenamiento con gas butano en su propia casa, fue quien diseñó meticulosamente esta prisión. En esos días, él fungía como director de tan peculiar cárcel. Era el segundo aniversario de la fundación de este centro penitenciario y tocamos como parte del programa de rehabilitación de presos, los cuales eran involucrados en actividades artísticas, "...para hacerles la vida un poco mas llevadera y para darle un peso menos duro y represivo al sistema penitenciario..." según nos decía un trabajador social que ahí laboraba.
Así fue, como ante la crema y nata de la delincuencia de este país, nos presentamos frente a quizás, el más enigmático de los públicos que hayamos tenido nunca. Durante cinco horas aproximadamente, vivimos como invitados especiales, en la claustrofobia de una prisión comparable a mis recuerdos mas obscuros de películas como "El Silencio de los Inocentes" (cuando la agente Clarice Sterling visita por primera vez a Hannibal) o "Termitator II" (cuando rescatan a Sarah Connor, madre del futuro líder de los humanos, de la prisión psiquiátrica con todo y guardias encabinados, que controlan todo movimiento en monitores de televisión).
Nos recogieron temprano en un transporte destinado al personal de la prisión y nos dirigimos primero hacia Toluca, la cual atravesaríamos para tomar posteriormente la carretera hacia Atlacomulco. Algunos minutos después, nos desviamos del camino para finalmente llegar al centro de readapatación social, no sin antes pasar un par de retenes en los cuales, guardias fuertemente armados, inspeccionaron el vehículo y nos vieron con sospecha.
Llegamos a una recepción y después de pasar una estricta revisión y cumpliendo todos los requisitos que nos pidieron previamente, como el de no ir vestido de caqui o azul ni usar pulseras o cinturones, te llevan por una serie de trayectos internos en donde están controlados los accesos y las salidas de cada pasillo. Terminas por perder el sentido de orientación, ya que la cárcel está planeada para no tener ángulos rectos en sus recorridos, lo que hace que uno no sepa si esta dirigido al norte, o al sur, o a donde sea. El tiempo se hace más lento y las rejas se convierten en una constante visual familiar. Si lograbas ver espacios abiertos, estos estaban subdivididos por rejas electrificadas y nos informaron que pisábamos varios metros de concreto al ras del suelo, para de esta forma evitar túneles.
Después de un recorrido laberíntico, nos instalamos en el foro y realizamos una pequeña prueba de sonido. Esperamos con nerviosismo al primer grupo de reos.
En esta prisión hay varias prisiones en una, es decir, está dividida en varios módulos donde se agrupan los delincuentes según su perfil y los cuales no tienen interacción con los otros módulos. Nosotros tocaríamos solo para dos de estos grupos.
Al llegar los primeros presos a las butacas, los notamos un poco idos. Nos explicaron que los dopaban para controlar su agresividad. Los sentaron con un lugar vacío entre cada uno de ellos y hablaban burlonamente entre sí. Era difícil no pensar que nosotros éramos la causa de esas risas.
En el primero de los dos conciertos fue difícil romper el hielo, pero gracias a la capacidad alburera de mis compañeros Armando Vega-Gil y Paco Barrios "El Mastuerzo", se logró la interacción deseada, aunque cauta por nuestra parte. Santiago Ojeda y yo, optamos por dedicarnos solamente a tocar, como era nuestra costumbre. Confieso que me hubiese resultado imposible lograr un diálogo en estas circunstancias, por lo que las habilidades de mis amigos me ayudaron a sentirme tranquilo y manejar la situación.

Mis compañeros fueron rebautizados por los presos, con apodos como "Copete de Hueso", ya que Paco estrenaba su corte de pelo al estilo Miguel Hidalgo y "Pata´e Gis", apodo que hacía referencia a la pierna enyesada de Armando. Vega-Gil, querido colaborador de esta revista, por poco muere unos días antes en La Marquesa, víctima de un amor no correspondido, causa por la que se le nubló la vista y esto a su vez, provocó su caída de una pared de piedra por la que muy enamorado y descuidado escalaba. La pata rota fue un mal menor si pensáramos que terminó a un metro del suelo y nosotros, a un instante de quedarnos sin bajista.
Con los reos, comenzó el intercambio de sobrenombres y así, nos fuimos enterando que uno se hacía llamar "Robocop" y otro "La Bestia". No recuerdo bien quién de los dos era uno de los famosos narcosatánicos. Se decía que descuartizaban niños en sus ritos.
En esta “llevada” interacción entre presos y Botellos, un reo que se decía compositor, nos quiso hacer llegar una de sus letras que inmediatamente fue interceptada por un custodio. El contacto físico con nosotros era totalmente prohibido y evitado. La confianza es un bien bastante escaso en ese lugar.
También apareció un típico rockero de la vieja guardia que pedía a gritos "Polvo en el Viento", "Escaleras al Cielo", Hotel California" o alguna Jimmy Hendrix, mientras su compañero a un lado, políticamente correcto, lo reprendía diciéndole que era mejor escuchar nuestro mexicanísimo material.
La tensión finalmente fue desapareciendo y pudimos terminar satisfechos la primera de nuestras presentaciones.
Apenas tuvimos un poco de tiempo para descansar y estar listos para el segundo concierto con los presos del módulo 8, mejor conocido como el módulo de "Los Olvidados". Con ellos, llegamos a lograr momentos divertidos y emotivos. El nombre de este módulo, corresponde a que los presos que lo conforman, hicieron delitos tan terribles que ni amigos (!), ni familiares los visitan jamas. En este módulo, todos purgan tantos años de condena, que prácticamente son cadenas perpetuas.
Con nuestra recién estrenada canción "La Valona de la Conquista", los hicimos saludar a la bandera entre las miradas preocupadas de los custodios. Cuando acabamos, no faltaron las felicitaciones navideñas anticipadas para mi y mis compañeros.
Botellita de Jerez entretuvo así a un público poco común, tratando difícilmente de no juzgar a nadie en ese momento. Habíamos logrado interactuar con un público del que vibrábamos los extremos más obscuros de la conducta humana.
Luego, nos llevaron a un comedor vacío en donde nos dieron de cenar alimentos sin sal, ya que de esta forma controlan el lívido de los reclusos. Y después de pasar por las mismas revisiones a la salida del penal que cuando ingresamos, regresamos a la Ciudad de México en una noche muy fría. Sus luces desde el cerro de las cruces me parecieron distintas después de nuestro pequeño encierro. El chofer que nos llevaba, nos contó como apaciguaban a los presos con manguerazos de agua fría, aplicados directamente en sus celdas individuales y videograbadas las 24 horas del día. Nos contó de personajes como Caro Quintero y otras ¨distinguidas¨ personalidades recluidas en módulos que ya no conocimos.
En esta aventura nos acompañaron nuestros técnicos, entre ellos el inseparable "Apache" quién algunos años después, viviría su propia pesadilla en una cárcel californiana. También iba nuestro representante Roberto Martínez y Antonio Cruz de Blas, periodista que hicimos pasar como parte de nuestros técnicos. Este, escribió por esos días, su versión de esta visita en el periódico Uno más Uno.
Al principio de esta narración, mencioné que era la primera vez que nos presentábamos en Almoloya de Juarez. Tiempo después, volvimos a ese pequeño foro. Supimos que no todos habían pasado por ahí con la misma suerte de nosotros. Nos dijeron que Yuri, en un numerito de corte evangelizador, fue rechazada por tan selecta audiencia y la trataron realmente mal. En este regreso, nos acompañaron Fratta, que en esos días era nuestro ingeniero de audio y, queriendo repetir el esquema del periodista incognito, llevamos a Oscar Sarquiz. Lo cierto es que, en esa segunda ocasión ya no se repitió la misma intensidad de la primera vez. El aire se respiraba distinto. Eran tiempos Zedillistas y de Lozano Gracia como procurador de la república. Ya estaban encerrados ahí, Mario Aburto y Raúl Salinas. Se notaba cierto relajamiento en la seguridad sin dejar de ser finalmente, estricta. Después de un tiempo dejo de llamársele Almoloya para convertirse en la prisión de alta seguridad de "La Palma".

EL PRODUCTOR PERFECTO

2006-09-18T08:03:00.000-05:00

Por el Sr. González/Publicado en La Mosca #105
Capitulo I
Un secreto bien guardado

Corría el año de 1993. La banda se encontraba en el punto mas triste de su carrera, ya que cargábamos con el peso de la deshonra después de haber incursionado arrogante y torpemente en el mundo de las cumbias y las telenovelas. Éramos los apestados del rock nacional. Nos habían dado nuestra carta de retiro en Polygram, después de haber pagado por ella. Estábamos enojados y necesitábamos regresar a nuestros orígenes mas pesados y viscerales, para lo cual habíamos grabado durante los ensayos, un demo en mi portaestudio de 4 canales. Buscaríamos un productor y ya teníamos en mente a alguien muy importante.
Pero regresemos en el tiempo, a unos meses atrás. Como habitualmente lo hacía, una mañana hablé por teléfono con el guitarrista del grupo, Santiago. Cuando me despedí, dijo: ¨oye, recuérdame que te cuente algo que me esta pasando¨. ¨No me lo puedes decir ahora¨, contesté. La respuesta fue un contundente ¨no¨. Le di poca importancia al hecho y colgamos.
Mas tarde, salí a comer con un amigo a la plaza de Coyoacán y, cuando caminábamos por la fuente de los coyotes, nos cruzamos con un grupo de turistas. Uno de ellos me llamó la atención y recuerdo haberle comentado a mi amigo que esa persona se parecía mucho a John Paul Jones. Comentamos lo factible de esa posibilidad, recordando que alguna vez, otro amigo mutuo se encontró a David Gilmour en el Zócalo. ¿Porqué no estaría el bajista de Led Zeppelin paseando en el Jardín Hidalgo? nos preguntamos y bromeamos al respecto.
El mismísimo John Paul Jones, había compuesto un año antes la obra Macondo para Ricardo Gallardo, excelente músico mexicano integrante del famoso ensamble percusivo, Tambuco. El día anterior, habían presentado la pieza en cuestión en el Palacio de Bellas Artes y, una vez cumplido el compromiso de estrenarla en nuestro país, el rockero ahora convertido en exquisito compositor para percusión, le pidió a Ricardo que lo conectara con las raíces musicales de nuestro país. Este lo llevó a la casa de su amigo, el Negro Ojeda, legendario cantante de sones jarochos, ex-integrante de Los Folcloristas y viejo compañero de escenario de Amparo Ochoa. Total, llegaron a su casa en la calle Juárez, muy cerca de los viveros de Coyoacán y no importando lo temprano del día, brindaron con tequila para darle tono al encuentro. John Paul confesó su gusto por esta bebida jalicience, comentando que solía tener una botella tequilera sobre su amplificador en los conciertos de Zeppelin. Cuando los ánimos se prestaron para el palomazo, el Negro le gritó a su hijo que hablaba por teléfono, para que bajara a acompañarlo con la guitarra y la jarana. El Negro comentó, ¨este es rockero como tu¨, pero a mi me sabe acompañar con sentimiento tlacotalpence. No pasó mucho tiempo cuando ya estaban los tres, con John Paul tocando el piano, improvisando en la sala de la casa y el hijo del Negro, mi estimado Santiago, como no queriendo la cosa, intercalaba en su ejecución algunos riffs zeppelianos. Después de unas horas, el caballero inglés se despidió y se fue a conocer el centro de Coyoacán donde se cruzó con un incrédulo, pero buen fisonomista servidor de ustedes. Al día siguiente, cuando volví a hablar con Santiago, al fin me contó eso ¨increíble¨ que le había pasando.
Pero volviendo al momento en donde terminamos nuestro demo, hicimos una copia para el famoso amigo del joven Ojeda. En un sobre con destinatario: John Paul Jones, se lo mandamos con nuestra petición para que nos produjera. Unas semanas después hablamos a Inglaterra para conocer su respuesta. Nos comentó que se sentía muy halagado de que lo consideráramos para trabajar con él, pero que tenía su agenda sumamente cargada y que estaría libre hasta el 95. Supusimos que era una manera muy elegante de decirnos que no, pero igualmente quedamos muy agradecidos con su atención.
En fin. Cuando le dije a Santiago que porqué no me había confesado que estaba con él cuando hablamos por teléfono esa mañana, me pregunto: ¨¿Que hubieses hecho si te lo decía?¨. ¨Le habría caído a tu casa. Después de todo, una percusión no les habría venido mal¨, contesté. ¨Por eso no te dije mi querido Diablo¨, contestó el ojeis.

Capitulo II
¿Comerciales?

Después de la olímpica bateada de John Paul Jones, no dejamos que el ánimo de la banda decayera y analizamos otras posibilidades. Necesitábamos un productor que por una parte entendiera la viseralidad de nuestro nuevo sonido y que por otra, comprendiera nuestra propuesta sincrética, es decir, nuestro mestizaje musical.
Propuse a Mitchell Froom, productor de Los Lobos, que en aquel 1993 era esposo de Susane Vega y su trabajo como productor, me parecía de lo mas vanguardista. Nuestra amiga en Los Angeles, Raquel Escudero, intentó contactarlo y fue imposible.
Luego pensé en David Byrne, al cual siempre he admirado mucho. Sabía que vendría a México, ya que su esposa trabajaba en una organización que combate al SIDA e iban a hacer un evento en el Teatro de la Ciudad, en donde se presentarían juntos Celia Cruz y el ex Talking Heads, para cantar la ahora clásica canción, Loco de Amor. Gracias a la ayuda de mi amiga, la periodista Rocío Macías, le hice llegar a Byrne por medio de una de las organizadoras del evento, un paquete con el susodicho demo y nuestros datos.
Lanzamos un nuevo anzuelo y esperamos a ver si esta vez picaba. No teníamos como contactarlo telefónicamente y él aun no había tenido su acercamiento a la escena del rock nacional, como lo hizo años después con Café Tacvba y Los de Abajo. Dependíamos de que él quisiera contestarnos y solo contábamos con la esperanza de que una señora desconocida le hubiese dado nuestro paquete y que él, a su vez, no lo hubiese olvidado en alguna parte.
Mientras esperábamos la respuesta y el año se terminaba, me dedique a visitar todas las disqueras transnacionales. ¨El demo¨, fue recibido con cierto desprecio en casi todas partes. Pero en EMI, Adrián Posé que se nos presentó como Director Artístico de esta empresa, se mostró muy amistoso e interesado por nuestro trabajo. En su oficina, recuerdo que tenía una envidiable fotografía de Janis y nos confesó que estaba por firmar a otra banda de rock, unos chavos de Neza, llamados Las Víctimas del Dr. Cerebro. Sonaba a que habíamos llegado al lugar indicado. Nos propuso que para nuestro disco, pensáramos en un productor nacional, para que todo fuera mas sencillo y se puso sobre la mesa el nombre de nuestro amigo Sabo Romo. Nos citamos con el ex Caifán en un Vips y se dio buena química. Nos comenzamos a familiarizar y entusiasmar con esta nueva circunstancia cuando, después de un par de semanas de pláticas y planes, la tierra se tragó al Sr. Posé. Su secretaria, ya me contestaba con verguenza, ante las constantes evasiones de su jefe. Y nuestro amigo, dejó de contestar su celular inexplicablemente. Se habían esfumado. ¿Que pasó????? Nunca lo sabremos.
El tiempo corría y los sucesos que el país vivía junto al cambio de año, hicieron que se polarizaran las opiniones políticas en nuestra sociedad. Seguimos añadiendo temas al demo y llegó el alzamiento zapatista, el asesinato de Colosio y por otra parte, nuestras canciones llenas de rabia, coincidían con ese México que mostraba su cara cubierta por un pasamontañas y que sentíamos la cara de todos. La opción de hacer un disco independiente, producido por nosotros mismos, nos parecía consecuente con nuestra percepción de México.
Pasaron muchos meses desde la historia del paquete y cuando dábamos por perdido el tema de trabajar con un productor, en marzo del 94 nos llegó una postal desde Nueva York que decía: . (Gracias por la cinta. Suena bien. Como sea, tal vez es muy comercial para mi y Luaka Bop. David Byrne). ¿Quién es Luaka Bop? nos preguntamos, sin entender que era el nombre de la naciente disquera que él había creado. ¿Comerciales? eso si que nos dio risa. Ojalá así pensaran de nosotros en el resto de la industria. Total, vimos otra esperanza que se esfumaba frente a nosotros en forma de postal, aunque quizás, ahora ya no nos importaba tanto.

Capitulo III
La compañía de Jesús

Entre las puertas que fui a tocar, estaba Discos Culebra de la compañía BMG. Me atendió el ex guitarrista de Neón (los mismos del papareo-papa-uereo), Humberto Calderón alias, El Mucu, que tenía a su cargo este subsello de transnacional disfrazado de disquera independiente. Les estaba yendo muy bien con sus tres primeras bandas: La Lupita, Santa Sabina y La Cuca. Según me explicaba El Mucu, no querían involucrarse con bandas veteranas como nosotros. Le agradecí su franqueza y seguí mi camino. La idea de autoproducirnos, fue tomando cada vez mas fuerza ante las negativas.
Por esa época, tocábamos mucho en el Rock Stock, gracias a que Lyn Fainchtein, la ex locutora de Rock 101 y programadora de eventos de dicho lugar, nos tenía muy buena fe. Una noche que tocábamos ahí, se iba a presentar a unas cuadras, en La Diabla, el primer disco de Fratta, Romántico Desliz. Pero los asistentes a dicho evento, se encontraron con la tragedia de un antro clausurado. Esto provocó que algunos ¨vestidos y alborotados¨, decidieran caminar unas cuadras y entrar a vernos. Así fue como llegó hasta nuestro camerino Saul Hernández, con afán de agarrar la chorcha y acompañado de un español trajeado al que le dijo, vente, vamos a ver a unos cuates bien cagados. Estuvimos bromeando por un rato prosáicamente, hablando de pedos y guácaras. Cuando íbamos a salir a tocar se despidieron, no sin antes invitarnos a visitar el antro que había abierto Saul en Cuernavaca. El siguiente fin de semana se presentaría Cecilia Toussaint.
Yo no pude ir esa vez, pero mis compañeros si. Ahí se volvieron a encontrar al español del camerino que finalmente se identificó como Jesús López, Director General de BMG en México. Dijo que el espectáculo de la otra noche le había encantado y que como era posible que no tuviéramos disquera. Que fuéramos a hablar con El Mucu y que él iba a dar las indicaciones pertinentes que el caso ameritaba.

Una semana después, estábamos firmando nuestro contrato con Discos Culebra e increíblemente teníamos un presupuesto para grabar. El disco salió en septiembre de 1994 producido por nosotros mismos y lo hicimos en Los Angeles, en los Estudios Cherokee con George Tutko, ingeniero de grabacion de Rod Stewart y John Melecamp, entre otros, lo cual fue una gran experiencia. Este disco se convertiría, a mi parecer, en el mejor disco de Botellita de Jerez y le pusimos Forjando Patria.
Por el Sr. González